Willie le canta a Bob

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Willie Nile confirma que el 23 de Junio verá la luz su próximo disco en el cual rendirá homenaje a uno de sus ídolos, al grandísimo Dylan. "Positively Bob: Willie Nile Sings Bob Dylan" será un disco de versiones, allí estarán las favoritas de Willie y puede que también las nuestras. En su WEB ya se puede reservar el disco que vendrá con muchos regalitos exclusivos. Os dejamos con el listado de canciones:

1. The Times Are A’ Changin’
2. Rainy Day Women #12 & 35
3. Blowin’ In The Wind
4. A Hard Rain’s A’ Gonna Fall
5. I Want You
6. Subterranean Homesick Blues
7. Love Minus Zero, No Limit
8. Every Grain Of Sand
9. You Ain’t Goin’ Nowhere
10. Abandoned Love

Together at Last: Tweedy en acústico

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Jeff Tweedy sigue a lo suyo. Junto a Wilco entregó el año pasado un señor disco, Schmilco, y como parece imposible tomarse un descanso anuncia uno nuevo, esta vez en solitario. Un disco acústico donde reinterpretará sus temas de Wilco y también de otros proyectos donde ha participado como Golden Smog y Losse Fur. Parece ser que este "Together at last" es el primero de una serie de discos en acústico en los que Tweedy revisará su enorme y maravilloso catálogo de canciones. El disco se pondrá a la venta el 23 de Junio y contendrá las siguientes 11 canciones: 

01 Via Chicago/ 02 Laminated Cat/ 03 Lost Love/ 04 Muzzle of Bees/ 05 Ashes of American Flags/ 06 Dawned on Me/ 07 In a Future Age/ 08 I’m Trying to Break Your Heart/ 09 Hummingbird/ 10 I’m Always in Love/ 11 Sky Blue Sky.

Son Volt - Notes of Blue (2017)

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La historia siempre es caprichosa. La mala relación entre Jay Farrar y Jeff Tweedy en Uncle Tupelo provocaron una escisión histórica. Por un lado Mike Heydorn y Farrar creaban Son Volt mientras que el resto de los "tupelo" con Tweedy al mando se reagrupaban como Wilco. Por tanto de las cenizas de Uncle Tupelo nacieron dos bandas que, echando la vista atrás y repasando su obra, se muestran imprescindibles en el mapa sonoro americano. De acuerdo, a Wilco tal vez les ha ido mejor, qué digo, mucho mejor, sin duda son mi banda entre el final de siglo veinte y comienzos del veintiuno, pero siempre que he escuchado un disco de Son Volt, siempre, he quedado prendado de la voz de Jay y de esas guitarras con sabor a raíces americanas. Este 2017 Farrar y compañía han creado el que tal vez sea su mejor disco desde aquel lejano debut de 1995, el maravilloso "Trace" que no para de sonar en el hogar nikochiano toda la semana, por eso lo de tal vez, por eso y por el tema inmediatez, veremos si el excelente "Notes of blue" supera el paso del tiempo, que tiene pinta de hacerlo sin problemas, pues si algo tiene esta nueva colección de canciones es que a cada escucha nos atrapa con más fuerza y pasión, descubriendo matices que en las primeras escuchas se nos podían haber pasado por alto. Si algo tiene esta banda que la hace especial es sin duda la voz de Jay Farrar, un poderoso y hermoso instrumento más, al alcance de muy pocos. Curioso es también que mientras en la blogosfera todos, absolutamente todos, aplaudimos los nuevos temas de Son Volt, muchas de las páginas especializadas pasan de puntillas sobre él, lo ningunean y le dan de lado, pero no os dejéis engañar pues "Notes of Blue" es todo lo que deseábamos, todo lo que necesitábamos para no perder la esperanza en una banda que merece sin duda más reconocimiento del que tiene. En "Notes of blue" no encontraremos innovación ni experimentación alguna, no hay ruidismos a lo Wilco (ni tampoco los esperamos), encontramos clasicismo (bien entendido), muchas referencias indispensables pero sobre todo personalidad. Rock americano bañado de sonoridades clásicas, de country, folk y blues, y bastante de aquel rock de los noventa cuando Farrar alza la voz. 


Mi enamoramiento por este disco no es un capricho. Una prueba irrefutable de su calidad es el tema que abre el disco, "Promise the world", un tema que es tan, tan Bonnie "Prince" Billy que es imposible que un servidor no lo ame. Todo en ella me sabe, me huele y me recuerda a Will Oldham, favoritísimo absoluto del marcianito que os habla, y sólo por eso, un disco que no tenía las papeletas de embrujarme lo hace sin pestañear, y sólo con el primer tema. "Back against the wall" es uno de los temas del disco, aquí encontramos ese regusto al rock americano de camisas de cuadros de los noventa, aquel que bebía sin disimulo de Tito Neil, aquí hay guitarras a lo Crazy Horse y estribillos épicos Springstinianos. Tema esencial y acojonante. "Static" ruge. Encantará a seguidores tanto del rock clásico como de por ejemplo Pearl Jam si es que los de Vedder no podemos considerarlos ya clásicos, y a  la vez sigue siendo fiel a su esencia, a su historia, tanto a los inicios de Son Volt como a los "Tupelo". Mi favorita del disco es sin duda "Cherokee St". Joya para mi ya, de este 2017, con cierto aroma a Steve Earle. La electricidad de sus guitarras nos ponen todo de punta mientras que la percusión básica, casi tribal, hace que nuestros pies se muevan por sí solos y suframos alguna que otra lesión cervical. La belleza de "The Storm", de carretera y manta, es de pelos de punta. Belleza absoluta como digo, melodías ensoñadoras, delicadeza sin perder fuerza ni poder, irresistible. "Lost Souls" es otro trallazo imprescindible. Otra de mis favoritas. Otro rockazo de esos que disparaban a quemarropa en nuestra sien con una cascada de guitarras demoledoras. Ojo con "Midnight" que tiene esas guitarras fronterizas americanas pero que a un servidor le recuerda muy mucho a las primeras composiciones de Ian Anderson sin su flauta, a primeros temas de Jethro Tull, sí, sin duda creo que podría estar en el magnífico e infravalorado disco de la banda británica, en "Benefit" de 1970. Me viene a la cabeza aquello, y precisamente aquello es una maravilla, uno de esos discos que considero joya oculta absoluta. "Sinkin down" se pone en modo carretera, como unos ZZTop sin barba. Polvo y sudor, y parada en un bar de carretera a beber cerveza. Mientras que "Cairo and southern" levanta la mano para ser considerada una de las mejores canciones del disco.... El final con "Threads and steel" es puro blues sucio y garagero, con un regusto en lo narrativo a lo Cave. En definitiva, disco grandioso que no entraba en las quinielas para codearse con lo mejor del año pero que sin duda estará entre los elegidos. Doble felicidad, primero por encontrar un disco de este nivelón y segundo por recuperar a una gran banda y a un gran talento como Farrar, y que por fin se haga justicia. 

Son Volt - "Notes of Blue" (2017)

01.- Promise the World/ 02.- Back Against the Wall/ 03.- Static/ 04.- Cherokee St/ 05.- The Storm/ 06.- Lost Souls/ 07.- Midnight/ 08.- Sinking Down/ 09.- Cairo and Southern/ 10.- Threads and Steel.




*Post aparecido originalmente en Nikochan Island por Nikochan

Lovely Creatures; lo mejor de Nick Cave y las Malas Semillas

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Nick Cave sigue con su particular terapia. Sigue el señor Cave trabajando ya sea con otro documental, de gira, grabando nuevo material o, como en el caso que nos ocupa, sacando al mercado una magnífica, extensa y muy interesante compilación de su carrera. "Lovely creatures" es el título de esta maravillosa criatura musical, esa que cuenta paso a paso la historia de un autor sobresaliente. Las canciones que aparecen abarcan el periodo desde 1984 hasta 2004 y han sido elegidas por Cave y las Malas Semillas, encontraremos en dicho artefacto joyas indispensables pero también alguna pieza menor que según Cave será un placer redescubrir a los fans. Diferentes formatos que van desde doble CD o triple LP, a 3CDs más DVD y libreto de lujo... Esta caja de superlujo verá la luz el 5 de Mayo vía Mute Records. Os dejamos con el tracklist: 

CD1: 1984 -1993

From Her To Eternity
In The Ghetto
Tupelo
I’m Gonna Kill That Woman
The Carny
Sad Waters
Stranger Than Kindness
Scum
The Mercy Seat
Deanna
Up Jumped The Devil
The Weeping Song
The Ship Song
Papa Won’t Leave You, Henry
Straight To You

CD2: 1994 – 2003

Do You Love Me?
Nobody’s Baby Now
Loverman
Red Right Hand
Stagger Lee
Where The Wild Roses Grow
Into My Arms
People Ain’t No Good
Brompton Oratory
(Are You) The One That I’ve Been Waiting For?
Come Into My Sleep
Love Letter
God Is In The House
He Wants You
Shoot Me Down
CD3: 2004 – 2013
Hiding All Away
There She Goes, My Beautiful World
Nature Boy
Breathless
Babe, You Turn Me On
O Children
Dig, Lazarus, Dig!!!
Night Of The Lotus Eaters
We Call Upon The Author
Jesus Of The Moon
More News From Nowhere
We No Who U R
Jubilee Street
Higgs Boson Blues
Push The Sky Away

DVD:

Interview, 1988
Night Of The Lotus Eaters, 2008
Red Right Hand, 1998
The Weeping Song, 2001
Interview, 2013
Higgs Boson Blues, 2012
Interview, 1987
From Her To Eternity, 1984
Love Letter, 2001
Interview, 2013
Do You Love Me?, 2001
Interview, 2001
Into My Arms, 2008
We Call Upon The Author, 2009
Interview, 1991
The Mercy Seat, 1996
Interview, 1984
God Is In The House, 2001
Interview, 2013
Dig, Lazarus, Dig!!!, 2008
Brompton Oratory, 1997
I’m Gonna Kill That Woman, 1986
Jubilee Street, 2013
The Ship Song, 1992
Interview, 1994
Loverman, 1996
Interview, 1988
In The Ghetto, 1984
Hiding All Away, 2004
Interview, 1992
Where The Wild Roses Grow, 1995
Deanna, 2008
O Children, 2013
Interview, 1996
Stagger Lee, 1996
Interview, 2014
Interview, 1985
Push The Sky Away, 2013
There She Goes, My Beautiful World, 2004

Más detalles sobre "A kind revolution" de Paul Weller

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Avanzamos la llegada del disco en el Exilio, y ahora confirmamos fecha: 12 de Mayo; confirmamos colaboradores: Robert Wyatt, Boy George, Madeline Bell, PP Arnold, Josh McClory, Andy Crofts, Ben Gordelier, y su escudero Steve Cradock. Producido por el propio Weller y Jan "Satn" Kybert con el siguiente cancionero: Woo Sé Mama/ Nova/ Long Long Road/ She Moves With The Fayre/ The Cranes Are Back/ Hopper/ New York/ One Tear/ Satellite Kid/ The Impossible Idea. Os dejamos con dos de sus adelantos: Nova en el que parece que el espíritu de Blur se haya apoderado de su alma, y y Long Long Road, con su toque soulero más característico.


Albarn prepara el regreso de The Good, The Bad and The Queen

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Damon Albarn sigue a su rollo, sigue hiperactivo y esperemos que siga tan acertado como de costumbre. Su nuevo disco de Gorillaz está a punto de salir al mercado, concretamente el 28 de Abril, pero la gran noticia (ya se rumoreaba y confirmada por Albarn) es la grabación de un nuevo disco con sus compinches Simon Tong, Paul Simonon y Tony Allen, o lo que es lo mismo, tendremos un nuevo disco con The Goog, The Bad and The Queen, después del fantástico homónimo del 2007. No hay fecha de publicación pero es de suponer que será hacia final de año para dejar espacio al lanzamiento de Gorillaz. seguro que la espera merecerá la pena porque aquel disco de Albarn y compañía fue excelente. 

Pixies - Doolittle (1989)

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Desde luego no soy el más docto para enarbolar la bandera del rock independiente, es más, conozco a un par de tipejos amigos de esta casa con mejor gusto y un conocimiento más consumado del tema. También es verdad que en ésto de los estilos o escenas habidas y por haber confieso que nunca me he casado con nadie, toque el ukelele o empuñe una telecaster, puesto que es evidente que hay grandes discos por los siglos de los siglos en todas partes, desde las baldas más relucientes hasta en las cloacas más insalubres. A partir de aquí me parecía de recibo que un disco de la grandeza de Doolittle no pasara a engrosar las vitrinas de este maravilloso exilio musical, porque es una POM de un grupo, los Pixies, a considerar de los más grandes, y porque en mi caso me marcó (por los pelos) una juventud ciertamente ecléctica.

No voy a afirmar que, o bien éste o Surfer Rosa, incluso cualquiera de sus discos (a excepción, claro está, de sus dos últimas regularidades) es su mejor obra, porque incluso tengo el Bossanova en un pedestal. Doolittle, si a caso, podría considerarse su obra mejor acabada, el mejor equilibrio y síntesis entre los Pixies de los inicios de Come On Pilgrim y los discos que grabarían en los 90. Y bien sabéis que menos unos cuantos iluminados casi todos llegamos aquí por Here Comes Your Man, en mi caso además gracias a cuatro chicas rockeras vestidas de negro que bajo el nombre de Oyak operaron en los 90 en las cercanías de mi ciudad natal, la versión del Wave Of Mutilation que se marcaban era uno de los puntos fuertes de unos directos cargados de actitud y que en su momento me descubrieron el oro, o al menos un oro que no era fácil encontrar en los canales principales de una época marcada por el grunge y el brit-pop. 

Ahora ando metido de lleno de nuevo, todo sea dicho que por la gracia de mis paisanos Mad Robot (muy dignos herederos de su charm sonoro), metido en una ola de distorsiones disonantes y estribillos maravillosos, de oca a oca y le doy al play. Y señores, no puedo más que arrodillarme ante esta banda, y ojo a lo que voy a decir y preparado estoy para que me lancen algún tomate, que si bien el punk introdujo una actitud nihilista y desbocada a la misma fórmula del viejo rock'n'roll, una década después bandas como los Pixies (Sonic Youth, Yo La Tengo, Dinosaur Jr...) supieron alimentar esa actitud de "yo me lo guiso y yo me lo como" con un espíritu autodidacta que les llevó a sacarse de la manga un estilo propio con un desparpajo pasmoso, nadie suena como los Pixies, nadie sonó antes como ellos, nadie cantó como Black Francis, incluso su "everything is gonna burn" de la canción de los monos me parece hoy por hoy más brillante y real que el "no future" del sr.Juanito Podrido. Y es que muy pocos fueron capaces de darle a esta independencia un valor que casi diría elitista y de universitario engreido con unas letras que simpatizaban con el surrealismo, homenaje a Luis Buñuel incluido en la fantástica Debaser, y de ríete de la angustia existencial de la siguiente oleada guitarrera. Sin exageraciones innecesarias, ni pose fingida que valga, con unas cuantas power-chords, unos trenzados de guitarras simples pero efectivos en la sinuosa Monkeys Gone To Heaven, capaces de hilar un pop monumental para la fm en Here Comes Your Man y al mismo tiempo gritarte sin compasión al oido con Tame. Maravilloso minimalismo de bajo grueso y batería en primer plano empastado a la perfección con tremendas guitarras en I Bleed, juguetones en La La Love You, y hasta el final con una favorita como es Gouge Away que se come con patatas a todo aquel que se venga con la fórmula calma-tempestad. Un disco generoso, quince canciones y mucha tela, nada sobra y más allá de sus más arquetípicas tonadas encontraremos el aliento descarnado de canciones como Dead o la pulsión frenética en Crackity Jones, de una generación que gritaba por abrirse paso y que a la postre llegó tarde para el éxito masivo a pesar de su excelencia. Precisamente en este momento los Pixies estaban cruzando la difícil frontera desde la independencia hacia las grandes audiencias, paso que muchas veces se cobra su precio, aunque bajo mi punto de vista no fue el caso, es más, amplificó su esencia. 

Dootlittle lo tiene todo, la quintaesencia sonora del rock independiente, el puente perfecto entre los 80 y los 90, el grupo al que muchos de sus más existosos relevos se lo deben casi todo y a su vez uno de los mejores representantes del underground en el final de su década. Hubiera preferido un legado intachable, pero porque negarles ahora el derecho (aunque sólo sea con la leve coartada de un puñado de canciones a recoger de sus dos últimos discos) de pasearse por los escenarios como las leyendas que son, les corresponde y punto. 

Estos días suenan guitarras altas y chirriantes, entre ellas se abren paso gritos y susurros, bendita y necesaria enajenación que me lleva en volandas como el primer día que di con ellos, una perfección capaz de equilibrar el hastío y las ganas de comerse el mundo, la distorsión y el estribillo perfecto, la clara pero tormentosa línea que une la vida y la muerte, perfecta para sacudir la autoindulgencia y la ligereza con la que llevamos nuestra existencia, sí sr.Francis, gríteme con tranquilidad. Doolittle, sin miedo: obra maestra del rock de todos los tiempos. 

Por Chals

 Pixies - Doolittle (1989) 10/10

1.- Debaser / 2.- Tame / 3.- Wave Of Mutilation / 4.- I Bleed / 5.- Here Comes Your Man / 6.- Dead / 7.- Monkey Gone To Heaven / 8.- Mr. Grieves / 9.- Crackity Jones / 10.- La La Love You / 11.- No. 13 Baby / 12.- There Goes My Gun / 13.- Hey / 14.- Silver / 15.- Gouge Away


Zoe Muth and The Lost High Rollers - Starlight Hotel (2011)

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LLegó el buen tiempo, llegó la primavera. Aquí llega el Sol que cantaban los Beatles... Y con ese florecer y esa luz cálida y necesaria me hace repescar antiguos discos de felicidad americana. Miro los discos de mi colección y mi vista se centra en Zoe Muth, y visto como me gustó el disco de Tiff Merritt y lo que amo a Eilen Jewel pues no me queda otro que repescar su "Starlight Hotel" y cerrar el círculo de mis tres preferidas jóvenes damas de la música de raíces americana. Recuerdo pensar que con una portada tan sensacional ese disco debía ser mío. Daba igual que el autor del disco, autora en este caso, fuese desconocido para mis oídos como lo era también el estilo del artefacto en cuestión pues esa portada había despertado en mi interior ese viejo instinto de compra arriesgada y caprichosa. Me hice con el disco y me enamoré de Zoe. Después de eso me enteré de su amistad con Eilen Jewell y ambas comenzaron a formar parte de mi dieta musical, aunque con el tiempo tengo que reconocer mi predilección por Eilen pues "Queen of the minor key" (2011) y "Sundown over ghost town" (2015) son dos razones de peso aunque el disco que nos ocupa, este "Starlight Hotel" es en mi opinión algo superior. Curiosamente no es el primer trabajo de Zoe Muth, en 2009 apareció su disco debut junto a The Lost High Rollers que fue reeditado posteriormente, y en 2014 confirmó lo escuchado con un excelente tercer disco: World of Strangers. En medio, un EP llamado "Old Gold" (2012)  y el maravilloso "Starlight Hotel" que hoy nos ocupa y del que os quería hablar brevemente.

La cantante originaria de Seattle entregó con "Starlight Hotel" un sensacional álbum heredero del country folk americano de bar de carretera, de caravana, de cerveza y revolcón matinero, de desengaño y desamor. Ofreciéndonos un repertorio de lujo que recordaba a los grandes y no escondía influencias, desde Emmylou a Lucinda, pasando por papá Bob y Van Zandt, y hasta rememorando el sonido Cash trompetas mediante en alguna que otra canción. Todo muy bien presentado y empaquetado, adornado con una voz de lujo que hace de “Starlight Hotel” una joya oculta a descubrir. Un disco de esos que te arrancan la sonrisa y te obligan a ser feliz, al menos durante el tiempo que dura su maravillosa música. Ya desde la canción inicial uno sabe que disfrutará a lo grande. Suenan trompetas fronterizas y guitarras al galope, y la voz de Zoe nos reconforta como hacía mucho tiempo que no recordaba. “I’ve been gone” es un temazo, no me canso de escucharlo. Una pequeña joya que, como os digo, esboza en mi cara una sonrisa placentera. En el disco encontraremos todo aquello que amo de la música americana, además de ese rollo americano countril, hay mandolinas, trompetas, guitarritas y el clásico sonido de pedal steel. Lujazo, lujazo. El disco poco a poco y a cada escucha te va ganando y llevando al huerto, así encontraremos melodías fantásticas como la de “Whatever’s Left” sin duda una de mis favoritas del paquete, a medio camino del country y el pop. “Let’s just be friends for tonight” que es una delicia con un estribillo muy a lo Lucinda, o las inconmensurables baladas “Before the night is gone” y “If I can’t trust you with a quarter” que ponen el listón muy alto con un country maravilloso, de etiqueta. Quedan más sorpresas, más joyas ocultas como por ejemplo "New Mexico", o la deliciosa "Harvest moon blues". Uno de los mejores temas del disco es el que le da nombre. "Starlight Hotel" es simplemente redonda, y el cierre con "Come inside" nos invita a volver una y otra vez al Hotel de la luz de las estrellas, al mejor disco de Zoe Muth, a este maravilloso artefacto perfecto para los primeros calores primaverales. Felicidad y belleza en estado puro. 

Zoe Muth and The Lost High Rollers - Starlight Hotel (2011)

01.- I've Been Gone/ 02.- Whatever's Left/ 03.- Let's Just Be Friends For Tonight/ 04.- Before The Night Is Gone/ 05.- Harvest Moon Blues/ 06.- New Mexico/ 07.- If I Can't Trust You With A Quarter/ 08.- Tired Worker's Song/ 09.- Starlight Hotel/ 10.- Come Inside.



*Por Nikochan

Copernicus Dreams - The Honeymoon (2017)

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El vinculo con mi querida banda de Castro Urdiales vino por parte de mi amigo Luis. Él estaba entonces muy enfermo pero lleno, como siempre, de pasión por la música. Me comentó que tocaba el bajo en un grupo y que estaba seguro de que me iba a gustar. Me citó el nombre de Wilco y el rock americano de corte folk-rock dylaniano como influencia, el sonido que amo.

Todo se desencadenó rápido. Fue en el Record Store Day de 2015, la última vez que tocó Luis, en la tienda Power Records de Bilbao donde siempre habíamos compartido charlas interminables sobre bajistas favoritos, artistas y discos, es decir,  sobre nuestra pasión.

Ese día de abril es el último que le vi, tan lleno de alegría... Tocó con la ilusión de un niño pero sus ojos estaban muy cansados. Cuando entraba ya el mes de julio, Luis quiso descansar para siempre de su lucha contra la enfermedad. Nunca olvidaré su lección. La música lo era todo para él y disfrutarla hasta el último instante fue su manera de vivir plena. Permaneces en las canciones que has escuchado, te quedas impregnado en ellas, él sigue estando con nosotros.

La presentación de su primer disco,  Sunrise, se hizo meses después en el mismo templo de los discos de Bilbao, ya sin él, y allí me fui claro. Desde la puerta de cristal de Power escuché un repertorio lleno de esperanza, de ganas de seguir luchando, exactamente el mejor servicio que tienen que prestar las canciones para quererlas.

No lo pensé dos veces, Copernicus Dreams tenían que estar en el cartel del Último Vals de Frías 2016 (un fin de semana de homenaje al concierto despedida de The Band) ya que encajaban perfectamente con el espíritu vivido en la localidad del norte de Burgos.  Luis amaba a The Band y él desde el cielo puso la guía.
Abrieron el festival. Además ese día era el cabo de año de su bajista. Previamente, tuvieron un precioso detalle con la pequeña ciudad medieval: tocar en la calle del Mercado el día de la presentación del Vals y a todos nos encantó. El vínculo se generó para siempre y el badge del Vals costará desprenderlo del chaleco.

Si ya su debut Sunrise tenía un puñado de canciones infinitas, de levantar la boina por su frescura y el sabor de ese género que tanto nos gusta llamado americana, uno tenía muchas ganas de ver qué resultaba de su segundo trabajo, The Honeymoon, tras los acontecimientos intensos vividos por la banda.

La formación ha cambiado, incorporándose Maki Soto al bajo, segunda voz y coros soulful y a la guitarra Igotz Garamendi y ahí están, como siempre, Chus González , compositor, voz principal y guitarra, Pablo Gil a los teclados y Javier Santurde "Txangu" a la batería.

Un día no pude evitarlo y me acerqué al proceso de mezclas a los Estudios Gaua de Mungia  y a la primera de cambio o, mejor dicho, de auricular, vi que allí se había grabado algo muy grande.

¿Será la voz de engrudo y arena tan personal de Chus, con ese deje Rod Stewart tan soulero, raspado y nostálgico, será el tejido de órganos Hammond y pianos de Pablo Gil o quizás la sensación de Maki y sus call and response como si fuera P.P. Arnold con los Small Faces, los tambores clásicos y potentes de Txangu, la impresionante presencia de los órganos sixties y pianos eléctricos de Pablo o el clasicismo de Igotz acompañando con su guitarra como la brisa?  Respuesta: es todo el conjunto. El resultado me emociona sobremanera.

Observo una maduración magnífica en el sonido, el empaque, la profundidad, los matices que siguiendo la impronta copernicana de, digamos para referirnos, las canciones bonitas a la Jayhawks, lleva su sonido a otro nivel. Además y lo más importante es que esta Luna de Miel destila vida y verdad por todos sus costados. 

Preciosa idea la de comenzar relatando el día de la boda para seguir con el viaje de novios, reales como la vida misma, propios de Chus y esa sensación curiosa de imaginar entre las descripciones en inglés las calles de Castro, los parajes verdes de esa Cantabria infinita y un menú con unas viandas que seguro no se correspondieron ni por el forro en calidad culinaria a las de los países del idioma cantado.

The Wedding Day, es con su lap steel - instrumento que le da magia a gran parte del disco- un medio tiempo de la casa esplendoroso y clásico instantáneo, perfecta para empezar el viaje. Flotas, abres la ventanilla del coche y tiras millas. El raise your cup again en comandita con Maki es escalofriante y  remata un número de patinaje artístico musical de primera.

Y sin poder respirar, tras la resaca de la fiesta pillamos el avión para irnos a un The Honeymoon por todas las ciudades de los U.S.A. más emblemáticas.Canción romántica a mil, a medio camino entre el sonido mercurial que se inventó Dylan con Al Cooper en 1965/1966 y su evolución setentera magníficamente decadente de los Faces más reposados. Una balada para enmarcar, drinking beers in Sausalito like Otis watching the bay...

Tras el chute de amor de estas dos gemas llega Mysterious Woman, más reposada, algo psicodélica pero en acordes muy Buffalo Springfield o Stephen Stills, un folk rock que va creciendo con ese deje Gilmouriano que a Chus tanto le gusta.  Escuchar a Maki detrás pone los pelos del brazo mirando al sol. En todo el disco.

Vuelta a la Rainy Day Music, al encanto etéreo de los Fleetwood Mac del Rumours, a coperniquear de lo lindo con la preciosérrima  Even Roses Die y te das cuenta de que el amigo Chus tiene algo especial para encontrar melodías que te hagan flotar y ese don tan escaso hay que aplaudirlo a rabiar. Con Fakeband y Bantastic Fand, tras este soberbio The Honeymoon, los castreños se colocan en la clasificación, como el equipo del Cholo, realizando hazañas desde la playa de Ostende.

Like I Do no disimula su aire más sinfónico y floydiano y destacan las guitarras y su aire de reflexión.

La que me tocó ver mezclar, de ahí la sonrisa al escucharla, es el homenaje a Luis, How We Miss You donde se canaliza a través del folk-soul el mejor de los recuerdos para mi amigo y siguen sonando compactos, como si estuvieran todos enamorados entre si, instrumentos y músicos, corazones y recuerdos. For You From You suena como un outtake del Animals.

Marca la recta final la esencial, quizás mi favorita Cheers To Those Days donde Chus agradece a sus padres darle su vida, en una localidad pequeña norteña, costera, con humildad, con orgullo. Buff me llega del todo. Una balada para enmarcar.

Y qué bien tocan en todo el disco y qué gozada de trabajo han hecho en Gaua.

Chus me contó que Big Star , un medio tiempo estupendo, es un homenaje a las bandas malditas como la de Chris Bell y Alex Chilton y ese elixir nos trae al recuerdo, con alguna arrancada de guitarras majestuosa.
Y el punto final con la más roquera Run Baby Run dedicada a su sobrino y que me recuerda a cosas del brit pop más épico y en concreto a un grupo favorito llamado Sunhouse cuyo Crazy On The Weekend desde aquí recomiendo.

Las lunas de miel terminan pero la mayoría se recuerdan como un cuento de hadas. Copernicus Dreams tienen la suya ya grabada. El esfuerzo y la pasión puesta siempre tiene premio y  en su caso se llama The Honeymoon.  

Copernicus Dreams representan el grupo de pueblo, de la furgo, con la sonrisa y las canciones siempre a cuestas, en definitiva, la vida.


Contacten con la banda para la adquisición de este imprescindible cd en este email: 

Copernicusdreams@live.com

Presentación del disco: este próximo sábado 8 de abril en Instituto Ataulfo Argenta de Castro Urdiales , 20:30 h.   Allí estaremos.

Chuck Prophet - Bobby Fuller died for your sins (2017)

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Hace unos cuatro años entregué mi alma al Profeta Chuck, su "Temple Beautiful" resultó ser un discazo de esos que te pillan por sorpresa, provocan sensaciones olvidadas y hacen que sigas al artista para siempre jamás. En mi caso, sirvió también para profundizar en la carrera de un músico que llevaba en la maleta un buen puñado de discos tanto con Green on Red (su "Here comes the Snake" sigue siendo mi favorito...) como en solitario. Y ahí, en su carrera en solitario es donde se destapa Chuck como un grandísimo artista. "Temple Beautiful" y posteriormente "Night Surfer" me fidelizaron con su música, con su estilo, con su directo siempre brutal. Y mirando hacia atrás, tal vez "Homemade bluood" (1997), "The Age of Miracles" (2004) y "Soap and Water" (2007), junto a los dos anteriores discos nombrados formen ese poker de discos imbatible, hasta la llegada de "Bobby Fuller..." de este año que se añade a estos para darnos media docena de discazos descomunales. Sí, queridos terrícolas. Sí y mil veces sí. Que no os engañen, ni os confundan, este "Bobby Fuller died for your sins" no baja para nada el nivel, y con sucesivas escuchas casi podríamos decir que supera a sus dos predecesores o al menos los iguala sin despeinarse cambiando un poquito la fórmula ganadora. El Profeta entrega una colección de canciones menos accesibles de primeras, aunque como siempre hay pelotazos inmediatos, entrega una canciones que beben de aquel rock americano de finales de los setenta principio de los ochenta. Encontramos ecos a los Stones, a Petty, a los Kinks americanos..... a los mejores Pretenders!!!! siempre con esa voz tan característica y esos teclados deliciosos que saben vestir a la perfección sus canciones. No creo que falte o sobre nada en el disco, no creo que tengamos que estar comparando con obras pasadas, eso siempre acaba siendo un error. Si uno coge el nuevo disco y lo escucha como si no hubiese otro, encontrará en él auténticas joyas que atrapan a fuego lento y embrujan sin compasión. Es la palabra del Profeta, y nosotros como buenos discípulos debemos seguirle, escucharle y defender su obra, propagarla y darla a conocer, y sin duda con este nuevo disco, con "Bobby Fuller" nos lo pone muy fácil. Discazo. 


El tono ochentero (de los primeros ochenta) aparece ya de primeras con la canción que da nombre al disco y da pistoletazo de salida al mismo. "Bobby Fuller died for your sins" es un temón. Con una percusión simple pero efectiva y un "one, two, three, four.." que nos embruja en unos segundos. Un tema que engancha con la canción de los Clash, esa que habla sobre la muerte de "Bobby Fuller", aquel que luchó contra la ley y la ley ganó. Una canción que hace que repitamos su título a cada frase que canta Chuck y que en directo promete ser demoledora. Seguimos para bingo con "Your skin", una de mis favoritas del disco. Unas guitarras iniciales y una voz que recuerda muy mucho al bueno de Beck Hansen, y que cuentan con la participación esencial y vibrante de Stephanie. El baladón "Open up your heart" pisa un poco el freno. Es un tema delicioso. Muy Kink. Muy Ray Davies en su ADN. El de la epóca de "Better things" o "Don't forget to dance". Las guitarras Stonianas se notan en "Coming out in code", otra favoritísima... Guitarras de esencia stonianas, muy noventeras, muy puestas al día pero que hace que nos vengan a la memoria los Crowes, los Spin Doctors e incluso pensándolo bien hasta Jack White se asoma, si esta canción la hiciese el líder de los White Stripes la muchachada se volvería tarumba. "Killing Machine" sigue la senda marcada. Es un rocanrol sin demasiada historia, algo previsible pero no por ello menos disfrutable que tiene, eso sí, un final muy stoniano, muy del estilo "Beggars Banquet" que me hace vibrar.... Y luego llega ese temón, esa canción ochentera carne de la rafiofórmula de antaño, con ese incio tan "Pretender", y es que cuesta muy poco imaginar a Chrissie Hynde entonando este tema, o pensar que es una canción del Kinky Ray que le ha regalado a su ex. Temón y requetemón. Esta parte del disco es mi favorita pues "Jesus was a social drinker" confirma lo sabido. Chuck es muy grande. Con su fraseo divino, con su ritmo callejero, glamero, y muy canalla, este tema nos desarma. Igual que el tema dedicado a Alan Vega de Suicide. "In the mausoleum" se ha metido en mi cabeza y no puedo dejar de cantarla. Carne de directo.... "Rider on the train" vuelve a recordarnos a aquellos temas míticos de los ochenta sin dejar de sonar a Chuck, pues podría estar en cualquiera de sus discos anteriores sin desentonar... Maravillosa, como también lo es la sencillez de "If I was Connie Britton", con ese riff stoniano por montera, esa chulería tan "Some Girls"...  Y bueno, el debate llegaría con las dos siguientes canciones, que pueden dar la razón en algo a los que hablan e que algún tema puede sobrar. "Post-cinematic.." y We got up an played" sí pueden ser las dos canciones más flojas del disco, aún así son más que notables. La primera de ellas vuelve a sonar al Beck más noventero y  molón, y la segunda es una balada bonica pero no del to... Para cerrar el disco Chuck se guarda un as en la manga, se guarda un pelotazo titulado "Alex Nieto" con guitarras neilyoungueras y actitud crítica a tope. Un temazo descomunal que nos la pone dura. El Profeta Chuck entrega otro disco más, otro disco de una carrera sobresaliente, otro disco maravilloso y adictivo, otro disco que sin entrar en comparaciones estará entre lo mejorcito del año porque crece y crece como la espuma. 


Chuck Prophet - Bobby Fuller died for your sins (2017)
01.- Bobby Fuller Died for Your Sins/ 02.- Your Skin/ 03.- Open Up Your Heart/ 04.- Coming Out in Code/ 05.- Killing Machine/ 06.- Bad Year for Rock and Roll/ 07.- Jesus Was a Social Drinker/ 08.- In the Mausoleum (For Alan Vega)/ 09.- Rider or the Train/ 10.- If I Was Connie Britton/ 11.- Post-War Cinematic Dead Man Blues/ 12.- We Got Up and Played/ 13.- Alex Nieto.



*post aparecido originalmente en Nikochan Island por Nikochan