Lucinda Williams - The Ghosts of Highway 20 (2016)

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"Un equilibrio muy fino entre la lírica extremadamente profunda  de Lucinda Williams y la música de excelencia superior protagonizada por esas dos guitarras que se saben todos los palos de la América profunda sureña"


El nuevo disco de Lucinda Williams me tiene atrapado. Uno de los pocos elegidos que no ha parado de sonar desde que saliera hace casi medio año, cosa que se dice pronto, pero que rápido pasan las novedades!. Creo que no hará falta explicar que Lucinda Williams más allá de americanas y alt-country es una de las grandes damas de la música de la actualidad por trayectoria y por el excelente estado de forma que está demostrando a lo largo de los años, y quito ese habitual "dama" de por medias que ya hasta me resulta sexista, la Williams así a secas es una de las mejores singer-songwritters que existen ahora en activo, que oigan, haberlos haylos muy buenos pero que tengan una voz propia y una escritura refinada a contar con una mano, añadamos que su interpretación puede y debe considerarse maestra por la sinceridad desbocada que transmite, regla de oro para contraponerla a cualquiera que confunda el oficio con el estilo de diseño cartón-piedra. ¿Quien dice que ya no nos quedan heroes? es mentira, ella es uno de los grandes, pero sin nada de divismos, incluso aquellas ruedas marcadas en el camino se me antojan ahora parte del aprendizaje que la ha llevado hasta aquí, no quiero quitarle valor a aquel disco pom que por cierto es de mis grandes favoritos, ni a ningún otro tampoco, pero si que es verdad que desde hace unos años su nivel es el de los grandes compositores de la canción de autor a la altura de sus drunken angels.

Llega por esta carretera repleta de fantasmas que miran desde el arcén, una carretera por la que prima la apertura interior y la confesión sin cortapisas, el difícil arte de la canción cruda a la par que profunda y sin adulterar como la vida misma. Canciones de estructuras nada complejas que permiten el esparcimiento de los dos grandes guitarristas Bill Frisell y Greg Leisz, grandes protagonistas por la parte que les toca que a través de los compases hacen que este camino lleno de baches lleve además uno de los mejores trabajos de guitarra de los últimos tiempos, fraseos entrelazados pantanosos y con mucho blues, técnica refinada jazzística, pinceladas de excelencia sonora que apuntalan el sentimiento y emoción que contienen estas canciones.

The Ghosts of Highway 20 para mi no es comparable a ningún otro disco de Lucinda, podrá tener nexos de unión con su anterior y más fluido disco, no lo niego, el caso es que no veo mejores ni peores discos en su discografía, no entiendo sus discos de esa manera, para mi cada disco tiene su carácter y la Lucinda que manda siempre es la de ahora. Si ella habla yo escucho, y de ahí a Dust que raspa como la piel contra la grava de la carretera 20, ya de primeras ambas guitarras se esmeran en segundo plano cuando canta la jefa y se recrean en los espacios entre estrofas, confieren y dan grandiosidad a una composición de base arenosa que abre la puerta a este cancionero por todo lo alto. La conjunción es maestra y la magia espectral es la del Nebraska oculto y familiar que se impregna de la esencia de clase obrera heredada en este caso de la amargura del sur profundo, por tanto, aunque trata de sus experiencias personales ese Factory en mitad del camino puede que no fuera necesario, pero es un gran guiño y entiendo que Williams ha visto a su protragonista como uno de tantos fantasmas que  podrían recorrer esta autopista 20,  no la quitaría por nada del mundo, al igual que el House Of Earth que consta coescrita con Guthrie, por ser el título del último libro que escribió nuestro hobo universal y porque al tratarse de un disco road-movie de carreteras debía estar presente. La Lucinda crooner de I Know About It me resulta magistral, ese "I know all about the pain" se clava tanto como el lamento emotivo y cortante de la guitarra, en las mismas coordenadas de country noir se desenvuelve la excelente If My Love Could Kill.  

Place In My Heart es un remanso de paz, como una pequeña nana que da oxígeno en mitad de tanta densidad de canciones como la plegaria tormentosa y lánguida de Death Came. Doors Of Heaven que suena a campos de algodón y al sur profundo, a espiritual que clama al cielo y a country-blues inmenso. Ni más ni menos que siete minutos dura The Ghosts of Highway 20 el tema central tiene el fraseo vocal que la emparentan directamente con el folk primigenio pre-village pero la música la eleva más allá de sus orígenes, Bitter Memories es otro blues como la copa de un pino, esta vez de cantina y alcohol, de llorar las penas para continuar por esta autopista, que grandes Frisell y Leisz. Can't Close The Door On Love es favorita, se abre paso grácil con Lucinda entonando este ni contigo ni sin ti, un Trust me como una declaración de amor dolorosa, "I know we fight and we can raise some hell but I'm gonna be with you for the rest of my life", y es redundar, pero aquí la guitarra se sale.  A remarcar también la tormenta final que reinventa el gospel Faith and Grace de los Staples Singers, catártica y visceral como pocas, una de las versiones que sirven para completar un cuadro amplio con un mensaje claro de supervivencia y superación, una purga de dolores profundos del alma.

Por supuesto este disco demanda inmersión y abandono a sus canciones, no puede someterse al juicio rápido y superficial. Un disco que está hecho para las horas de esparcimiento nocturno y no apto para todos los paladares, de hondo calado y de los que acompañan a largo plazo, además contiene las mejores partes de guitarra de lo que llevamos de año. Un equilibrio muy fino entre la lírica extremadamente profunda  de Lucinda Williams y la música de excelencia superior protagonizada por esas dos guitarras que se saben todos los palos de la América profunda sureña. Un disco que me tiene cautivo. Uno de mis favoritos de este año. Muy grande Lucinda.

Por Chals Roig
Escrito originalmente para ON THE ROUTE

Lucinda Williams - The Ghosts of Highway 20 (2016) 9/10

1. "Dust" / 2. "House of Earth" / 3. "I Know All About It" / 4. "Place in My Heart" / 5. "Death Came" / 6. "Doors of Heaven" / 7. "Louisiana Story" / 8. "Ghosts of Highway 20" / 9. "Bitter Memory" / 10."Factory" / 11."Can't Close the Door on Love" / 12."If My Love Could Kill" / 13."If There's a Heaven" / 14."Faith & Grace"



Neil Young no descansa: nuevo disco en diciembre

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Culo inquieto, cosas de abuelo cebolleta, genio inclasificable???? esta última definición es la que le viene mejor al viejo Tito Neil. En diciembre volverá a sorprendernos con otro disco al que ha decidido llamar "Peace Trail", será su trigésimo séptimo álbum de estudio y a diferencia de los últimos discos éste será acústico según cuenta la nota oficial. El disco fue concebido después de la grabación de "Earth" y de la gira junto a Promise of the Real. Se grabó en los estudios Shangri-la de Rick Rubin, y ha tenido a John Hanlon como coproductor y mezclador, en el disco aparecen Jim Keltner y Paul Bushnell. Os dejamos con el cancionero y el primer avance. 

Neil Young - Peace Trail: 01 Peace Trail/ 02 Can’t Stop Workin’/ 03 Indian Givers/ 04 Show Me/ 05 Texas Rangers/ 06 Terrorist Suicide Hang Gliders/ 07 John Oaks/ 08 My Pledge/ 09 Glass Accident/ 10 My New Robot.

Rory Gallagher - Calling Card (1976)

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La pequeña y antigua localidad irlandesa de Ballyshannon vio nacer un 2 de Marzo de 1948 a una de las grandes leyendas de la guitarra y a una de las figuras esenciales del blues-rock, vio nacer y crecer a Rory Gallagher quién a los quince años ya tocaba en mil y un garitos, pero no fue hasta la creación del trío "Taste" que se le reconoció su inmenso talento. Con la base en la ciudad de Cork los Taste a partir de 1966 comenzaron a engrasar la maquinaria y con el disco debut homónimo en 1969 y sobretodo con "On the Boards" en 1970 conocieron el éxito, y con el éxito vinieron las disputas y Rory acabó partiendo peras e iniciando una carrera en solitario con un nuevo disco llamado sencillamente "Rory Gallagher" en 1971, un disco de esos que mirando hacia atrás se antoja imprescindible. A partir de este momento el talento y la creatividad de Rory se disparan, sus directos son brutales, y su fama a las seis cuerdas se hace mundialmente famosa, tanto nivel tenía el amigo Gallagher que superaba en crítica al mismísimo mano lenta Clapton y se le ofreció en más de una ocasión formar parte de las Satánicas Majestades Stonianas, creo que llegó a tocar con ellos en algunos conciertos por tierras holandesas, aunque el carácter irlandés de Rory no ligaba demasiado bien con la dictadura de los Glimmer Twins. Rory conforme pasan los años va perfeccionando su forma de componer y tocar, además de su manera de beber, exagerada y sin fin. Su mejor disco de siempre tal vez sea "Tattoo" (1973) aunque como imagináis mi favorito es el disco que hoy nos ocupa, el maravilloso "Calling Card", después tiene discos buenos y brutales, pero el debut, este par comentados y lógicamente "Deuce" son imprescindibles. Volviendo a "Calling Card", es curioso que cuando el mercado musical se vuelve más rockero con la llegada del punk y más variado en propuestas, es cuando Rory decide realizar un disco con influencias más jazzísticas, dejando de autoproducir el disco como siempre había hecho para colaborar en dicha producción con el bajista de Deep Purple Roger Glover quién sin duda realiza un espléndido trabajo en el estudio. Como músicos Gallagher cuenta con Gerry McAvoy al bajo, Lou Martin a los teclados y Rod de'Ath a la percusión, teniendo él todo el protagonismo a todos los niveles. Nunca su voz suena mejor, nunca su forma de componer es tan certera y como siempre, su guitarra dispara demoledores riffs. 


Rory Gallagher consigue llamar poderosamente nuestra atención desde el primer segundo del disco, consigue atraparnos en su mundo, en su atmósfera mágica y envolvente. La intro inicial de "Do you read me?" es absolutamente genial, con esa entrada tan rocanrolera, tan sonido setenta, tan putoámica. Sin duda estamos ante un tema de esos míticos que todo bicho viviente debería escuchar día sí día también, me copian? El woogie-woogie de "Country Mile", perdónenme ustedes pero.., me la pone dura. Riffs infecciosos y un solo de guitarra marca de la casa espectacular. La dureza guitarrera va subiendo poco a poco de nivel, esta vez toca disfrutar de la hardrockera "Moonchild", que lleva en su ADN el ABC del rocanrol, parece sencillo pero no lo es, es una brutalidad de tema que en su riff parece enseñar por donde deben ir los tiros en esto del hard-rock. Entonces Rory nos da una pausa con el tema que da nombre al disco, "Calling Card" es un tema inclasificable, un tema demoledor de blues-rock con esencia jazzística, el guitarra parece haberle enseñado al gran guitarrista Neils Cline de Wilco como hay que tocar rock con clase y emoción. Una canción que a nivel de composición resulta insuperable, bonica, deliciosa, mítica, seductora, otoñal... el bajo y los teclados vistiendo de gala el tema, y un Rory vocalmente perfecto. Temón. "I´ll admit your're gone" es tal vez mi tema favorito del disco, un tema folk con esencia sixtie, con hechuras kinkinianas, un tema, podríamos decir muy muy muy Dave Davies, tanto en su construcción como en su interpretación, si cerramos los ojos podemos imaginar perfectamente al pequeño de los Davies poniéndonos la piel de gallina o al mismísimo Rod Stewart dejándonos el corazón como un guiñapo. Con "Secret Agent" retoma Gallagher el camino del hard-rock, estamos ante un temazo para cargar pilas y desnucarse moviendo la quijotera al ritmo que marca la música. La sombra de sus admirados "Little Feat" aparece en la monstruosa "Jack-Knife Beat" y en "Edged in blue" marca la pauta de las guitarras de finales de los setenta, un tema que con las escuchas va enamorando y a día de hoy es uno de mis favoritos. El disco original lo cerraba "Barley and Grape Rag", un tema acústico grabado en directo en el salón del estudio con los músicos a su alrededor, ya sabemos de donde Jack White saca sus coqueterías no?. En la reedición del disco de 1999 aparecen dos bonus tracks: "Rue the day" y "Public enemy", ambos grabados en San Francisco. El primero de ellos con una armónica descomunal y un rocanrol incendiario a la vieja usanza, y el segundo es la primera versión del tema que aparecería en "Top Priority" que me gusta más aunque está versión es muy curiosa. En 2012 apareció otra nueva reedición del disco con otro tema extra llamado "Where was I'm going to?" al que nunca le he pillado la gracia, al que no veo en todo el contexto del disco y queda simplemente como una anécdota de un disco imprescindible, una POM del rock y sin duda el mejor disco de Rory Gallagher, uno de los maestros de la guitarra, un genio, un artista brutal al que habría que reivindicar más a menudo. 

Rory Gallagher - "Calling Card" (1976)
10/10
01.- Do You Read Me?/ 02.- Country Mile/ 03.- Moonchild/ 04.- Calling Card/ 05.- I'll Admit You're Gone/ 06.- Secret Agent/ 07.- Jacknife Beat/ 08.- Edged In Blue/ 09.- Barley And Grape Rag/ 10.- Rue The Day (Bonus Track)/ 11.- Public Enemy No. 1 (B-Girl Version)(Bonus Track)/ 12.- Where was I'm going to? (Bonus Track).



*Por Nikochan

Michael Kiwanuka - Love & Hate (2016)

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El brillante y talentoso ugandés de adopción inglesa Michael Kiwanuka nos dejó con la boca abierta, el alma hecha añicos y el corazón en un puño con su precioso debut en 2012, su "Home Again" era una preciosidad, un disco de una belleza fuera de lo habitual con ese regusto al "Moondance" vanmorrisoniano por sus hechuras folk y sus vestidos instrumentales como la mágica flauta, además Ethan Jones era el productor, y su buen gusto y su buen hacer están fuera de dudas. Kiwanuka entregó un disco, como he dicho, maravilloso pero desde entonces su silencio comenzaba a ser preocupante y todos aquellos que disfrutamos (y amamos) su primer trabajo esperábamos como almas en pena el siempre difícil segundo disco, el que debe poner a cada cual en su lugar, el que debe llevar a un artista a su confirmación o hacerle entrar en el selecto grupo de hypes debuteros. Como digo, el caso de Kiwanuka era preocupante pues llevaba mucho tiempo en barbecho y la rumorología apuntaba a que Danger Mouse sería el productor de su nuevo trabajo, y no es que no sepa hacer su trabajo pues desde luego es uno de los grandes productores de hoy en día pero es que su influencia en los artistas es grandiosa, para bien o para mal, cambiando estilos e identidades, y aunque normalmente sale vencedor y sus trabajos son pura dinamita, en contadas ocasiones el tiro le sale por la culata, y el pastiche se nos sirve en bandeja de plata. "Love and Hate" sería el título de la ansiada continuación de "Home Again", su portada me pareció preciosa y el primer adelanto que pude escuchar "Black man in a white world" prometía y a la vez confirmaba que Danger Mouse ya había modelado a su antojo dejando fuera el folk bonico del to para vestir las canciones con modernidades varias, como dirían los Coen: si la cosa funciona...  


Las primeras críticas, opiniones o reseñas de "Love and Hate" no le dejaban muy bien, ni al disco ni a Kiwanuka, y a los expectantes seguidores nos dejaba algo fríos. Había gustado el single a pesar del cambio de tercio hacia modernidades más radiables por decirlo de algún modo. Mi primera escucha entera del disco también me dejó... frío no, pero algo preocupado sí, al compararlo con su anterior referencia, desde luego no me pareció un mal disco sino todo lo contrario, lo que pasa es que en ocasiones no es el momento adecuado. "Love and Hate" es un disco otoñal, no sé como explicarlo, creo que necesita de ese ambiente, de ese olor, de esa sensación.... y además las nuevas canciones necesitan una escucha sosegada y atenta, pues además de no entrar a la primera no son tan bonicas o redondas ( o sí, y no lo parecen de primeras), tan fáciles de escuchar, como las de su primer disco, eso sí, una vez conectas con el disco (que lo haréis a bien poco que lo escuchéis con atención) ya no puedes dejarlo, es y será uno de los grandes discos del año. La prueba de todo lo que digo es "Cold little heart", la canción encargada de abrir el disco, canción de diez minutos de duración que es un tesoro, un regalo, una delicatessen. Tema bello y nostálgico, tema maravillosamente producido, un tema que como decían creo recordar en Pitchfork es una extraña mezcla entre Isaac Hayes y Pink Floyd. Una locura? puede, pero si lo pensamos bien, cuadra. Atmósfera pinkloidaina y guitarra galáctica, calidez, belleza... y cuando entra Kiwa con su voz.... hay que cambiarse de ropa interior.... "Black man in a white world" tiene todo lo que Danger Mouse quiere y predica, tiene ritmo afroamericano, tiene soul, tiene gospel, tiene mensaje, tiene mucho feeling, tiene eso que debe tener todo buen single. "Falling" me pone los pelos de punta, con esa estructura que me recuerda (que no la voz ni otra cosa) al "Everyday Robots" de Albarn, no sé, tiene algo de aquello, de aquella melancolía del futuro. "Place I Belong" tiene ese soul a lo Marvin Gaye, es puro setenta, es sexi, es sudoroso, es algo funki, algo de Mayfield? no sé, hay muchas referencias allí metidas, nada nuevo pero todo bueno. Llegamos al ecuador del disco con la canción que da nombre al disco, "Love & Hate" es fantástica, un regalo musical de siete minutos de duración, un temón, qué cojones!. Un despiporre de calidad, de voz angelical, arreglos celestiales y coros infecciosos de otro mundo. Una maravilla, para qué decir más. "One more night" tiene el sello Danger Mouse, si la tocasen los últimos Black Keys no nos parecería nada extraño, y "I'll never love" es esa canción que echábamos de menos y que conecta con el disco anterior aunque con otros ropajes, creo que en cierto modo mejores. "Rule the world" sigue esa senda más folki, más de cantautor que parecía haber dejado olvidada, una balada preciosa y remata la faena perfectamente con "Father's child" que es una de mis favoritas del disco con esa entrada tan "stevie", ese bello piano circular, esa percusión tan afro, y los increíbles arreglos orquestales. Para cerrar Kiwanuka se guarda otro as en la manga, hablo de "The final frame", que tiene una guitarra de esas que te dejan en cueros y una voz sensual que nos pone todo de punta, pelos incluidos. Para finalizar quería decir sólo una cosa, dejaros ya de puñetas, "Love & Hate" es un discazo en toda regla, en mi opinión superior al bello y sorprendente debut. Para un servidor es un claro candidato a estar entre los mejores a final de año. Dicho queda.

Michael Kiwanuka - "Love & Hate" (2016)
9/10
01 .- Cold Little Heart/ 02.- Black Man in a White World/ 03.- Falling/ 04.- Place I Belong/ 05.- Love and Hate/ 06.- One More Night/ 07.- I’ll Never Love/ 08.- Rule the World/ 09.- Father’s Child/ 10.- The Final Frame.




*Post aparecido originalmente en Nikochan Island por Nikochan

Nueva gira de Young Fresh Fellows

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La mítica banda americana vuelve a España. El ilustre Scott McCaughey (voz/guitarra) con Kurt Bloch (guitarra), Jim Sangster (bajo) y Tad Hutchison (batería) presentarán nuevo disco que solamente se podrá adquirir en esta gira, compuesto por rarezas y con título "Extintores y Txipirones".

Fechas y lugares: 

Sábado 29 de octubre: Benidorm, Funtastic Dracula Carnival 

Martes 2 de noviembre: Valencia, Loco Club 

Miércoles 3 de noviembre: Madrid, El Sol 

Jueves 4 de noviembre: Bilbao, Kafe Antzokia (+ The Northagirres) 

Viernes 5 de noviembre: Andoain, Bastera Kulturgunea

Hiss Golden Messenger - Heart like a Levee (2016)

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Hiss Golden Messenger es una banda de Carolina del Norte compuesta por dos músicos fijos: MC Taylor -actor principal, vocalista, guitarra y cara visible- y Scott Hirsch -teclados y voces.

Ellos dos, con ayuda de otros músicos de quitarse el sombrero, han recuperado de una manera muy original los sonidos a tarima noble de la Big Pink y del primer J J Cale además de todo aquello que vino "antes" y después en la música norteamericana con aires de pantano, brisa sureña y lodos del delta.

Su estilo es la melting pot, llamada americana, donde se combina toda la música de su continente: del jazz al gospel, del folk al soul, del reggae al country pero todo ello criado lento en barrica de roble americano, inadaptado a la urgencia de los tiempos que corren pero no por ello demodé.

Su carrera, aunque no alcanza los diez años, viene jalonada por continuas ediciones de discos y eps de ensueño, colaboraciones aparte, todas muy cuidadas en la forma y fondo ahora por Merge Records y antes por Paradise of Bachelors, un proceso que culminó con uno de los mejores discos de 2014 para la redacción de este Exile, el impecable Lateness of Dancers (recupera la sentida reseña pinchando en el título- obtuvo la posición 3 en nuestra lista tras los trabajos de Reigning Sound y Chuck Prophet)

Lo que no esperábamos es que a los dos años escasos lo iban a superar o por lo menos, igualar ya que a ciertos niveles de composición, sonido e interpretación ya no hay estrellas que marquen la diferencia cuando se está en racha.

El nivel de creatividad es tan alto que estamos seguros de estar viviendo una especie de trilogía mercurial que para un servidor comenzó con Haw en el 2013 pero uno ya no sabe al cielo al que pueden llegar cuando están enfocando su destino de una manera tan acertada que aunque pueda parecer continuísta, cada vez es más brillante y accesible (digamos, menos minoritaria, dicho todo ello relativamente, seguimos siendo cuatro pelaos los que les conocemos)

Como casi siempre pasa con los grupos legendarios y ellos lo son, lo que dota a HGM de una exclusividad pasmosa es el deje, el fraseo y la voz del bueno de MC, que se te pega al alma de los paisajes interiores encontrados en los paseos por tu entorno natural y lo hace como definía Bowie la voz de Bob Dylan, como engrudo y arena. 

Para orientar a aquel que no esté familiarizado con el grupo, vocalmente MC Taylor es el cromosoma Y de Lucinda Williams. Ese tipo de nostalgia sureña desoladora pero curativa que la de Lake Charles representa en su añoranza y práctica de algo tan analógico que no entiende de matemática aplicada. Es el back porch sound.

En este nuevo y extraordinario trabajo, que tras una primera escucha ya es uno de los discos podium de 2016, la chica para cantar en armonía con Taylor es la dulce Tift Merritt y le pega que no veas...en Happy Day (Sister My Sister) se te erizan los pelos del brazo.

Como lo hacía Street Legal y aquello discos soberbios de finales de los setenta, los HGM siempre arrancan con un torbellino celebrando la existencia, en este caso de título clásico como la de Jesse Winchester, Biloxi. Esta sublime canción trota y galopa como los medios tiempos de Bob Seeger o del más campero John Mellencamp cuando también era Cougar pero sobre todo dylanea en unos contornos prístinos que no veas.

Pero la tonada está hipotecada también por el groove de Stephen Stills o incluso el del New York New York de Ryan Adams y por eso a uno el corazón le sonríe y si, vuelve a querer, como siempre pasa con canciones que salen a contratiempo que sea comienzos del verano y haya kilómetros y el tanque esté lleno para disfrutar de tanta energía y tradición condensada en movimiento, con las ventanillas bajadas. Biloxi se convierte tras una primera escucha en otro de sus clásicos instantáneos y después de algunas más en la canción del año.

Tell Her I´m Just Dancing,  tiene ese aroma algo jamaicano en la estructura de la estrofa pero totalmente roquero en un estribillo insultante de bello y esos vientos militarizados para masajearte el alma y ponerte a tono. Y ese final colgado y justo. Silencio. Una delicia.

La que le da el título es una tonada muy de ellos, que aunque sorprenda menos de inicio,  en cuanto entra el arpegio de banjo y después hacia el final cuando toda la banda festeja la melodía en tropel , se transforma en otra cosa, una mala bestia de composición, una característica de este grupo. Las canciones te van susurrando a la nuca cada vez con diferentes cosas y te llevan directas al catre, no hay escapatoria.

Like a Mirror Loves a Hammer es pantanosa, grasienta, americana y densa y desde luego, si a Prince le hubiera dado por bajarse al sur a cantar en Muscle Shoals,  a esto hubiera sonado. Atención especial de nuevo a los vientos, esos vientos sagrados.

Tras un pasaje corto instrumental de mera niebla, Smoky´s Song, como para separar estados de ánimo, llega una de las gemas reposadas, Cracked Winshield donde residen todos los ingredientes que amamos de la gran balada campera de la Dixieland, vemos todo por esa luna agrietada de un coche abandonado en la cuneta del cruce desierto.En cada sílaba, en cada requiebro, hay dolor, dolor del bueno, del que cura heridas.


Siguiendo este disco road movie,  de desierto, sólo igualado en calidad este año por otras dos bandas americanas- Richmond Fontaine y Drive By Truckers  y una murciana-almeriense llamada Bantastic Fand, tenemos As the Crow Flies con un marcado ritmo Slow Train Coming, totalmente hipnótica como cuando Lucinda se pone a hablar de religión y pecado y te pone firmes.

Tras el inmenso dueto con Tift ya mencionado y una vez reposada la reflexión, Say It Like You Mean It  es un medio tiempo de transición, muy muy bonito y sincero, simple como es esta banda ahora todavía más predilecta.

Ace of Cups Hung Low Band es mucho más críptica, puro cine negro,  como las de sus primeros discos, ese gótico sureño que dominan a la perfección. Sientes que te están contando historias y tienes unas ganas inmensas de que vengan cerca para verles en directo, donde me imagino todas esas visiones del sur "que conquistan tu mente" se amplificarán hasta el delirio.

Y acaba con Highland Grace o el nuevo Tupelo Honey del XXI, quizás la mejor canción que han compuesto hasta la fecha, fuera de toda categorización salvo la influencia clara de nuestro gruñón Celtic Soul Brother Van.Canciones que hacen el amor con el oyente a partir de las 12 de la noche de un día de labor, en la soledad de sus cascos. canciones que hacen derramar lágrimas conduciendo por tu ciudad pensando en quienes te esperan y quienes te aguantan, crescendos de country soul que amplifican las emociones.
Edición doble de lujo
No ve vale lo que ha dicho algún camarada sobre que es un disco al que se le ve demasiado el plumero de sus influencias, Hiss Golden Messenger dentro de la tradición sagrada han creado un estilo nuevo bajo el sol que proviene de una voz, un recitado y una droga necesaria llamada M C Taylor y una forma de tocar ala de The Band o Little Feet para acurrucar tan extraordinaria y prodigiosa voz. Cantar bien es transmitir, no necesariamente dar la nota perfecta sino la nota blue,  no lo olvidemos, los  HGM bien que nos lo recuerdan.

En fin, que estoy enamorado de este disco, de esta banda, de la voz de Taylor y que no paro de escucharlos.Con Danny & The Champions al otro lado del Atlántico son mis dos bandas actuales favoritas anglosajonas.

El corazón como una presa, se titula esta maravilla y os aseguro que se encuentra a punto de reventar de tanto amor. Si señor , bravo HGM, es justo la inundación que necesitamos.


* Existe una edición deluxe con otro disco adicional llamado Vestapol que es acústico, nebraskero pero de alta calidad, vamos que no es de relleno como suele pasar, lo que ratifica su estado de gracia.

Hiss Golden Messenger - Heart Like A Levee (2016)

Biloxi /  Tell Her I’m Just Dancing /  Heart Like a Levee/
Like a Mirror Loves a Hammer / Smoky’s Song /
Cracked Windshield /As the Crow Flies Happy Day (Sister My Sister) / Say It Like You Mean It /  Ace of Cups Hung Low Band / Highland Grace



Chuck Berry anuncia disco para 2017

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Ayer celebramos todos el cumpleaños del verdadero Rey del Rock, nada más y nada menos que 90 años cumplía el bueno de Charles Edward Anderson Berry, no contento con eso Chuck nos hizo un regalo a todos, anunció que para el año que viene tendrá finalizado un nuevo LP con temas nuevos después de 38 años. En el disco estarán presentes dos de sus hijos: Charles Berry Jr. a la guitarra e Ingrid Berry en la armónica. Chuck Berry ha comentado que lleva trabajando mucho tiempo en este disco, el cual está dedicado a su mujer Themetta y que con total seguridad esta nueva colección de canciones cerrarán su sobresaliente carrera como músico y genio absoluto. Toca esperar y tener paciencia. Os seguiremos informando mientras cruzamos los dedos para una gira de despedida.

Andrew Bird - Are You Serious (2016)

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En 1993 se formaba una mítica banda que para muchos sigue en la actualidad oculta, una banda llamada Squirrel Nut Zippers que es una verdadera delicia y que manejaba perfectamente la fusión del Swing, el blues del Delta y el Klezmer. Aquella banda tenía como cabeza visible al magnífico Jimbo Mathus quién estaba perfectamente acompañado, y uno de aquellos acompañantes no era otro que el genial violinista Andrew Wegman Bird aunque este pájaro silbador voló pronto del nido para comenzar una interesantísima carrera en solitario. Carrera que el de Illinois empezó con el fallido "Music of Hair" y así pues, no fue hasta el año 2003 y 2005 cuando entregó una dupla que sencillamente es fantástica, hablo de "Weather Systems" (2003) y "Andrew Bird and the mysterious production of eggs" (2005), para luego rizar el rizo con "Armchair Apocrypha" (2007). Después de eso y aunque me consta que ha entregado trabajos notabilísimos le pierdo la pista o simplemente me deja de interesar, no me pone o no conecto con sus nuevas canciones hasta este 2016 con "Are you serious" donde el señor Bird vuelve con la inspiración por montera y una vuelta a su mejor sonido, a su fórmula magistral triunfadora, ya sin experimentos ni tiempo para despistes. En el proceso del disco hay una boda, un niño y una enfermedad mortal que al parecer ha sido superada por su mujer pero que dejó una profunda huella que queda reflejada en este disco que me tiene totalmente robado el corazón. Es un disco como digo que vuelve a la fórmula que le dio cierto éxito pero en las letras encontramos más sinceridad o madurez o como le queráis llamar, sin duda el cáncer detectado a su mujer le afectó así como su paternidad., y en definitiva influyen en la creación de unas canciones notabilísimas que a cada escucha nos van atrapando. "Are you serious" está siendo uno de mis discos estos días y si nada lo remedia estará entre mis elegidos del año.


Las primeras notas de "Capsized" ya nos dejan claro que Bird ha vuelto por sus fueros y que lo ha hecho a lo grande, sin pedir permiso y derrumbando la puerta. "Capsized" es un temón de tomo y lomo cercano al soul ligero. Maravilloso en cualquier caso. Seguimos disfrutando con otro temón, esta vez marca de la casa, hablo de "Roma Fade" que me parece una locura de buena, como lo es también "True lies low" que repite el soul ligero del inicio, muy agradable al oído y que gusta de primeras. "Puma" ya es harina de otro costal. Uno de los temas del disco, una canción redonda con mensaje entre lineas, mensaje de ánimo para su mujer, que como un Puma luchaba contra el cáncer que la acechaba sin compasión. "Chemical switches" no ha inventado nada pero tiene sus mágicos silbiditos y cumple con el cometido de no bajar el nivel de un disco notable. La colaboración con Fiona Apple en el tema siguiente, "Left handed kiss", es simplemente POM. Como lo es el tema que da nombre al disco, "Are you serious", que tiene a Bird luciéndose al violín con una deliciosa y perfecta melodía. De lo que falta, resalto todo pero sobre todo "The new saint Jude" que tiene ese innegable regusto a Sufjan, y como no "Valleys of the young". Temón. El resto no baja el nivel y hacen de este "Are you serious", un disco imprescindible en lo que llevamos de año y en la carrera de Andrew Bird. 


Andrew Bird - "Are You Serious" (2016)
8,5/10
01.- Capsized/ 02.- Roma Fade/ 03.- Truth Lies Low/ 04.- Puma/ 05.- Chemical Switches/ 06.- Left Handed Kisses (feat. Fiona Apple)/ 07.- Are You Serious/ 08.- Saints Preservus/ 09.- The New Saint Jude/ 10.- Valleys Of The Young/ 11.- Bellevue/ 12.- Shoulder Mountain/ 13.- Pulaski.



*post aparecido originalmente en Nikochan Island por Nikochan

Bob Dylan Premio Nobel de Literatura

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Para el diccionario de la Real Academia Española (RAE), la literatura es una actividad de raíz artística que aprovecha como vía de expresión al lenguaje.

Otros la definen como el arte de la expresión escrita o hablada, ahora también cantada y para la wiki es, en su sentido más amplio, cualquier trabajo escrito; aunque algunas definiciones incluyen textos hablados o cantados. En un sentido más restringido y tradicional, es la escritura que posee mérito literario y que privilegia la literariedad, en oposición al lenguaje ordinario. 

Bob Dylan ha conseguido que el lenguaje ordinario se convierta en arte por la rima y se aplique a cada fatum de las personas a las que sus frases, eslóganes y versos han marcado sus propias vidas, como enseñanzas o síntesis del común de los mortales tanto de la visión interior de la soledad, el amor, el desamor o la euforia como de la visión de un mundo que va de mal en peor y la acertada invención de las letras de la arruga es bella.

Lo ha hecho con gracia, con timing, con un adorno esencial, sus melodías dentro de los tres acordes y la verdad y la tradición de la canción americana y por influencia , internacional,  en todos sus palos, por tanto, él tiene un doble mérito.

Pero hay que ser muy mentecato o ignorante para no ver en estos versos la pluma de su genio.Sin conocer el inglés, leyéndolos, sabes que te cuentan la verdad.

Darkness at the break of noon
Shadows even the silver spoon
The handmade blade, the child's balloon
Eclipses both the sun and moon
To understand you know too soon, there is no sense in trying
Pointed threats, they bluff with scorn
Suicide remarks are torn
From the fool's gold mouthpiece the hollow horn
Plays wasted words proves to warn
That he not busy being born is busy dying
Temptation's page flies out the door
You follow, find yourself at war
Watch waterfalls of pity roar
You feel to moan but unlike before
You discover that you'd just be one more person crying
So don't fear if you hear
A foreign sound to your ear
It's alright, Ma, I'm only sighing

Él se defiende sólo, como lo viene haciendo día tras día. Hoy estará de bolo pero desde este Exile queremos enviarte nuestra enhorabuena, eres grande, aún más si ya lo eras suficiente.

Congratulations Maestro!

Crónica concierto Dropkick (Loco Club, 12-10-16)

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Dropkick cronica concierto Loco Club 2

Armonías vocales, guitarras y más guitarras en equilibrio y fraternidad desde el primer segundo hasta el último. Los escoceses DROPKICK daban el comienzo a su gira por España en la capital del Turia durante la velada del 12 de octubre del año en curso, concretamente en la sala Loco Club, demostrando oficio, clase, que poseen un extenso legado de calidad y que pertenecen al sector musical artesanal más selecto. 

Aunque el plato fuerte del evento que nos ocupa era su flamante último álbum Balance the Light, toda la actuación de la banda formada por Andrew Taylor, Ian Grier, Scout Tobin y Mike Foy sirvió para alternar sus diversas etapas y publicaciones de los últimos ocho años, así como para exhibir un excelente estado de compenetración, confianza e ilusión en esta nueva etapa tras la salida del miembro original Alastair Taylor.

Como si atendieran a un orden cronológico abrieron fuego con un capítulo más lejano en el tiempo, Too much to stay, preciosidad guitarrera de pop celestial perteneciente a un poco conocido álbum “Abelay Hotel” del 2009. Más remota sonaría posteriormente una joya semi-oculta como If you can’t be mine del “Do the i” del 2008 que haría inevitable a más de uno de los privilegiados asistentes que nos acordásemos de las fabulosas “Songs from Northern Britain” de los Teenage Fanclub. 


No sería la única copla con la que, si cerrábamos los ojos, nos pudieran evocar a sus paisanos escoceses. Muy especialmente canciones del “Homeward" comoJump starto una impresionante When it starts(la que a título personal más me impactó) impregnaron la sala de un teenagefancluberismo tan extraordinario como mágico. Del mencionado álbum del 2013 sonarían también Halfway round again”, “Come homeo Butterfly”, tres temas que pudieron evocar casi respectivamente a referencias como los Beatles más psicodélicos, los Jayhawks del período sin Olson o los orfebres americanos The Posies. 

Dropkick cronica concierto Loco Club 3
Más. No faltaron a la cita otros diamantes camuflados como Bad line, incluida en el “Time cuts the ties” del 2011, o las pegadizas Going where you’re going o Until i fall away, del “Paper trails” del 2012, de esas canciones que sirven para valorarlas en su justa medida cuando las oyes en directo. 

Del último álbum desfilaron cinco gozadas comoHomeward”, “I’m over it”, “I wish i knew”, “Slow down y Save myself. Entre las rarezas, o quizás mejor sería decir gratas sorpresas, Styleque daba título a un Ep del 2013, la presentación en vivo de Even when you’re gone (contribución de los escoceses al nuevo compilado “Twelve string high” del sello discográfico español “You are the cosmos”) y una espectacular versión en la recta final del Cinnamon girl, el clásico del maestro canadiense Neil Young. 

Dropkick cronica concierto Loco Club 4
A destacar que me llamó poderosamente la atención esa relevancia que le dieron a temas del “Good vibes, The Dropkick Songbook Vol.1” del 2014, empezando por la contundente Breakdown, por una sobrecogedora balada como Where i’m from o por ese colofón con Good vibes”, “Obviousy Give it back

Quizás la nota agridulce fue la escasa asistencia, tan solo medio centenar de afortunados, o preferiblemente decir elegidos, que disfrutamos de una noche de melodías cristalinas. Por una parte esa lectura de formar parte de un privilegio y por otra la sensación de que a Dropkick no se les valora como se merecen, y máxime teniendo en cuenta la calidad y el potencial de su propuesta musical, tanto en estudio como en directo.

* Todas las fotografías publicadas son del archivo personal del redactor.

* Por Johnny J.J. Crónica publicada  también en el siguiente enlace del Espacio Woody/Jagger


Jonah Tolchin - Thousand Mile Night (2016)

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El profeta Chuck siempre nos guía por el buen camino, el del rock con alma, el de un directo incendiario, el de grandes canciones de ayer y hoy. Como buen profeta pregonando la palabra del rock por doquier, Chuck tiene su pequeña cantidad de apóstoles, creyentes y continuadores de la palabra del profeta, evangelizando al pueblo con actuaciones gloriosas y discos maravillosos. Uno de esos apóstoles es el barbudo Jonás, y es que Jonah Tolchin además de apóstol del Profeta Chuck fue su telonero durante la última gira, su vendedor ambulante y su técnico de sonido, eso le sirvió para coger muchas tablas y sobretodo para dar a conocer su magnífico disco del 2014 "Clover Lane" que ya comentamos en el Exilio y que seguramente fue el disco sorpresa y/o revelación escuchado en 2015. Jonah antes de aquello había sacado sus cosicas pero no habían tenido el fruto deseado, ni el esperado, ni el que justamente merecía, así que firmó por Yep Records y se acompañó por músicos de primera, sobretodo por músicos de otro proyecto que me chifla, el de los Diamond Rugs, se juntó con "el lobo" Steve Berlin y con el diablillo de Steve McCauley, resultado? pues un disco sobresaliente, un discón qué cojones. En "Clover Lane" ya veíamos asomar los puntos fuertes de Tolchin, su manera de componer y de cantar tan especiales. Su county-folk de etiqueta que esta vez explora sin remordimiento alguno, más tirando hacía el folk que hacía el rock o el country, más sorbiendo de la esencia Dylan, más que nunca desde luego. Esa dylanesque que adoro, que amo, que necesito.... 


Antes de entrar al detalle, me gustaría sincerarme, pues tengo una pega para el disco, una pega pequeña, casi una tontería. En mi opinión falta una canción gancho, y eso me sorprende pues en su disco anterior había como un poker de canciones demoledoras y radiables, de esas que gustan ya de primeras, y eso en este disco no existe. Quiero decir con eso que sea peor? pues para nada, sólo que en este caso el oyente debe ser más paciente, y es entonces cuando con las escuchas uno lo disfruta al máximo. La clave está en un sonido más acústico, más folk, más dylanesque que anteriormente, más country melancólico, más bluesi bonico del to ...., no sé, es una joya, no sé como explicároslo, a mi, el amigo Tolchin me parece que tiene un talentazo brutal que aún está por crecer. Escuchar sino el tema que abre el disco, ese "Beauty in the ugliest of days", precioso tema dylanesco, del Bob de "Nashville Skyline" con los ropajes del Devendra de "Niño Rojo", es decir, una delicia que sabe combinar al antiguo Dylan con el folk, podríamos decir, que moderno. Sería conveniente e ideal pensar en el sonido de "Girl from the north country" para definir el disco de Jonah, por tanto es un disco fantástico. El segundo de los temas, es el que le da nombre al disco, otro temón. más bluserillo, más juguetón y fronterizo, tal vez ese tema que debería ser el tema abanderado del disco, por su título y su calidad. Un lujo. "I wonder" sigue por los caminos explorados por Cash/Dylan, con más swing si cabe y algo de esencia cincuentera, para cuando llega "Completely", un servidor ya está entregado totalmente al nuevo artefacto de Tolchin, y es que este tema, es una delicia, una de mis favoritas. Sólo por este inicio demoledor el disco ya se coloca entre mis claros favoritos a mejor del año pero es que suena "Paint my love" y se me dibuja la sonrisilla en la cara. Cómo madura Jonah!!!! la leche, que nos deparará su próximo trabajo? cositas como la preciosérrima "Song about home" muy paulsimoniana, o como la kinkineante "Unless you got faith" donde también hay mucho, muchísimo de Dylan, o tal vez maravillas bluseras como "Where the hell are all of my friends".... Desde luego que si se queda como está ya nos podemos dar por satisfechos, os habéis fijado en lo buenísima que es "Working man blues #22", y ese final tan bello y delicado con "Hard time killing floor blues"? El nuevo disco de Jonah Tolchin es un tesoro, una colección de canciones sobresalientes que en mi opinión, sí superan a su anterior trabajo. No se lo pierdan terrícolas.


Jonah Tolchin - "Thousand Mile Night" (2016)
9/10
01.- Beauty In The Ugliest Of Days/ 02.- Thousand Mile Night/ 03.- I Wonder/ 04.- Completely/ 05.- Paint My Love/ 06.- Song About Home/ 07.- Unless You Got Faith/ 08.- Where The Hell Are All Of My Friends/ 09.- Working Man Blues #22/ 10.- Hard Time Killing Floor Blues.



*post aparecido originalmente en Nikochan Island por Nikochan

Gira de Dropkick por España

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La excelente banda escocesa DROPKICK estará de gira durante el mes de octubre por España para presentar su flamante nuevo álbum "Balance the light" que tanto recomendamos aquí con la oportuna reseña. 

Fechas y lugares:

Miércoles 12 de octubre de 2016 - Valencia - Loco Club

Jueves 13 de octubre de 2016 -  Zaragoza - La Lata de Bombillas 

Viernes 14 de octubre de 2016 - Bilbao - La Ribera 

Sábado 15 de octubre de 2016 - Burgos - Carabás 

Sábado 15 de octubre de 2016 - Madrid - El Intruso

Blue and Lonesome, nuevo disco de los Rolling Stones

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En sólo tres días los Stones han hecho el trabajo de una década o el que podían haber realizado en dicho periodo pues ese es el tiempo de su sequía creativa. Tal vez es que del pozo ya no pueda sacarse nada más, y tal vez por eso este nuevo trabajo es una colección de temas blues. Nada que objetar, lo disfrutaremos seguro, ojalá el Boss sacase uno así de soul.... Los Stones vuelven así a sus inicios, a su primera época donde bebían sin disimulo del blues, para ello cuentan con otro blusero de postín, con Eric Clapton en al menos dos temas, toca dar las gracias incluso antes de escuchar este esperado artefacto. En Blue & Lonesome encontraremos 12 temas, versiones de Jimmy Reed, Willie Dixon, Eddie Taylor, Little Walter y por ejemplo Howlin’ Wolf. Os dejamos con las cacniones que formarán el disco: Just Your Fool, Commit A Crime, Blue and Lonesome (que da nombre al disco) All Of Your Love, I Gotta Go, Everybody Knows About My Good Thing, Ride ‘Em On Down, Hate To See You Go, Hoo Doo Blues, Little Rain, Just Like I Treat You, I Can’t Quit You Baby.

Bap Kennedy - The Sailor's Revenge (2012)

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He de reconocer con cierto pudor que hasta la llegada de este maravilloso disco no tenía ni puñetera idea de quién era Bap Kennedy. Ya lo sé, ya sé que no tengo perdón, ni excusa, ni coartada alguna pero coñe, un marcianito que como quién dice hace nada llegó a este planeta de pandereta no puede conocer todos sus entresijos ni sus tesoros escondidos. Lo intento, pero no me dan más las dos neuronas en línea que me quedan. Me acuerdo que Manel desde su "corazón de rock'n'roll" habló del señor Kennedy pero a pesar de que el post era cojonudo (lo confirmo pues lo he vuelto a leer), que contaba maravillas de su nuevo disco con aires celtas, y que además recordaba un disco de Bap imprescindible llamado “Domestic blues” (1998) que según él era, además de obligatorio, santo y seña de quienes disfrutamos con el country-rock, nombrando a gente como Van Morrison, Steve Earle y Shane McGowan como amigos, seguidores y colaboradores de Bap (hay edición deluxe del disco con canciones con gente de ese pelaje) yo pasé de todo, me olvidé, qué sé yo, estaría escuchando otras historias. Cateto!. Pues eso, que no fue hasta que el exiliado Chals en su "Route" habló de Bap Kennedy, que no me acordé de lo que explicado por Manel en su momento. Até cabos y entonces, con estos dos señores recomendando el asunto no pude mirar hacia otro lado y me hice con esa joyita que lleva por título “The Sailor's revenge” a pesar que el aburrido y soso Mark Knopfler estaba detrás del asunto. A día de hoy, este disco sigue sonando en casa, sobretodo en periodo otoñal, y además, después de conocer la trágica noticia (Bap tiene al parece un cáncer de difícil solución), ha sido pinchado media docena de veces., y sí, sigo pensando que es una joya, un tesoro.... como también su "Domestic Blues".


No soy seguidor de Knopfler. De nunca. No niego su docena de composiciones exquisitas y memorables. No reniego de algún que otro disco suyo que me sé de carrerilla y menos de lo bueno que era aquel “Alchemist” pero leñe, el tipo con los años aburre que ni os cuento aunque el que tuvo, retuvo. Pero para ser sincero creo que hizo un buen trabajo como productor, guitarrista (toca creo en siete temas) y segundas voces, y además me parece que los músicos que acompañan a Kennedy son los que lo hacen habitualmente con el señor Knopfler. Y saber tocar, saben un rato. Pero aquí lo importante es el discarro que se ha sacado de la manga Bap. El disco a pelo es cojonudo y si le añadimos el disco extra de la edición de lujo ya ni os cuento. Esa edición es la que me yo conseguí y recomiendo a todo bicho viviente. La venganza del marinero comienza con una delicia celta que responde al nombre de “Shimnavale”. Si escuchas esta tonadilla y no se te eriza el bello tal vez no seas de este planeta, tal vez carezcas de alma y por supuesto en vez de corazón puede que tengas un boniato, coge hora para hacerte un chequeo. Qué maravilla de canción! Qué cosa más bonita!!! Si es que te dan ganas de izar las velas e ir a descubrir mundo. Esto es pura magia celta.  Y luego te remata con la embriagadora “Not a day goes by”, con ese toque de trobador irish. Me encanta. Para rematar el buen inicio de disco hay esa joyita llamada “Jimmy Sánchez” dedicada a uno de aquellos mineros chilenos. Una cancionaca inolvidable y me atrevo a decir que indispensable en este 2012. Luego el disco sin bajar de calidad sigue por los mismos derroteros. Guitarritas folki, flautas, violines, humedad, calor cerca de la lumbre, belleza, mucha belleza y por supuesto grandes canciones como “Maybe I will”, “Please return to Jesus”, “Working man”, “Celtic sea” que cierra el álbum o la canción que da nombre al disco. De todas ellas me quedo con “Working man” que me derrite toa pero como digo Bap no baja la calidad en ningún segundo de este discazo que sigo disfrutando a lo grande y que seguro que fue uno de mis favoritos de aquel año. 

Bap Kennedy - “The Sailor's revenge” (2012)
8/10
01.- Shimnavale/ 02.- Not A Day Goes By/ 03.- Jimmy Sanchez/ 04.- Lonely No More/ 05.- The Right Stuff/ 06.- Maybe I Will/ 07.- Please Return To Jesus/ 08.- The Sailor's Revenge/ 09.- Working Man/ 10.- The Beauty Of You/ 11.- Celtic Sea.




*Post aparecido originalmente en Nikochan Island por Nikochan

Dropkick - Balance the light (2016)

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DROPKICK - Balance the light 1

...la cantera británica, con cuentagotas, sigue ofreciendo grandes momentos, grandes trabajos a pesar de no ser reconocidos en su justa medida...

Resulta muy curioso que con el importante grado de mediocridad que impera en el mundillo musical británico de la última década no se le de más bola a las propuestas procedentes del susodicho Reino Unido que rebosan calidad por todos sus poros. Tal es el caso de DROPKICK y su nuevo álbum Balance the light

DROPKICK - Balance the light 2
Para los amantes del powerpop melódico de guitarras y armonías vocales aquí tenemos un ejemplo de mucha categoría que seguramente estará haciendo las delicias de los privilegiados conocedores de esta exquisita rodaja sónica. No se trata de comparar pero en ondas relacionadas habría que ver si muy mis admiradísimos Teenage Fanclub han mejorado esta publicación de sus compatriotas escoceses con su nuevo álbum del 2016 "Here". Lo que no me cabe ninguna duda hasta el día de la fecha es que el artefacto sonoro que nos ocupa le da bastantes sopitas a, por ejemplo, el último de los Jayhawks, opinión subjetiva sin ánimo de ser compartida.

Pero aunque el punto de arranque en esta especie de country-pop alternativo que caracteriza a Dropkick es obvio que se puede hallar (tal y como su principal compositor Andrew Taylor ha reconocido en alguna ocasión) a partir de dos obras maestras de la historia del rock como son el “Grand prix” de Teenage Fanclub o el “Hollywood town hall” de los Jayhawks, existen más conexiones que las dos bandas citadas con las que también sería lógico relacionar el nuevo y catorceavo álbum de Dropkick dentro de una prolífica y desconocida discografía que abarca los últimos 15 años. Si en ocasiones también evocan a los Byrds hay determinados matices que recuerdan a los Ocean Colour Scene, a Alex Chilton, a Elliot Smith, a Cosmic Rough Riders, a Dawes o hasta incluso a Wilco.

DROPKICK - Balance the light 3
Abren fuego con Save myself cual si empezasen de nuevo, luchando y reivindicándose como una opción legítima con el tiempo como eje protagonista de la escuela emocional (I’m over it y Homeward). 

Es en I wish i know o en Wake me in the morning donde más me tocan la fibrilla sensible con esas pinceladas bucólicas y una especie de conjugación cósmica entre Steve Cradock, Norman Blake y Gary Louris desde el alma y, sobre todo, desde el corazón. También en esa misma línea de pensamientos, sentimientos y amor crecen Where do you think i went wrong?”, “Slow downo  ese excelentísimo medio tiempo a modo de colofón que es Think for yourself”. 

Pero hay más. Canciones para amantes, de esas que nos devuelven por enésima vez desde 1995 la pasión por “Don’t look back”, por “Neil jung”, por “Tears”, por “Sparky’s dream”, por… Indudablemente Out of love again es un “gran premio”. 

Los de Edimburgo son un nombre ya asentado, a tener en cuenta, en esta ocasión un grandísimo fichaje por parte de Rock Indiana Records con, ojalá, un gran camino por recorrer (A long way to go). Y es que la cantera británica, con cuentagotas, sigue ofreciendo grandes momentos, grandes trabajos a pesar de no ser reconocidos en su justa medida. Ah, y sí, muy importante, resulta manifiesto y evidente que los teenagefancluberos estamos viviendo un gran año.

* Texto: Johnny JJ. Publicado originalmente en el siguiente enlace del Espacio Woody/Jagger.

DROPKICK - Balance the light 1
 DROPKICK - Balance the light (2016) 
1. Save myself / 2. I'm over it / 3. I wish i knew / 4. Where do you think i went wrong? / 5. Out of love again / 6. Wake me in the morning / 7. Homeward / 8. Slow down / 9. A long way to go / 10. Think for yourself


Night Beats, de gira los de Seattle por Barcelona y Madrid

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NIGHT BEATS, la excelente banda de rock y garage psicodélico de Seattle, tienen dos fechas previstas para presentar el excelente álbum "Who sold our generation" que tanto destacamos aquí con la correspondiente reseña.

Viernes 7 de octubre - Sala Rocksound de Barcelona - Entradas Ticketea aquí

Sábado 8 de octubre - Sala Moby Dick de Madrid - Entradas Ticketea aquí

Lambchop copian la receta de Bon Iver

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Con total seguridad la llegada de un nuevo disco de la banda de Kurt Wagner, Lambchop, es una estupenda noticia, al menos hasta este 2016. La banda de Nashville publicará el 4 de Noviembre su nuevo disco, el primero en cuatro años que llevará por título "FLOTUS" (For Love Often Turns Us Still), después del maravilloso "Mr M" del 2012. Del disco se sabe mucho, que no todo, hay un portada, hay cancionero, y hay dos adelantos... dos canciones que nos han puesto a los fans los pelos de punta y hemos tenido que pedir hora al loquero. Hay alguien que está tirando alguna sustancia extraña en la sopa de artistas/orfebres de la música, ya le ha pasado a Bon Iver con un disco de otra galaxia, no por lo bueno sino por lo raro y en mi opinión, indigesto. Pues bien, Lambchop parecen copiar la idea o seguir con este "nuevo" sonido que roza lo ambiental/experimental, lleno de electrónica en contra posición a su country de cámara...... Os dejamos con "Hustle" su adelanto de nada más y nada menos que 18 minutos, irreconocible si no fuese por la magnífica voz de Wagner.

Lambchop - FLOTUS: 01. In Care of 8675309/ 02. Directions to the Can/ 03. FLOTUS/ 04. JFK/ 05. Howe/ 06. Old Masters/ 07. Relatives #2/ 08. Harbor Country/ 09. Writer/ 10. NIV/ 11. The Hustle

Howe Gelb - The Coincidentalist (2013)

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La carrera de Howe Gelb es para enmarcar. Una carrera repleta de grandísimos discos que durante ya tres décadas nos han ido regalando los oídos. El de Tucson/Arizona es un músico prolífico, de culo inquieto, con buen gusto y buen hacer. Su propuesta nunca fue fácil y siempre o casi siempre, a pesar de las muy buenas críticas, ha permanecido en la sombra, nunca ha parecido importarle ese papel de actor secundario, más bien yo diría que se ha sentido a gusto en esa posición, fuera de los focos de la fama. No obstante de vez en cuando convendría recordar que él es uno de los creadores de ese sonido que perfeccionaron gente a la que admiro muchísimo como Bonnie "Prince" Billy, y Kurt Wagner y sus Lambchop. Adoro a esos artistas, adoro a esas bandas y su música, y por tanto no creo que os cueste mucho llegar a la conclusión de que amo a Giant Sand. Los discos de Giant Sand (el primero data ya de 1985) nunca fueron fáciles de conseguir, antes claro de la existencia de la web y sitios como amazon. Todo era "import" y todo estaba a unos precios desorbitados. Así que no me quedaba otra que viajar en el tiempo y arriesgarme a ser descubierto por ustedes los terrícolas. "The love songs" de 1988 es un artefacto descomunal y "Center of the Universe" (1992) la repanocha. Como es de culo inquieto, el bueno de Howe emprende una carrera en solitario algo más ligerita que con sus Giant Sand, pero desde luego, es igual de imprescindible. 

De aquello, de su carrera en solitario, destaco por encima del resto "Confluence" (2001) y "'Sno angel like you" (2006), aquel "Alegrías" del 2010 no acabó de cuajar en el hogar nikochiano. A todo esto seguía con los Giant Sand, dando notable tras notable hasta que llegó el 2012 y entonces...., entonces dobló la apuesta y bajo el nombre de Giant Giant Sand entregó esa obra maestra llamada "Tucson: a country rock opera". Oh! la madre que lo parió, qué disco!. Pasado ya más de un año de aquello reconozco no haberlo valorado lo suficiente en aquel momento. Injustamente lo coloqué en el puesto 22 y seguramente debería haber estado en el top 10, pero eso entonces no lo sabía, o sí, ya que los pucheros de Gelb siempre se hacen a fuego lento. En aquella opera country destacaban a mi entender: "forever and day", "plane of existence", " we don't play tonight", "wind blow waltz", "lost love", "undiscovered country", "thing like that" y "cariñito". Vamos, un gigante gigante disco. Y bueno, cuando este año tengo preparado a todas todas la lista de lo mejor del año, se presentan ante mí tres interesantísimos trabajos. El de Jason Isbell, el de Patty Griffin y como no, el nuevo trabajo de Howe Gelb. Lógicamente, atendiendo a mis gustos, comienzo por Howe y..... Lo siento por los otros dos, lo siento por mí, no tengo más tiempo y de aquí a final de año sólo puedo escuchar "The Coincidentalist". Puede que, en mi modesta opinión, sea el mejor trabajo de Howe Gelb en solitario, bueno, en solitario con una pequeña ayuda de sus amigos: Bonnie "Prince" Billy, M Ward, Andrew Bird, KT Tunstall, John Parish, Thoger Tetens Lund, Josh Rauhouse, Steve Shelley (de Sonic Youth) y el Silver Thread Trio... Casi ná! 


"Well, welcome to the desert"... Así empieza "The coincidentalist", así comienza esa maravilla que es "Vortexas". Pianito de lujo, estribillo dulce de Gelb y luego cuando entra Bonnie... buff, mi alma acaba herida de muerte. Todo aderezado con un toque a lo Leonard Cohen, una guitarra de lujo y hasta unas campanillas... el final, apoteósico con el dúo dejándonos KO. "Left of center" me gustó desde el primer momento, su árida entrada da paso a un tema "cincuentón" acojonante que acaba siendo uno de mis temas favoritos del disco, y qué decir de esa "Running behind"? pues que es deslumbrante. Un folk de lujo, de etiqueta que desprende clase con Andrew Bird haciendo de las suyas por allí. "The 3 deaths of lucky" nos confirma que estamos ante un disco grandioso, la canción es tremenda. Abre un piano tristón, un susurro de Gelb y entonces el piano se deja ir... la steel guitar nos seduce y KT nos coge de la mano y nos lleva al huerto. Bonica del to. "Unforgivable" nos devuelve la sonrisa picarona a la cara, aquí se nota la mano de Ward a leguas, con esos "parapapás" que particularmente me hacen feliz, luego, la canción, pues que queréis que os diga, es un caramelito (envenenado). Seguimos con la canción que da nombre al disco, vuelve a notarse en "The Coincidentalist" la mano de M Ward, cosa que me alegra todo sea dicho. Es un temazo. "Triangulate" sigue jugueteando con la guitarra y con nosotros, se engancha fácil, se deja gustar, claramente está coqueteando conmigo, es increíble como me ponen estos coros femeninos... Este disco, desde su melancolía me hace feliz. Qué cosas no? "Picacho Peak" puede ser la parte más dura de este disco, que no peor, ni mala, ni polleces en vinagre porque aquí nada baja del notable y a menudo llegamos a picos de sobresaliente. ... lo de "Picacho" es para darle de comer aparte a Gelb. Ese solo de piano a lo Cohen o rememorando al grandísimo Thelonious te desgarra el alma. "An extended plane of existence" es un lujo en el que participan las guitarras cordobesas de Juan Fernandez Panky, Lin Cortés y Anil Fernández. Un lujo. El final se acerca con "Looking that way" que aún pareciéndome la más floja del lote me parece sublime, y el punto y final lo pone la instrumental "Instigate chimes". Tremendo lo de Howe Gelb. Increíble. Se sacó un disco soberbio de la manga. Gracias señor Gelb, me tiene usted ganado.


Howe Gelb - "The Coincidentalist" (2013)
9,5/10
01.- Vortexas/ 02.- Left Of Center/ 03.- Running Behind/ 04.- The 3 Deaths Of Lucky/ 05.- Unforgivable/ 06.- The Coincidentalist/ 07.- Triangulate/ 08.- Picacho Peak/ 09.- An Extended Plane Of Existence/ 10 .- Looking That Way/ 11.- Instigated Chimes.



*Post aparecido originalmente en Nikochan Island por Nikochan

Future Standars, lo próximo de Howe Gelb

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Es raro que Howe Gelb no entregue nuevas canciones cada año, ya sea en solitario o con Giant Sand, así lo hizo en solitario en 2013 con el fantástico "The Coincidentalist" y con Giant Sand en 2012 y 2015 con "Tucson" y "Heartbreak Pass" respectivamente. A pesar de que anunció el final de Giant Sand él sigue a su ritmo y a finales de Noviembre, seguramente el 25 de ese mes, aparezca su nuevo disco en solitario que llevará por título "Future Standars", donde Gelb liderará el The Howe Gelb Piano Trio para entregarnos un disco tranquilo, otoñal, con toques de jazz. Tenemos listado de canciones y primer adelanto, Terribly soul. 

1.Terribly So/ 2.Irresponsible Souls/ 3.A Book Youve Read Before/ 4.Relevant/ 5.Ownin' It/ 6.Clear/ 7.Impossible Thing/ 8.The Shiver Revisited/ 9.Mad Man At Large/ 10.May You Never Fall In Love/ 11.Sweet Confusion/ 12.Mad Man At Home.