Paul Simon - Stranger to Stranger (2016)

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Si por poner un ejemplo el nuevo grupo de moda en la Gran Manzana debuta con un disco que bebe/copia descaradamente de nuestro bajito favorito y moderniza su sonido con electrónica a medio planeta tierra se le caerían las bragas al suelo, aplaudirían con las orejas y convertirían a dicho grupo en la nueva maravilla musical, que seguramente durarían un abrir y cerrar de ojos. Si ese disco lo lanza el artista original, el genial Paul Simon, el pequeño/gran artista de 75 años con una obra tras él, tanto con Garfunkel como en solitario, sólo comparable a los más grandes entre los grandes, la mayoría del populacho se le tira encima por no entregar más de lo mismo, por no conformarse, por no hacer una y otra vez otro "Graceland", pues ya lo hizo con su anterior trabajo, su excelente "So Beautiful or So What". Paul Simon este 2016 entrega el que ya es su décimo-tercer disco en solitario, lo produce también él junto a su productor de toda la vida y amigo Roy Halee, y en el disco encontramos las estructuras y composiciones de siempre, en su base, pero vestidas para la ocasión con una deliciosa y coqueta electrónica que ya probó en "Surprise" (2006) junto a Brian Eno, pero sin abusar de ella, dando un toque experimental al disco, y este hecho acaba haciendo a "Stranger to Stranger" un disco difícil, a veces incómodo para el público, y claro, como pasa en innumerables ocasiones la paciencia tiene premio, y superado el factor sorpresa y el desconcierto inicial, la canciones se sobreponen a la vestimenta y acaban ganado a la mayoría de oyentes. Paul Simon se acompaña de sus fieles escuderos y añade por ejemplo al artista de electrónica Cristiano Crisci (aka Clap Clap) y una infinidad de extraños instrumentos caseros como el zoomoozophone o el chromelodeon, a pesar de todo estos seguimos percibiendo africanismos, guiños a su magnífico "The Rhythm of the Saints", alguna que otra guitarra aflamencada, congas, marimbas, trompetas, campanillas, chelo, trombones, órgano.... un despiporre sonoro de alto copete. Aplaudo y me alegra ver que a sus 75 años sigue investigando, sigue arriesgando y no deja a nadie indiferente, pocos pueden decir lo mismo, pocos pueden mirarse al espejo orgullosos después de más de medio siglo de exitosa carrera musical. Así que pido un respeto, y un tiempo para poder escuchar el disco. No por encima ni con inmediatez, sino a fuego lento y dejando respirar las canciones, canciones que por cierto se hacen grandes a cada escucha. 

Los primeros segundo musicales de "The Werewolf" descolocan muy mucho, precisamente por la electrónica presente. Superado el susto, tomando aire y respirando hondo acabamos entregados a dicho tema, más aún cuando los coros y el estribillo muy africanado al fin aparecen, además nos encontramos una de esas letras que borda Simon. "Wristband" es el single del disco, más cercano al jazz que al pop, casi una capela maravillosa con un Simon a nivel vocal soberbio, en plena forma, y donde otra vez se pone el disfraz de cuentacuentos. Un temón, se mire como se mire. La instrumental "The Clock" es brillante, es preciosa. Digna de un sueño que nos conduce a "Street Angel" con una entrada muy a lo Peter Gabriel, y es que ese regusto a progresivo/experimental está presente en todo el disco, y en esta canción muy mucho. La canción que da nombre al disco, "Stranger to Stranger", apacigua a los críticos con un sonido clásico aunque otra vez cercano a Gabriel, no os la imagináis cantado por él? incluso tiene esa cadencia vocal que tienen sus composiciones. Un tema espléndido, maravilloso, lleno de caminos sonoros que se entrecruzan para llevarnos de vuelta al principio. "In a Parade "retoma el espíritu de "The Rhythm of the Saints", en otro tema para reconciliarse con su público menos exigente y permisivo, un temón en mi modesta opinión, sin discusión... Una vez sobrepasado el ecuador del disco Simon entrega otra maravilla, "In the proof" que es puro Simon. La instrumental "In the garden" nos señala el camino hacia el final con sonidos aflamencados y la voz de Edie Brickell a los coros. "The Riverbanck" cabría en cualquier disco de Paul Simon. Es una delicatessen, con cierto aire a su anterior disco y que hace que cualquiera se reconcilie con él y con el disco si es que alguien puede presentar queja alguna. "Cool Papa Bell" es un regalazo. Uno de los temas del disco, otra vez visitamos "Graceland" y eso nos encanta. Cierra con la delicada nana "Insomniac's Lullaby", un disco experimental, un capricho, que muchos comentan que se podía haber ahorrado pero que a cada escucha me gusta más. Es en mi opinión un notabilísimo disco que requiere de una escucha tranquila, de un dejarlo reposar y desde luego no de un juicio rápido y precipitado. Paul Simon es uno de los compositores más grandes de la historia, por eso merece respeto y algo de esfuerzo si nos lo pide. Al parecer para que discos como éste sean aplaudidos deben ir precedidos de la muerte del artista, veáse Bowie, una pena. Esperemos que nos queden muchos años de Simon.

Paul Simon - "Stranger to Stranger" (2016)
8/10
01.- The Werewolf/ 02.- Wristband/ 03.- The Clock/ 04.- Street Angel/ 05.- Stranger to Stranger/ 06.- In a Parade/ 07.- Proof of Love/ 08.- In the Garden of Edie/ 09.- The Riverbank/ 10.- Cool Papa Bell/ 11.- Insomniac’s Lullaby.





American Band, nuevo disco de Drive-By Truckers

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Fantástica noticia la que nos llegó a principios de semana. Nada más y nada menos que la vuelta de Drive-by Truckers mediante un nuevo trabajo de estudio que llevará por título "American Band" y que llegará a las tiendas el 30 de Septiembre. Grabado en Nashville con David Barbe como productor, el disco parece ser, como dice Patterson Hood, un reinicio de la banda con un disco muy politizado. Ya podemos disfrutar del primer adelanto "Surrender under protest", os dejamos con él. 

Listado de temas de "American Band": Ramon Casiano/ Darkened Flags on the Cusp of Dawn/ Surrender Under Protest/ Guns of Umpqua/ Filthy and Fried/ When the Sun Don’t Shine/ Kinky Hypocrites/ Ever South/ What It Means/ Once They Banned Imagine/ Baggage.

Pre-Order: http://www.drivebytruckers.com/

Concierto Neil Young & Promise of the Real, POBLE ESPANYOL (Barcelona), por Nikochan

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La adoración hacia el padre es común durante la niñez y siendo niños vemos a nuestro padre como un gran héroe, un modelo a seguir. A medida que vamos creciendo esa veneración en muchas ocasiones disminuye y se centra en otras figuras familiares y de amistad. Bob Dylan es nuestro padre familiar/musical y lógicamente nuestro amor por él y por todo lo creado sobrepasa límites y es de difícil explicación. Siempre le hemos querido y siempre lo haremos, pero en nuestro camino a la madurez (musical) fueron apareciendo nuevas figuras, nuevas sensaciones como los amiguetes gamberros (Clash, Who), los irónicos (Kinks), los cachondos y simpáticos (Beatles) o los salvajes y peligrosos (Stones).... pero hay una figura que siempre se mantiene impertérrita y siempre, siempre, está en nuestros pensamientos. Esa figura es la de el Tío enrollao, al que adoramos como a nuestro padre pero que tiene ese toque gamberrete de colegas, y ese, ese es nuestro Tito Neil. Desde hace bastante tiempo he llegado a la conclusión de que Neil Young es el más grande entre los grandes. Durante décadas ha sacudido conciencias y firmado obras maestras. Y cuando digo décadas me refiero a los últimos 50 años, medio siglo regalándonos una joya tras otra ya sea con Buffalo Springfield, con CSN, con los Crazy Horse o ahora con los jovencísimos Promise of the Real. El lunes en el Poble Espanyol fue mi bautismo. Fue la primera vez que pude gozar de su directo y francamente me ha impactado.


A sus casi 71 años Neil Young está más en forma y más inspirado que el 90% de músicos. Ya no hablamos de sus coetáneos que a su lado parecen momias, vejestorios que no son ni la sombra de lo que eran. Discos como "Montsanto Years" serán recordados como grandísimos trabajos dentro de unos años, y eso que en esta gira pasó de ese nuevo cancionero olímpicamente, pero así es nuestro "Tito", va a su bola. La banda Promise of the Real liderada por Lukas Nelson le ha rejuvenecido, como en el "blues del vampiro", Young absorbe la energía de la chavalería que por cierto cumplen de sobras y aportan una calidad increíble, se le ve disfrutar junto a ellos, y por supuesto los jovenzuelos no pueden tener mejor maestro, ni pueden hacer un "máster" mejor que girar con el más grande. A pesar de todo esto, y como viene siendo habitual en la actual gira, Neil Young sale sólo al escenario, para abrir con un primer set acústico que más o menos ha sido igual en casi todos los conciertos y que da pistoletazo de salida con "After the gold rush", una de mis favoritas de siempre, y seguidamente caen tres joyas más: Heart of goldComes a Time y The Needle and the Damage done... y un servidor levitando y frotándose los ojos, pellizcándome para saber si era real o todo era un sueño. "Mother Earth" fue el primer punto y aparte, una misa al órgano y todos comulgando. Amén. 

A partir de este momento se conecta a la luz, se enchufa. Sale la banda y comienzan las hostilidades eléctricas, al principio más modositas y luego directamente a latigazos. La segunda parte del set, ya con la banda en el escenario, comienza con las magníficas "Out of the weekend", "From Hank to Hendrix" y "Human Higway", y a medida que avanzamos y la noche cae encima nuestro los temas se hacen más y más largos... Precioso el "Someday" de Tito Neil (piel de gallina, con este tema me emocioné de verdad...), y el placer inmenso llega cuando nos regala su "Unknown Legend" y sobretodo "Alabama"..... con la que tenemos la certeza de estar ante una noche memorable. "Words" es la encargada de abrir la tercera parte del set. Alargada hasta el infinito y más allá, con solos de guitarra y tormenta eléctrica.... y entonces, llega "Winterlong" y somos felices, y más aún con "Love to burn" y "Mansion on the hill"... para nada nos acordamos de los Crazy Horse pues estos jovenzuelos son la ostia, le vienen a Tito Neil como anillo al dedo.... qué energía, qué calidad, qué temple! "Revolution Blues" (perfecta) y "Western hero" (más acústico de lo esperado) nos preparaban para la traca final. Primero con la excelente "Vampire blues" que no esperaba se tocase en este concierto, y como no, el final con la grandiosa "Rocking in the free world" con la que parecía que ni Neil ni nadie quería marcharse del Poble Espanyol, alargando el tema y retomando el estribillo una y otra vez para que los presentes gritásemos a pechopalomo y con el puño en alto aquello de "Keep on rockin' in the free world, Keep on rockin' in the free world…". Con este tema se marcharon del escenario para volver al minuto y regalarnos la última joya de la noche, un "Cortez the Killer" que sonó a gloria. 

Al fin pude ver al más grande (con permiso de Papá Bob). Al fin pude ser arrollado por su energía vital, su remolino eléctrico, por su voz rota en mil pedazos. Un concierto que no olvidaré. Gracias señor Young.

* post aparecido originalmente en Nikochan Island por Nikochan

"Here", la vuelta de Teenage Fanclub

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En 2010 la banda escocesa Teenage Fanclub entregaron su último disco hasta la fecha, un notable "Shadows" que si bien dejaba un gran sabor de boca no llegaba a igualar obras anteriores, obras magnas como "Grand Prix" o "Songs from Northern Britain". Este 2016 nos llega la noticia de la salida de un nuevo disco de la banda para el 9 de Septiembre. El disco llevará por título "Here", y ya tenemos el primer adelanto, un fantástico tema llamado "I'm in Love" que será el encargado de abrir el disco. Os dejamos con el listado de temas y el comentado adelanto, si todo suena tan bien como el tema de adelanto ya podemos ir frotándonos las manos.

I'm In Love
Thin Air
Hold On
The Darkest Part Of The Night
I Have Nothing More To Say 
I Was Beautiful When I was Alive 
The First Sight 
Live In The Moment 
Steady State
It's A Sign
With You
Connected To Life 

*ya podemos realizar el pre-order en http://teenage-fanclub.tmstor.es/

Thomas Hine - Some Notion or Novelty (2016)

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A miles de kilómetros de distancia de nuestro hogar, allá por Golden (Colorado), allá donde parecen haber nacido muchos de los sonidos que amamos al lado de una hoguera, a los pies de la luz de miles de estrellas o entre montañas y ríos con la única compañía de nuestra alma y tal vez de un fiel caballo. Allá donde un hombre con una guitarra puede convertirse en trovador y desnudar su corazón a través de viejas canciones country-folk con la única presencia de la naturaleza como público. Allá encontramos las bellas canciones de Thomas Hine, las canciones de su nuevo disco "Some Notion or Novelty", llenas de sencillez y verdad, de delicadas guitarras acústicas y voces suaves que nos acarician y nos arropan, y beben de la tradición americana poetizada. Tal vez por eso es fácil etiquetarle como artista folk pero allí hay también country y americana como la entiende por ejemplo mi amado Bonnie "Prince" Billy o los magníficos Neutral Milk Honey, y también, como no, podemos hablar de reminiscencias pop, de delicadeza melódica como la del añorado genio Elliott Smith. Un poco de esto y otro poco de aquello, todo bien asumido y aprendido, y luego interpretado todo con personalidad propia y mucha verdad. Sin artificios, sin trucos, sin prisas. Disco "pure and easy", disco bonico del to, de esos que se van abriendo camino poco a poco en nuestras vidas. Disco de esos para escuchar en soledad, de esos que al cerrar los ojos nos permiten envolver el dolor y ver como un pequeño rayo de esperanza aparece tras los oscuros nubarrones. Como buen cantautor Hine se acompaña básicamente de voz y guitarra y sabe rodearse de bellas voces femeninas como las de Tina Kärkinen y Jane Turner, o la de su hija Sadie Hine, de la magnífica slide guitar de Mike Pearson y de Jason Wheeler a la batería. 


Cerrad los ojos e imaginaros estirados a la sombra de unos árboles entre los cuales unos tímidos rayos de sol pretenden colarse, mientras nos zarandeamos ligeramente en una hamaca y escuchamos como suavemente los pájaros hablan entre ellos... pues a eso suena "Before the sun rises", el tema encargado de abrir este precioso disco de Thomas Hine. La voz y la melodía se combinan a la perfección, sencillez y pureza, pure and easy... "Just like Juan Ortiz" incorpora matices country para entregar otro maravilloso tema, y de estos el disco está repleto, os lo aseguro. Una de mis favoritas es "Koblenz Corner" que tiene una estructura muy Bonnie "Prince", un temón, y ya sabéis mi predilección por el "príncipe Billy", así que cómo no me iba a gustar el tema?!. Es inútil destacar un tema sobre otro, es un disco homogéneo, sin fisuras y sin altibajos en cuanto a calidad. Un disco de escucha placentera y enamoramiento inmediato. No es maravillosa "Clodia+song"? No pensáis que la juguetona "Monsters" es un caramelito? o tal vez no os entran ganas de escuchar una y otra vez la mágica "La Belle Riviere"? La hija de Hine aparece en "The Return" (alternate) acompañando al padre a las voces en un tema hogareño, lleno de complicidad, coqueto y memorable. Pasado ya el ecuador del disco, otra de mis favoritas, "Never Forget", nos embruja con esa especie de nana arropada por una bellísima y delicada armónica que nos conduce a otro temón, "Moffat", de ensueño total. De la parte final no quería dejar de mencionar "My Nature" que es increíble de principio a fin, el resto no desmerece y sin duda "Moffat (demo)" deja un sabor de boca inigualable. En mi opinión Hine consigue con "Some notion or novelty" un disco espléndido que espera ser descubierto por paladares exquisitos, un disco que tiene toda la pinta de acompañarnos durante mucho tiempo en la salud y en la enfermedad..... Un tesoro oculto.

Thomas Hine - "Some Notion or Novelty" (2016)
9/10
01.- Before the Sun Rises/ 02.- Just Like Juan Ortiz/ 03.- Koblenz Corner/ 04.- Clodia+Songs/ 05.- Monsters/ 06.- La Belle Riviere/ 07.- The Return (Alternate)/ 08.- Never Forget/ 09.- Moffat/ 10.- The Turn That Time Had Taken/ 11.- My Nature/ 12.- The Return/ 13.- Moffat (Demo).



*post aparecido originalmente en Nikochan Island por Nikochan

Paul Simon, 2 citas en España 25 años después

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La grandísima y maravillosa noticia de la inclusión de España en la gira de Paul Simon viene con sabor agridulce pues únicamente serán dos las ciudades que acogerán la visita del más genial grandioso/pequeñín, veinticinco años después. Bilbao el día 17 de Noviembre en el BEC de Bilbao y Madrid el 18 en el Barclaycard Center del mismo mes son las grandes afortunadas mientras que, otra vez más, Barcelona se queda fuera. El circuito musical catalán deja mucho que desear, todo para los hypes, novedades y superventas, nada para los grandes de verdad. Así que tocará viajar pero Paul Simon bien lo merece, como bien merece ser escuchado con detenimiento su nuevo disco, su "Stranger to Stranger" (publicado el 3 de Junio) que dentro de poco destriparemos en el Exilio, un disco difícil y arriesgado que ha provocado todo tipo opiniones . Os dejamos con un pellizquito musical de lo nuevo y esperamos disfrutar de este genio llegado Otoño. Recordamos que las entradas se pondrán a la venta a partir del lunes 20 de junio en la web oficial de la promotora (www.riffmusic.es) en el caso de Bilbao y en la de El Corte Inglés para Madrid.


Nick Cave nos traerá en Septiembre su dolor con un nuevo LP y un documental

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El dolor provocado por la tragedia de la muerte de un hijo es incalculable e inimaginable. A Nick Cave le sucedió esto mismo que os explico hace casi un año, pues su hijo de quince años murió al caer por un precipicio, año durante el cual Cave ha bajado a los infiernos y como siempre ha vuelto con el corazón hecho añicos y con un buen puñado de canciones bajo el brazo para exorcizar a sus demonios. Canciones agrupadas en un nuevo LP que verá la luz el próximo 9 de Septiembre y llevará por título "Skeleton Tree", y del que no hay muchos más datos. Un día antes, el 8 del mismo mes, saldrá a la luz otro documental, "One more time with feeling", donde se nos mostrarán por primera vez las canciones del nuevo disco, y donde el propio Cave explicará el proceso de grabación y algunas de las cosas que pasaron antes y durante de la misma. Barruntamos un disco doloroso, oscuro y astillado, aunque no hay ninguna información al respecto. Tanto el disco como el documental parecen ser elegidos como unos de los grandes acontecimientos musicales del año. 

REM - Out of Time (1991)

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Tras unos cuantos cafés y unas copas de más, a muchos apasionados de la música nos da por discutir a menudo en la sobremesa sobre cuales han sido las mejores bandas de la historia, y casi siempre hay un pequeño ramillete de grupos, tal vez media docena, que aparecen en todas las listas. A esos, no los vamos a nombrar ahora, bueno, ni a esos ni a ninguno, porque lo que me pasa por la cabeza ahora mismo es que para realmente llegar a ser una de las grandes bandas de la historia, además de lo que nos da el paso del tiempo, de su repercusión e influencia, y lógicamente de tener canciones y discos que quiten el hipo, es sin duda alguna el tener un sonido propio. A mi por ejemplo Wilco me parecen una banda soberbia, de las mejores de los últimos tiempos, una de mis favoritas, en cambio a Radiohead no los elegiría entre mis veinte favoritos, aún así y siendo justos creo que son más importantes que Wilco sobretodo cuando echamos la vista atrás. Los de Tweedy tienen más de una POM, no hay duda, pero los de Yorke, además de también tener obras maestras, tienen un sonido que de primeras les identifica, un sonido digamos que propio, que marcó tendencia e innumerables imitadores. Por ejemplo adoro a Jack White pero no deja de ser un plagiador ya sea de los Zepp, los Pixies o quienes se le pongan por delante, en eso del corta y pega es un maestro. The Decemberists serían otra gran banda que cada vez me suenan más a REM y por eso, aunque los adoro, no pueden llegar a cotas tan elevadas, y la banda de Athens es de esas bandas gigantescas con un sonido único y personal, como por ejemplo la Velvet, los Ramones, los Doors, Talking Heads... etc, etc.. bandas que no suelen aparecer en el podio pero que sin duda son esenciales. REM son en mi opinión la última gigantesca banda que ha dado la música, claro que hay grandísimos grupos, no jodamos, pero con ese nivel, no. 

Michael Stipe, Peter Buck, Mike Mills y Bill Berry formaron REM en 1980 y debutaron con "Murmur" en 1983, un disco que sin duda les coronó como reyes de la mal llamada música independiente o alternativa, qué más da. Y ese título se fue afianzando año tras año con disco como "Reckoning" (84), "Fables of the reconstruction" (85), "Lifes rich pageant" (86) y "Document" (87) disco con el que los conocí y me hice fiel seguidor aunque no fue ese año sino mucho más tarde. Después de aquello ficharon por EMI y nació "Green" (88) donde ya se percibían cambios, dejando un algo la austeridad y la electricidad por otras vías menos indies y más maintream como nos lo mostraron en 1991 con "Out of Time", un favorito personal de siempre por encima de su disco siguiente, sí, por encima del que todo el mundo opina es su obra maestra "Automatic for the people" (que lo es, no voy a engañar a nadie), pero es que "Out of Time" dejó huella en mi vida y cada vez que lo escucho se me eriza la piel y me vienen recuerdos hermosos de cuando no me afeitaba y pensaba en dejarme el pelo largo. Con los números en la mano "Out of Time" no tiene discusión, REM lo vendieron como churros, número uno en listas, había singles a cascoporro, vídeos promocionales que han quedado en la memoria del populacho. Tres años tardaron en retomar lo dejado en "Green", tres años que llevaron a la banda a un pequeño giro que les dio todo el éxito que parecían haber querido esquivar anteriormente pero al que estaban predestinados. con temas inolvidables con mucho gancho y que podemos acusar, a veces, de easy-listening, pero que esconden en sus letras un marcado tono de queja, de reivindicación política, aunque como digo lo que destaca por encima de todo son las guitarras acústicas, las melodías, la voz de Stipe. Todo eso haciendo magia, dando un tesoro.

El inicio con "Radio Song" es mágico, con un tranquilo y dubitativo primeros segundos que de golpe y porrazo se aceleran al mismo ritmo que la guitarra escupe riffs bañados en funk y con la inconfundible voz de Stipe y un delicioso órgano que marca la diferencia entre una notable canción y una magnífica. El segundo tema del disco es la increíble y mítica "Losing my religion" que no por escuchada en millones de ocasiones deja de ser una POM en sí misma. Un clásico instantáneo, una deliciosa canción por la que muchos matarían, donde destacan las cuerdas y sobretodo esa mandolina final que se grabó hace muchos años en nuestro cerebelo y que marca un antes y un después en la carrera de la banda, dejando claro hacia donde se dirigían. "Low" es un caramelito envenenado. Una joya. Una de mis favoritas de la banda con las congas marcando el ritmo y el órgano de fondo vistiendo la canción mientras Stipe casi fraseando y en un tono vocal más grave de lo habitual va cocinando el tema a fuego lento hasta que el estribillo saca la cabeza y entonces nos embruja con suma facilidad. "Near will heaven" es pura orfebrería pop, muy noventera ella, muy juguetona ella con mil voces empastadas a la perfección, recordando a los grandes Beach Boys. "Endgame" es muy bonica, bonica del to, y sirve de magnífico puente hacia otra de las joyas del disco, esa festivalera "Shinny happy people" a la que muchos le tienen rabia pero que a mi me parece soberbia, y que tiene varios puntos a favor gracias a la presencia de Kate Pierson de B-52s que influye en la canción brutalmente, tanto que incluso el videoclip parece más de B-52s que de REM. Fantástica pieza que divide el disco en dos partes. "Belong" abriría esta segunda parte, una canción muy muy REM. Preciosa de cabo a rabo. Otra de mis favoritas personales es "Half a world away", es escucharla y ver de donde sacan la inspiración The Decemberists, podría ser o no de ellos? "Texarcana" tiene un inicio muy "smithero", además creo que fue la primera canción compuesta y cantada pro Mike Mills. "Country feedback" es una delas mejores canciones de la histórica banda aunque en muchas ocasiones nadie se acuerda de ella, además cuenta con John Keane a la pedal steel..., casi ná. Finalmente cierra esta obra maestra "Me in honey" con algo más de energía pop, un riff magnífico del gran Peter Buck y otra vez la estupenda voz de Katie Pierson aunque con algo menos de protagonismo. A "Out of Time" a veces se le ningunea por ser el disco donde REM se abrió a mercados más accesibles y lógicamente por ser el disco antes de su "POM", su "Automatic fo the people", pero que no os engañen con críticas ninguneantes, con calificaciones baja. Sí, "automatic" es su Puta Obra Maestra, pero "Out of Time" también lo es, al menos para un servidor.

REM – Out of Time (1991)
9,9/10

01.- Radio Song/ 02.- Losing My Religion/ 03.- Low/ 04.- Near Wild Heaven/ 05.- Endgame/ 06.- Shiny Happy People/ 07.- Belong/ 08.- Half a World Away/ 09.- Texarkana/ 10.- Country Feedback/ 11.- Me in Honey.



*Por Nikochan

El Último Vals Frías 2016. El contra-Fest (1,2 y 3 de Julio)

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Hoy he leído un término que me ha llamado la atención en la crónica de un conocido magazine valenciano, decía algo así como que estamos en una "festivalocracia", en el contexto en el que lo ha utilizado tiene su gracia y acierto, pués tenemos todos los años festivales por doquier de todos los tamaños y colores en los que no negaré que en determinados momentos se persona la magia, o que incluso algunos de sus participantes no llevan en balde el adjetivo de "gran artista", sin embargo por norma general las variaciones en estos festivales de unos años a otros es más bien poca en el fondo y en las formas sea cuál sea la excusa de turno. Y ojo, no intenta ser este un argumentario hater en contra de los festivales, por mi que se hagan y cuantos más mejor, es una buena manera de oxigenar las aburridas vidas de una clase media cada vez con mayor necesidad de alienarse de una realidad verdaderamente alarmante y descorazonadora.

Además yo tengo mi pasado curtido en festivales y no me arrepiento, he presenciado verdaderos conciertazos a guardar entre lo que más me ha impactado en la vida, desde Nick Cave hasta Yo La Tengo, por poner dos ejemplos. Pero fue el último año, creo recordar que Morrisey fue mi leitmotiv, en el que me vi fuera de lugar de una manera muy tajante, la edad supongo o que cada vez me entusiasma menos poner por las nubes a grupos con buenas ideas pero que no les encuentro una razón de ser real y auténtica, o quizás un poco de culpa puede que la lleve el hecho de que a medida que ha ido multiplicándose el número de eventos, la música ha pasado a un segundo plano en pos de atraer a cierta franja de población muy determinada y en cantidades industriales, ya sea por edad o por poder adquisitivo, quien sabe, todo el mundo tiene que comer, ¿no? eso es así desde Woodstock.

Que sí, que me he hecho un clasicorro del copón y un quisquilloso de mucho cuidado, aquí el culpable soy yo el primero, que estoy fuera de onda, no lo niego, pero no significa ello que no ame la música aunque no conecte mayormente con las propuestas que pueblan estos festivales, y si elijo soltar la cartera soy más selecto con mis gustos, casi siempre en conciertos en los que poder disfrutar del artista que me motive y sin mayor distracción de escenarios adyacentes ni tonterías y turismos varios.

Existen excepciones claro, principalmente todo ésto porque ya queda muy poco para El Último Vals de Frías, un sentido homenaje a The Last Waltz, el concierto de despedida que The Band grabó hace 40 años. ¿Y por que el contra-Fest? pues bueno, no se trata (sólo) de un "lo mío lo mejor", ni mucho menos, o sí. El contra-Fest porque no podría encuadrarse en ninguna tendencia actual, es una anomalía única y original que se basa principalmente en la música de The Band, y aquí la primera diferencia, el motivo principal es una razón muy concreta: es un amor real por la música, nada de flujos y ganancias, nada de previsiones y beneficios, y como The Band que en su momento fue el grupo que se rebeló contra la rebelión, no podía ser más simbólico ni dado a paralelismos para un Vals de estas características respecto a otras mandangas multitudinarias.

Otro factor es la amistad, algo muy subjetivo y no exclusivo, pues amistad hay en todas partes, pero tan cerca de los objetivos principales quizás en ninguna otra parte como aquí, además este Vals desde que empezó a fraguarse ha dado a la interrelación entre amigos y conocidos con los artistas, unos arriba de un escenario y los otros abajo, todos con un amor incondicional por la música que tendrá lugar esos tres primeros días de Julio. Que si bien hay que remarcar que su alma mater y amigo Joserra Rodrigo es el verdadero vertebrador y catalizador de este encuentro, una gran gesta y un verdadero héroe de nuestros tiempos, la sensación es más bien familiar y el sentimiento es el de pertenecer a una gran familia en un marco musical y geográfico de un valor incalculable.

Y lo mejor es que no se obvían a grupos actuales, aquí tenemos un buen puñado de bandas que ahora mismo se encuentran en muy buen momento artístico, muy buenos músicos que no obstante no pegan ni con cola en la festivalocracia actual.

El peso internacional recáe en manos Danny and the Champions Of The World, una banda que aunque no muy conocida y/o reconocida, es motivo suficiente de alegría para quienes nos gustan los palos troncales de ésto que llamamos rock y  que además llevamos un tiempo observando con agrado la bonita evolución que lleva el grupo del folk-rock, al rock americano y a la postre en un blue-eyed soul refinado para nada revival, más bien muy particular. Abriendo el plano nacional Bantastic Fand es posiblemente una de las bandas que mejor representa este amor incondicional por todo aquello que significa la música americana pero con un sentir muy cercano y luminoso, ellos son de los nuestros. Y no me quedaré sin nombrar a mis paisanos de La Gran Esperanza Blanca que ahora mismo se encuentran en un momento dulce con un disco grandioso bajo el brazo y a considerar una de las grandes bandas actuales en el idioma de Cervantes. En lo emocional me quedo con Copernicus Dreams porque cuando más lo necesitaba conecté con su maravillosa música capaz de iluminar desde los rincones más oscuros de las vivencias personales y porque quiero conocerles, de lejos ya veo relucir sus corazones de oro. A Frank no tengo el gusto de concocerles ni tampoco me he detenido a escuchar su disco el tiempo que las efusivas recomendaciones de mis amigos demanda, sé que la epifanía musical surgirá allí como en su día la sentí en directo con Fakeband, otra de las bandas con el directo más perfecto que conozco, capaces además de reproducir The Last Waltz con nota muy alta, eso hay que verlo y experimentarlo. Ahora mismo estoy inmerso en la música de Still River, y por Dios, es glorioso, porque si algo tuvieron los 70 además de un último vals es un perro loco llamado Joe Cocker con uno de los mejores conciertos de su generación a la espalda, y os aseguro que esta banda transmite ese poderío tan propio del soul pasional que quema como el fuego y su voz os recordará a él. Zimmerband más que una banda al uso es amor puro por Bob Dylan, asi que tenían que estar si o si, eso que dicen en su página de que son un banda de rock que nació gracias al deseo común de homenajear en vida a Bob Dylan es bonito a más no poder. Para mi la sola existencia de bandas como The Walnutt Co. es una alegria, porque no son muchas las jóvenes bandas que marcan entre sus máximas a The Band, The Rolling Stones y  a The Allman Brothers Band, y además lo hacen realmente bien, no es sólo pose.

Habrán muchos más artistas y un vino ¿que sería de una fiesta con la música y la amistad como máximos exponentes si no fueran regados con un buen vino? pués si, el Vals también tiene su vino, y micros abiertos que traeran más de una sorpresa, y charlas de auténticas lumbreras y eruditos de la historia de The Band, que sobre todo aman la música más que a su propia vida, nada de poses, nada de eventos de cartón piedra, todo real, aquí la piedra será la del castillo  de la maravillosa ciudad burgalesa de Frías, considerada además una de las poblaciones más bellas de este país, porque los detalles son importantes y no podría existir un lugar mejor para un homenaje a El Último Vals, será nuestro Big Pink, nuestro Woodstock familiar, la celebración de la música moderna a través de un repertorio eterno y aún vigente llevado con grupos de ahora. Que mejor manera que un contra-Fest creado como quien pinta un cuadro, con amor y pasión por la música. Hasta el mismísimo Robbie Robertson lo sabe y afirmó que este vals es favorito. Yo no me lo pienso perder.

Que maravillosa la sensación de formalizar en la página del Vals la compra del bono y leer esos versos a bocajarro:
Take a load off, Fanny
Take a load for free
Take a load off, Fanny
And (and) (and) you put the load right on me
(You put the load right on me)



Este sábado comienza la cuenta atrás del Vals en la Ciudad de Frías con la proyección de la película de Scorsese, y con la actuación de Copernicus Dreams y la venta de bonos para el Vals del 1,2 de julio ( bono acceso bandas castillo) en la calle.

Entrad en su página y alucinad con el programa de actos, allí está toda la información de los grupos, los bonos (por favor! 25 euros por tanto!!!): http://elultimovalsfrias.jimdo.com/

Crónica concierto Mike Farris (16 Toneladas, Valencia, 7-6-2016)

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MIKE FARRIS crónica concierto 16 Toneladas, Valencia 2
 ...que el espíritu más negro del soul y del rhythm&blues junto al espectacular vozarrón de Mike Farris se adueñó de la sala..

Muy fuerte y muy difícil hallar palabras que puedan describir con precisión lo que ofreció MIKE FARRIS y su banda en la Sala 16 Toneladas de Valencia durante la velada del 7 de junio del año en curso.

Claro que habría miembros de la concurrencia a los que nos hubiese gustado alguna canción, álgún medley, algún guiño a aquellos temas de la histórica trilogía de los Screamin' Cheetah Wheelies pero no es menos cierto que la mayoría sospechábamos más o menos cómo iría el paño ya que los últimos tiempos de este portentoso vocalista van por otros derroteros.

MIKE FARRIS crónica concierto 16 Toneladas, Valencia 3
Por lo anteriormente expuesto, como se podía vaticinar, el plato principal de la noche fueron sus dos últimas publicaciones en estudio. Del excelentísimo “Salvation in lights” del 2007 destacaron exquisiteces como Precious Lord”, “Cain’t no grave hold my body down”, “Take me (I’ll take you there) o Selah! Selah!, mientras que del "Shine for all the people", el premiado y tercer disco en solitario que el de Nashville publicó en el 2014, se incorporaron a este especie de liturgia emocional temas comoJonah & the whale”, “The Lord will make a way somehow”, “Power of love o This little light”. 

Quizás lo más sorprendente de todo fue que la ceremonia (digo ceremonia porque aquello fue por encima de todo un acto solemne pero también una especie de rito jovial y desenfadado donde se rindió culto al rhythm&blues, al soul y al góspel) tuvo dos partes con un descanso considerable que osciló entre los 15 y 20 minutos.


A toda esta celebración hubo que sumar un buen número de versiones cuya interpretación dejó atónito y boquiabierto a algunos de los privilegiados asistentes. Sin ir más lejos casi a mi lado había un individuo tan ensimismado con los ojos como luceros que parecía petrificado ante el espectáculo. Como digo versiones hubieron para dar y vender pero sobre todo para disfrutar. Entre los ejemplos de música negra todo un clásico del Motown Sound comoTwenty-five miles” de Edwin Starr, también el I never loved a man de la gran Aretha Franklin, un sentido homenaje para Prince con la archipopular Purple rain, el Signed, sealed, delivered y el Uptight (everything’s alright) de Stevie Wonder, el Knockin’ on heaven’s door de Dylan, el Three little birds de Bob Marley, una emotiva adaptación del Stand by me de Ben E.King, el Pride and joy de Stevie Ray Vaughan, el Proud mary de la Creedence en plan Ike and Tina Turner, elEveryday people de Sly and The Family Stone o el Hold on i’m coming down de Sam and Dave.

MIKE FARRIS concierto 16 Toneladas, Valencia, - 1
No faltó como anécdota ese invitado del público que el Sr.Farris propició para su unión al jolgorio y que acabó cantando y bailando junto a él mientras toda la sala le acompañaba al unísono con un “Antonio, Antonio, Antonio,…”. Así como tampoco una espontánea en el ala derecha del escenario que con desinhibición, con pocos prejuicios y con maestría en el mundo del baile demostró a todo el recinto cuánto estaba disfrutando del evento.

En resumidas cuentas, que el espíritu más negro del soul y del rhythm&blues junto al espectacular vozarrón de Mike Farris se adueñó de la sala. Ah, y por supuesto que nunca falten las menciones especiales para las dos chavalas del coro y para el resto de miembros de The Roseland Rhythm Revue a la guitarra, bajo, teclados y batería que exhibieron una actítud, profesionalidad y dedicación a la causa como la copa de un pino. Pues eso, no me extraña en absoluto el éxito y la popularidad in crescendo de Mike Farris, especialmente en directo puesto que sus conciertos son arrolladores con una música que satisface a un grupo muy dispar y variado de gente que apuesta por la calidad.

    * Texto: Johnny JJ. Crónica para el EXILE SH MAGAZINE y para el ESPACIO WOODY/JAGGER.

Richmond Fontaine - You can't go back if there's nothing to go back to (2016)

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Son de Portland (Oregón) y son un cuarteto que tocan eso que llaman comúnmente country-alternativo. Una música de belleza infinita, de carretera y manta, de noche, fogata y cielo estrellado. Desde 1997 la banda de Willy Vlautin nos ha ido dejando maravillas como el debut "Safety", "Post to Wire" del 2004 que hasta hoy mismo era mi disco favorito de la banda o el mismísimo "Thirteen Cities" de hace casi una década. Esos tres discos, creo yo, son exquisitos. Nadie en su sano juicio debería dejar de escucharlos. Por el camino desde aquel lejano 1997 Vlautin ha ido cambiando de compañeros, se fueron Dave Harding, Paul Brainard y Joe Davis, para más tarde venir otros y quedarse como están ahora, con lógicamente Vlautin a los mandos muy bien escoltado por Freddy Trujillo (que llega desde el proyecto paralelo de Vlautin, The Delines), Sean Oldham y Dan Eccles. Sonaban muy bien, y tal vez con el tiempo a mi me parecen aún mejores. "You can't go back if there's nothing to go back to" es si no me equivoco su décimo álbum de estudio, y ya os digo que desde el primer momento ese sonido americano suena sensacional, ese country tan de este milenio, tan de Wilco cuando se dejan de ruiditos y moderneces, como si Jay Farrar nunca les hubiese abandonado cuando compartían guitarras y cervezas en "Uncle Tupelo", como si hubiera formado parte de "AM" y "Being There" y el Foxtrot nunca hubiese sonado en aquel Hotel yanqui. Como si aquellos Whiskytown de un jovencísimo Ryan Adams se hubiesen fusionado con los SonVolt.. no sé, a eso podríamos decir que suenan los Richmond Fontaine, a eso y a verdad, a pasión, a penas ahogadas en una fría jarra de cerveza, sonido pure and easy, sonido celestial, de otra galaxia, y además, en esta ocasión, cuentan con una acompañante de lujo, otra perla de Portlandia, cuentan a los teclados con Jenny Conlee de The Decemberists. Placer inmenso.


Los primeros acordes de "Leaving Bev’s Miners Club at Dawn" nos hacen sentir como en casa. Cómodos, cálidos, agustito total. Belleza y verdad absoluta. Entonces la voz de Vlautin aparece y nos arropa con su “Ain’t no use, oh it ain’t no use…Maybe some guys just ain’t meant to…”; ... sonido clásico americano con todos los ropajes indispensables, con ese piano delicioso que hacen no sólo de "Wake up Ray" uno de los temas del disco sino también, y con total seguridad, uno de los temas del año, dejándonos ese poso, ese regusto a un Jeff Tweedy countryficado o a un Springsteen de vueltas con su rock embadurnado de romanticismo. Una de mis favoritas es "I got off the bus" no sé si por tener esa estructura tan Mr.E (tan de Mark Oliver Everett) o simplemente por ser cojonuda y punto, porque pocos peros le podemos poner. Un temón. Y quiero parar un momento aquí y reflexionar: porqué no hay más discos como éste?, porqué no hay más verdad en el rock?, porqué no? aquí no hay pose, aquí hay alma, sinceridad y claro, hay mucha calidad, y no se entiende como esta gente, ese Vlautin, no está en un altar santificado. Dicho esto y escuchar "Whitey and me" hace que me santigüe después de secarme las lagrimillas. Maravillosa sin más. Belleza infinita en un tema para escuchar en un día lluvioso, copa de vino en mano, mirando al infinito mientras olemos a tierra mojada, como si el amigo Westerberg se calzase botas con espuela. Otra favoritísima de este grandioso disco es "Let's hit one more place" con ese organillo tan dylanesco, tan feliciano de la vida. Un tema trotón y simpático que enlaza con otro temazo descomunal que responde al nombre de "I can't black it out if I wake and remember" el cual podría estar firmado por los Wilco sin ningún problema y meterlo allí, en aquel doble fantástico que es "Being There". el deje vocal sin duda recuerda muy mucho a Tweedy, tanto eso como la estructura de la canción. Llegamos al ecuador del disco con un tema precioso, un bonito tema semi-acústico donde Vlautin lo borda, y es que en "Don't skip out on me" encontramos countryrock con buen gusto, del que le gustaba a Keith en el Exilio, el de su amigo Gram Parsons. Otra delicatessen más y ya no sé cuantas llevamos. Y seguimos con country, algo más fronterizo, algo más folk, y es que la sencillez de "Two friends lost and sea" quita el hipo, sencilla y enorme a la vez, y un final in crescendo, con órgano y unas trompetas magníficas. A partir de este momento el disco se vuelve algo más lento, algo más tranquilo, más de cantautor que de banda, pero claro, sigue siendo exquisito. En "Three brothers roll into town" vemos al trobador folk y en "Tapped out in Tulsa" se perfila la sombra del mejor Ryan Adams, para rematarnos con la excelente "The blind horse", preciosa, hipnótica,... de ensueño. Antes de finalizar el disco nos encontramos con una joya llamada "A night in the city", un tema tremendo de esos por las que vale la pena hacerse con un disco. Un tesoro. "Easy run" es la encargada de cerrar este increíble discazo, y lo hace dulcemente, con un piano que pone los pelos de punta, la piel de gallina, que estremece, que enamora, que nos señala a "You can't go back if there's nothing to go back to" como un grandísimo disco, como es y será, sin duda, uno de mis discos favoritos del año.

Richmond Fontaine - "You can't go back if there's nothing to go back to" (2016)
9/10
01.- Leaving Bev’s Miners Club at Dawn/ 02.- Wake Up Ray/ 03.- I Got Off the Bus/ 04.- Whitey and Me/ 05.- Let’s Hit One More Place/ 06.- I Can’t Black It Out If I Wake Up and Remember/ 07.- Don’t Skip Out On Me/ 08.- Two Friends Lost at Sea/ 09.- Three Brothers Roll Into Town/ 10.- Tapped Out in Tulsa/ 11.- The Blind Horse/ 12.- A Night in the City/ 13.- Easy Run.

Post aparecido originalmente en Nikochan Island por Nikochan

Riley Walker está de vuelta

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Siguen llegándonos buenas noticias, esta vez noticias sobre el grandioso Riley Walker. Su disco del año pasado “Primrose Green” es una de esas joyas atemporales que llegan  a nuestros oídos de vez en cuando, y a pesar que a muchos se les olvidó mencionarlo entre los mejores del 2015, sin duda alguna lo era, fue uno de los grandes discos del año pasado. Ayer, nos llegaba la noticia de la salida el 19 de Agosto vía Dead Oceans de “Golden Sings That Have Been Sung”, constará de ocho canciones. Os dejamos con el listado de temas y un adelanto: The Halfwit In Me.


“Golden Sings That Have Been Sung”,: 01.- The Halfwit In Me/ 02.- A Choir Apart/ 03.- Funny Thing She Said/ 04.- Sullen Mind/ 05.- I Will Ask You Twice/ 06.- The Roundabout/ 07.- The Great And Undecided/ 08.- Age Old Tale.

Queen - Queen I (1973)

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".... and nobody played synthesizer....."

Sin duda 1973 supuso en la música el final de muchas historias y el principio de otras. The Who firmaban seguramente su último gran disco: "Quadrophenia", el punk comenzaba a dar sus primeros pasos de la mano de Iggy & The Stooges y como no de New York Dolls que entregaron obras maestras como "Raw Power" y "New York Dolls" respectivamente, era casi también el año del adiós de Led Zeppelin, vale aún quedarían por aparecer grandes trabajos como "Physical Graffiti" pero está claro que con "Houses of the Holy" habían tocado techo. Los Stones cerraban su época gloriosa con el poco valorado aunque glorioso "Goats Head Soup". Otros como Pink Floyd firmaban su POM (The Dark Side of the Moon), genios como Springsteen, Marley, Elton y Browne se afianzaban y prometían una carrera inigualable, y simplemente Bowie y por ejemplo Stevie Wonder convertían en oro todo lo que tocaban. Incluso había  lugar para rarezas como el "Tubular Bells" de Oldfield o el magnífico "Selling England by the pound" de los Genesis... Ya digo, un año difícil por la variedad de las propuestas: rock de siempre, reggae, soul, progresivo, punk, glam, hardmetal....  Y en todo este barullo, donde encajaba La Reina? pues tomando el testigo que los Zeppelin parecían cederle, a lo que ayudó la prensa que rápidamente vieron en ellos un relevo más que solvente y prometedor, pero Queen no eran Led Zeppelin ni por asomo, y lo digo tanto en lo bueno como en lo malo. Eran y son dos bandas muy diferentes que además aún siendo yo muy fan de Mercury y Cía, reconozco que la Reina no aguanta la comparación con los Zeppelines, pero ese ya es otro tema. Desde luego, el primer disco de Queen, el álbum de debut que como indicaba la moda aparecía sin título o con el clásico Queen I, tenía muchas cosas de Led Zeppelin, pero también muchas de la épica de los Who, y mucho del Glam. Todo bien mezcladito y servido como ellos decían "sin sintetizadores"... curioso, al menos sabiendo en lo que años más tarde se convirtió la banda, ya en los extraños ochenta. 


En décadas pasadas las grandes bandas, los grandes talentos no podían parar su creatividad, y teníamos un disco al año, incluso a veces dos. Queen no es una excepción, el debut que hoy nos ocupa apareció a final de 1973, pero en 1974 aparecieron otros dos discazos: "Queen II", y "Sheer Heart Attack", en el 75 su POM "A Night at the Opera", en el 76 "One Day at The Races", "News of the World" en el 77, y finalmente, cerrando su época dorada en el 78 "Jazz" con el que su creatividad y su talento comenzaron a difuminarse, concierto de despedida (Killers) y una vuelta al ruedo con "The Game" donde cambiaban de imagen, de estilo, casi de público... Ya nunca más firmaron un disco sobresaliente, canciones buenas de haberlas haylas pero ya nunca fue lo mismo aunque comercialmente les fuese mejor que nunca, y sí, desde entonces sí habían sintetizadores y muchos: Queen, what's new? Queen, someone still loves you!.. ya me entendéis, verdad?. Recomiendo y reto a cualquier detractor de Queen, de la banda del cuero, del bigote, del gugu gaga, del "me llamo Fermín" y el disco del parchís a que cojan al toro por los cuernos y se metan los cuatro primeros discos de la banda de Federico Mercurio en vena. Sobretodo con este "Queen I" que a más de uno cogerá de improvisto y sorprenderá, o porque no lo conozca o porque acabe redescubriéndolo. 


El cuarteto londinense formado por el showman e increíble cantante y compositor Freddie Mercury, poseedor de un instrumento vocal inigualable, el genial guitarrista permanentado Brian May, con un estilo propio e inconfundible a las seis cuerdas y unos riffs reconocibles de aquí a Lima, el bajista John Deacon y el, aunque hoy odiado por un servidor, brutal batería Roger Taylor, dotado de un falsete espectacular. Todos ellos compositores, todos con éxitos propios dentro de la banda, todos con un talentazo demoledor pero nadie con el mojo de Mercury, porque Freddie sí tenía la magia. Era único. Pues bien, 1973 es la fecha de su debut oficial. Un debut homónimo formado por diez temas que nos enseñan un poco de donde vienen y a donde van, sus influencias y su estilo propio que aunque todavía está en pañales ya comienza a enseñar las uñas. Un ejemplo de lo dicho es el temón que abre el disco, "Keep Yourself Alive", con una riff de guitarra impresionante, la sección rítmica a todo trapo y Freddie en su salsa, luciéndose como siempre. Mil capas instrumentales que se convertirían en santo y seña y se triplicarían, voces dobladas, riffs que van y vienen.... temas más allá del rock, con toques líricos y cabaretescos, y un poco de rock de siempre, adornado con un glam-progresivo.... "Keep yoursef alive" es un despiporre, eso es incuestionable, un tema increíble de May, que también firma la autoría junto a Tim Stafell (anterior vocalista de la banda cuando eran Smile) del bellísimo tema "Doing all right", con cambios de ritmo y estilo en el mismo tema que les acercaban a los Zeppelin del "III"... y una explosión eléctrica genial. La opereta "Great King Rat" de Mercury ya apuntaba hacía donde querían ir como banda, es sin duda uno de mis temas fetiche, con él confieso me enamoré de esta magnífica banda. Un tema difícil a todos los niveles que mostraba las cualidades de Freddie como vocalista y compositor. "My Fairy King" es otro tema de Mercury. Por esa época más o menos se repartían él y May casi al 50% la composición de los temas como en "Queen II" donde podríamos decir que cada uno se ocupa de una cara del disco. Tanto "My Fairy King" como "The Night Comes Down" encajarían perfectamente en el "II" pero aquí están. La primera con su faceta operística, es una balada dulce y preciosa que le pone algo de calma y sofisticación al disco, y la segunda, esa estupenda "The Night Comes Down", es puro Zeppelin, una progresión hard-rockera al inicio que firmaría Page al más puro estilo "Baby, I'm gonna leave you" que se va transformando gracias a May en una increíble balada. Y en medio de ambas, otro trallazo como "Liar". Mercury en todo su esplendor. Abrumadora, excesiva, deslumbrante, operística, glamera y putera. Liar es una joya, uno de los grandes temas ocultos de esta imprescindible banda. "Modern Times of Rok'n'Roll" es la cuota que le daban al bueno de Taylor, en los primeros discos siempre tiene tema reservado, compuesto y cantado por él. En este caso se marca un rocanrol clásico, acelerado y apuntado hacia el punk, pero sin más historia que la de ser el séptimo tema del disco debut de Queen. "Son and Daughter" es, otra vez, mucho Zeppelin. De principio a fin, de proa a popa, de la quilla a la perilla... hijo e hija de Page y Plant pasado por el filtro de La Reina, y como no, está firmado por May que no podía ocultar su devoción por los Zeppelin. Antes del final con la brutal instrumental "The Seven Seas of Rhye" que luego aparecería con letra y bien acabada en "Queen II" nos encontramos con otro tema de Freddie, "Jesus", con unas guitarras muy durillas para lo que es Queen, pero magníficas, May se luce. Y nada más, nos quedamos con el regusto de los "siete mares", espero que redescubráis o retoméis este gran disco de una grandiosa banda que por unas cosas u otras a veces no es valorada como se merece. 

Queen - "Queen I" (1973)
8,5/10
01.- Keep Yourself Alive/ 02.- Doing Allright/ 03.- Great King Rat/ 04.- My Fairy King/ 05.- Liar/ 06.- The Night Comes Down/ 07.- Modern Times of Rock'n'Roll/ 08.- Son & Daughter/ 09.- Jesus/ 10.- Seven Seas of Rhye.