Bill Withers ‎- Just As I Am (1971)

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Quien no lo conozca así de primeras habrá oído Ain't no sunshine, canción universal, desde diferentes fuentes y puede que como a mí me pasaba sin conocer nada más del creador, moneda de cambio en toda clase de recopilatorios ya sean de soul, de canciones románticas o simplemente de clásicos de los 70. Hasta el día que me topé con este disco y me hizo ver que esta maravilla de canción es una arista más en la geometría de la joya a la que pertenece: Just As I Am.

La portada es perfecta en su auténtica normalidad, Withers apoyado en la esquina de una calle cualquiera, seguramente de Harlem, y con el maletín de los desayunos, como pillado en la salida del trabajo, confiado mirando a cámara con una sonrisa, quizás escéptico en cuanto la repercusión que podrían tener esas canciones, pensando tal vez que los grandes Sam y Otis ya lo habían dicho todo. Pero no, él puso la guinda al pastel, un matiz pequeño pero diferente a todo lo que se había hecho en el soul. Si alguna vez imaginaste como sería el preciso momento en el que los grandes del soul se enfrentaron por primera vez a sus canciones sólo con la guitarra de palo, tal vez se parecería a lo que hace en este disco. Y es que Withers no cuadra con el estereotipo habitual que suele proyectarse de soulman, más bien con el de cantautor, y no podía tener mejor título que este, es lo que su música transmite, sin grandes pretensiones pero de sinceridad abrumadora.


Comenzó en un sello pequeño, Sussex y tuvo la suerte de tener al ya consagrado Booker T Jones a los mandos de la producción y arreglos, con una plantilla de músicos de primera, allí estuvo Stephen Stills en la guitarra. El  resultado es inmejorable, sonido orgánico guiado por la rítmica de la guitarra acústica de Withers, pero lo que realmente me deja K.O. es la franqueza y la honestidad que transmite su voz, y no por ello menos potente que sus maestros, un contador de historias con sus experiencias como hilo conductor y que posiblemente desmonte por completo lo que para cualquiera signifique tanto la palabra cantautor como soul-singer.

Bill Withers es ambas cosas, el adjetivo para Just As I Am es transparente, escuchándo estas historias estás conociendo Withers, su vida, su pasado, sus sufrimientos y desgracias, y sus alegrías y amores, además a Withers le quedaba cerca la vida dura e ingrata de la mina en Virginia, experiencia que le da este grado de autenticidad que tienen muy pocos. Como muchos otros entró en contacto con el gospel en el coro de la iglesia, principal foco cultural de la comunidad afroamericana, allí aprendió lo suficiente para adquirir un lenguaje propio que siempre le recordó de donde venía, y así sin perder la perspectiva llevar este gospel a la gran ciudad, a Harlem, en su voz se manifiesta el sufrimiento de sus familiares, padres y hermanos, fue el único de seis hermanos que escapó del destino fatídico que le espera a un hombre de color en West Virginia, y cuando tuvo la oportunidad se alistó en el ejército como quien se agarra a un clavo ardiendo para salvarse de un destino fatal, y lo consiguió, escapó de la mina. Por suerte su pasión por la música y un buen puñado de canciones le hizo agarrar la sartén de su vida por el mango.

Abre el disco Harlem, una canción potente, poesía urbana, versos que se van tensando entre la vida y la muerte en sus calles peligrosas, imagino a Barry White frotándose las manos con las posibilidades de esta canción. Fue el primer single aunque no tuvo mayor repercusión que la de ser la cara A de Ain't No Sunhine, historia de un desengaño explicada como pocas veces se ha oído de boca de un hombre abandonado, admitiendo su debilidad. Y aquí viene una de las curiosidades, la versión que llegó al máster fue una improvisación, esta parte con Withers repitiendo I know I know I know... realmente se le fue la letra de la cabeza, pero por sugerencia del sr.Jones se quedó como la versión definitiva por la intensidad alcanzada en la interpretación.

Grandma's Hands es un sentido homenaje a su abuela y a todo lo que representaba su figura en la familia, uno de los puntos álgidos del disco, un gran tema, esta canción puede ser también un reconocimiento hacia sus antepasados ​​y el orgullo de defender lo que ellos consiguieron con tanto esfuerzo, memoria generacional no muy de moda por estos lares. Sweet Wanomi es un caramelo folky y soul, escuchándolo escucho a The Band, es el feeling que me da, Withers debería haber ido al mítico Último Vals, no hubiera desentonado en absoluto. Everybody's Talkin' es una de las dos versiones del disco, versión de la canción que popularizó Harry Nilson, diferente, con más groove, muy orgánica, esta introducción de guitarra rítmica con el riff de bajo te hace mover el pie.  Hope She'll Be Happier es el amor después del amor, desearle lo mejor a tu ex aun sabiendo que será con otro, Withers llora, pueden escucharse el dolor, es un paraje devastador, de cabaña perdida en la montaña donde Bon Iver perdió las sandalias.

Me impresiona mucho la versión de Let It Be, me parece impresionante, yo sé que es difícil coger cualquier canción de los Beatles y hacer algo diferente, y es que la versión de Withers continúa reconocible en la melodía pero consigue algo que pedía a gritos desde que se popularizó, devolverla al gospel, lugar donde parece haber nacido, que no supera a la de los Beatles que es y será mítica, simplemente es otro matiz diferente, convertida en salmo para la misa de domingos perfecta para sufrir ataques de apariciones marianas. I'm Her Daddy es este punto que tan bien sabía dar Hendrix a canciones como Wind Cries Mary, imagino lo que haría Hendrix con esta canción, daría mucho juego. In My Heart, por favor, esta canción es la más austera del disco y la más sentida, es como la resaca, como el día después a Ain't No Sunshine, es la voz de la soledad que provoca el amor cuando hace daño de verdad, y Moanin' And Groanin' es la renta de la que ha vivido Lenny Kravitz toda su carrera, el folk rock unido al soul, con el blues de pasta base, esta canción es de mis preferidas. Cierra el disco Better Off Dead con la percusión de las congas marcando el ritmo sugerente de un r'n'b, una joya, que en a penas dos minutos se despide con una historia tan de la workin' class barriobajera con final tan duro como la vida misma.


Bill Withers tiene una carrera atípica, desarrollada en un intervalo de 15 años, desde el 71 que salió este disco y con un paréntesis entre el 78 y el 85, año en que decidió dejarlo todo por una vida más sosegada y dedicada a su familia, su mujer y sus tres hijos, Withers podría haber aguantado por los escenarios repasando sus éxitos a día de hoy, incluso me he imaginado lo bien que le quedaría la arruga del tiempo si volviera con un disco al estilo american recordings de Cash. Pero tomó una decisión drástica, el amor por los suyos, una vida tranquila lejos del éxito y de la frivolidad de la farándula. Dice Withers que ya no tenía nada que decir, pero imagino por lo que he leído sobre su vida que también tuvo que ver con su experiencia con la prensa "amarilla" que se cebó con él cuando se divorció de su primera mujer, la actriz Denise Nichols, pués encasillaron el cantautor en un perfil machista bastante alejado de la realidad, todo ello junto a una industria discográfica que lo mantenía más por el interés que despertaba en sus compañeros músicos a los que influenció, que por el interés que suscitaba su música en las listas de éxitos. Su siguiente disco Still Bill fue el que le dio el número 1, y que contiene Lean On Me, otra canción de las universales, sin embargo, en conjunto me gusta más este disco, un disco que hay que tener, soul urbano cantado desde la mina. Me gusta Withers. A 45 años de su edición Just As I Am suena tan vivo que parece grabado ayer.

Por Chals Roig
Publicado originalmente en NO SÉ VIURE SENSE ROCK

Bill Withers ‎- Just As I Am (1971) 10/10

1. Harlem / 2. Ain't No Sunshine / 3. Grandma's Hands / 4. Sweet Wanomi / 5. Everybody's Talkin' / 6. Do It Good / 7. Hope She'll Be Happier /8. Let It Be / 9. I'm Her Daddy / 10. In My Heart / 11. Moanin' and Groanin' / 12. Better Off Dead



Nada Surf (2016) - You know who you are

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disco NADA SURF - You know who you are

 ...para los que estén exentos o despojados de suspicacias y recelos tienen diez luminosos y verdaderos motivos para disfrutarlo.... 

Mucho ha llovido desde 1996 aunque no lo suficiente, sobre todo en determinadas zonas más áridas. Es posible que algún que otro lector o lectora del presente se acuerde del impacto que justo hace 20 años supuso un temazo como “Popular”, de esas canciones que desde el primer instante sabías que iban a calar, de las que contenían todas las papeletas para ser aclamadas por una mayoría y de las que se intuía que muy probablemente envejecerían bien. 

Nada Surf 2016
Y es que si hay algo que siempre ha caracterizado a Nada Surf y de lo que pocos grupos musicales se pueden jactar es de tener la llave maestra para cosechar estupendos hits (y no me refiero al típico exitazo de temporada que pinchan en la radio hasta la saciedad). Otros ejemplos que podrían citarse de ello son “The way you wear your head“, “Hi-speed soul“, "Inside of love", "Always love", "See these bones", "Whose authority",... Ahora bien, a nivel de álbumes es otra cosa. Siempre he pensado que los neoyorkinos han pecado de bastante irregularidad, motivo por el que quizás he constatado injustas animadversiones en forma de ácidos comentarios ("es una banda para gafapastas, para pijos, para nenas monas con minifalda,...") y que, a través de los tiempos, se topaban con las más curiosas defensas a ultranza (desde un amigo hard-rockero que los considera “una de las pocas interesantes bandas de pop-rock” a otro íntimo que los tiene en un altar “por ser junto a los Pixies de lo poquito que merece la pena después del post-punk”). Opiniones tan extremas respecto a Nada Surf siempre me han sorprendido, partidarios y detractores, fervor o desprecio, quizás es que los polos opuestos se atraen aunque yo me decanto más por ni tanto ni tan calvo, como diría el refranero español. 

NADA SURF - You know who you are 2
El caso es que dos décadas después del "Popular" continúan vivos, ahora como cuarteto (Matthew Caws, Ira Elliot, Doug Gillard y Daniel Lorca), con un nuevo disco de estudio donde nuevamente no han conseguido redondear una obra maestra aunque no es menos cierto que esta vez se han acercado bastante a los dos álbumes que, a mi gusto y juicio, diferenciaría de su discografía: indudablemente el “Let go” del 2002 y el magnífico pero menos conocido “Lucky” del 2008. 

En “You know who you are creo que mejoran, y mucho, las expectativas que, al menos el que suscribe, tenía depositadas en ellos teniendo en cuenta el anterior trabajo “The Stars are indiferent to astronomy” del 2012, con el que no acabé de congeniar. Y esa mejora evolutiva ya se hacía presagiar con la que había sido la tarjeta de presentación, nuevamente en esa línea de lo que hablábamos más arriba, la de que los neoyorkinos saben como pocas bandas facturar magníficos hits, una clarísima muestra de ello es Cold to see clear

NADA SURF - You know who you are 3
Pero es que el resto del disco es un surtido de gemas que recorren las mayores de sus virtudes e influencias. El pop elegante y apasionado en "Believe you're mine", "Friend hospital", "Rushing" o "Victorys yours", la intensidad melódica de "New bird" o "You know who you are", las típicas perlas adictivas marca de la casa comoOut of the dark o "Gold sounds" y los arrebatos en plan Teenage Fanclub y Big Star de Animal.

Lo nuevo de Nada Surf no resulta muy recomendable para los que tengan prejuicios con esta grupo ya que resulta obvio que pueden incrementar su recelo o aprensión. Por el contrario, para los que estén exentos o despojados de suspicacias y recelos tienen diez luminosos y verdaderos motivos para disfrutarlo.

     * Por Johnny JJ. Texto adaptado para el Exile del publicado en el siguiente enlace del Espacio Woody/Jagger con motivo de la presentación del disco en la gira de Nada Surf por España (Madrid, Pontevedra y Bilbao).

Simon & Garfunkel: negociaciones y canciones de amor

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En "Negociaciones y canciones de amor" Javier Márquez ofrece una interesantísima visión de la carrera de Paul Simon y Art Garfunkel, dicha visión no se ciñe únicamente a nivel musical sino que va más allá y nos habla de la relación entre ambos, sin duda turbulenta, desde que se conocieron cuando eran niños hasta la madurez absoluta rozando la actualidad. No es sólo una biografía más, es una guía musical donde se entrecruzan la amistad y la vida de cada uno de ellos. Por ejemplo la anécdota de celebra juntos el Bar Mitzvá judío nos dice lo muy ligada que han estado siempre sus vidas, sus primero pinitos musicales, la influencia que cada uno hacía sobre el otro, sus primeros coqueteos con las drogas, sus interminables separaciones y reconciliaciones, sus inseguridades, sus miedos, y esa madurez personal que va haciendo que dos personas, dos amigos comiencen a separarse sin una clara razón, más que el querer crecer individualmente y el desgaste de una carrera tan exitosa en tan poco tiempo. La mezcla de su vida con su obra está llevada a la perfección, tanto en los primeros capítulos donde se habla del grupo como cuando ya andan por separado y se empieza a diseccionar la obra de cada uno, sorprendiéndome muy mucho la de Garfunkel que casi desconozco por completo y sobretodo la vida personal entonces de ambos. Dos puntos importantísimos en el libro es la creación de "Bridge over troubled waters" con ese personaje fundamental que fue Roy Haylee para ambos y por supuesto el "Graceland" de Simon. En definitiva es un estupendo libro para quienes ya conocen al dúo como para quienes aún no se han adentrado en su obra, en mi caso siendo un fiel seguidor de Paul Simon he disfrutado leyendo sobre el pequeñín y me he sorprendido mucho con anécdotas sobre Garfunkel que desconocía. Un disfrute de libro que además de estar bien documentado, es muy ameno y se lee de forma fluida, yo casi lo he devorado. 

Simon & Garfunkel: negociaciones y canciones de amor
Javier Márquez
9/10
Editorial Milenio
Año edición: 2004
Páginas: 268
Idioma: castellano
ISBN: 9788497431286

Post aparecido originalmente en Nikochan Island por Nikochan

Why are you OK: nueva entrega de Band of Horses

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Después del algo descafeinado "Mirage Rock" del 2012, Ben Bridwell parecía decidido a darle un largo descanso a los Band of Horses, desde entonces un correcto directo: "Acoustic at the Ryman" (2014) con la banda y un notable artefacto de versiones, "Sing into my mouth" (2015), junto a Sam Beam. Parecía que los buenos tiempos de "Infinite Arms" (2010) quedaban lejos pero al parecer este 2016 verá la luz el quinto disco de la banda que llevará por título "Why are you Ok". Concretamente será el 12 de Junio cuando podremos disfrutar de las 12 nuevas canciones de las que dispone el disco producidas por Rick Rubin y Jason Lytle. Recordamos que Band of Horses estarán el 17 de Junio en Madrid, en el MadCool Festival para presentar las nuevas canciones en la que de momento será su única visita a España. 

01.- Dull Times/The Moon/ 02.- Solemn Oath/ 03.- Hag/ 04.- Casual Party/ 05.- In A Drawer/ 06.- Hold On Gimme A Sec/ 07.- Lying Under Oak/ 08.- Throw My Mess/ 09.- Whatever, Wherever/ 10.- Country Teen/ 11.- Barrel House/ 12.- Even Still.

Ain't no man, primer adelanto de lo nuevo de The Avett Brothers

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The Avett Brothers nos obsequiarán con una nueva colección de canciones recién llegado el verano. Concretamente será el 24 de Junio cunado podremos adquirir el disco que llevará por título "True Sadness", al parecer el disco dará un pasito más hacia el pop sin olvidar su estilo propio, el nuevo single "Ain't no man" es una muestra de ello. Después de discos magníficos como "I and Love and You", "The Carpenter" y "Magpie and the Dandelion", se unen nuevamente al productor Rick Rubin en el que parece será otro gran disco. Os dejamos con el tema de adelanto que suena magnífico y el cancionero del disco. 

01.- Ain't No Man/ 02.- Mama I Don't Believe/ 03.- No Hard Feelings/ 04.- Smithsonian/ 05.- You Are Mine/ 06.- Satan Pulls the Strings/ 07.- True Sadness/ 08.- I Wish I Was/ 09.- Fisher Road to Hollywood/ 10.- Victims of Life/ 11.- Divorce Separation Blues/ 12.- May It Last

Venta anticipada para El Último Vals de Frías

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A partir del Miércoles 20 de Abril , a las 11 de la mañana, no antes, se podrán reservar/adquirir las entradas para El Último Vals que tendrá lugar en la bellísima localidad medieval de la Merindades los días 1, 2 y 3 de Julio. El importe total del bono es de 25 euros (menores de 12 años, entrada gratuita). Para su adquisición habrá que ponerse en contacto con la Oficina de Turismo de Ciudad de Frías (turismo@ciudaddefrias.com). Se recomienda hacer dicha reserva por email, indicando nombre y apellidos, DNI, y teléfono de contacto, y después seguir las instrucciones para abonar el importe en la cuenta de la Organización.

Para el acceso a los conciertos del Castillo  -viernes 1, sábado 2, apertura de puertas desde las 19:15h- el bono tendrá que canjearse por una pulsera diseñada especialmente para El Último Vals que se colocará el viernes día 1 de julio desde la mañana.



Viernes 1 

Copernicus Dreams (20.00)
Frank (21.00) 
Danny and the Champions (22.30). 
Still River (24.00)

Sábado 2

Walnut & Co. (20.00
 La Gran Esperanza Blanca (21.00)
 Fakeband (22.30)
 Bantastic Fand (24.00)
 Zimmerband (01.00 )

*todos los grupos ofrecerán repertorio propio pero también harán guiños a los homenajeados. Fakeband en concreto escenificará casi toda la película.

Habrá también una conferencia sobre el evento original y sus derivadas a cargo de Mikel Muñoz, autor del primer libro en castellano sobre The Band; Miguel López, autor de un libro sobre El Último Vals y sus anécdotas, Luis Lapuente (Radio 3) , Fernando Navarro ( El País , La Ruta Norteamericana) y, el impulsor del evento y apasionado ser humano Joserra Rodrigo. 

Para más información visiten la página oficial del evento: http://elultimovalsfrias.jimdo.com/


Dexys - One day I'm going to soar (2012)

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No quedaba rastro alguno de los petos tejanos, ni de la energía juvenil que demostraban los corredores de la medianoche, ahora son simplemente Dexys, ahora ya no son los jóvenes rebeldes del soul, son viejunos, pero la vejez tiene sus cosas buenas, la sabiduría, el buen hacer, la bella arruga, la clase... Rowland debe pesar veinte quilos menos que cuando era un mocetón, skin & bones, pero su voz me sigue embrujando y seduciendo como antaño. Rowland se ha mantenido siempre más o menos activo pero como banda, como los Dexys, no publicaba nada desde “Don't stand me now” de 1985, por cierto, este es un disco que siempre había ignorado por estar ahí, en tierra de nadie, por tener a dos antecesores que son dos putas obras maestras, hablo de “Searching for the young soul rebels” y “Too-rye-ay”, pero que hace poco he recuperado y disfrutado, y que me sirvió de enlace perfecto para este nuevo trabajo que la banda nos regaló en 2012 y que he vuelto a recuperar, a utilizar como excusa, gracias a la noticia, ya comentada en el Exile, del nuevo disco de Rowland y compañía este mismo 2016: Dexys DO Irish and country soul. “One day I'm going to soar” era la vuelta al ruedo de los Dexys, y no defraudaban, como iban a defraudar? Coño, son los Dexys! Rowland y sus secuaces se ponían sus mejores galas, se adecentaban el traje para embarcarse en un proyecto que destila clase. Encontramos soul, como no, pero también ese pop callejero que tan bien han sabido fabricar, vodevil, baladones que te ponen la gallina de piel... Es un gran disco, no me atrevo a decir que es lo mejor de aquel año pero por ahí van los tiros, cada vez que uno escucha este dulce artefacto le parece mejor y mejor. Una obra sublime, un discarro que desde la primera canción te deja con esa sonrisilla imbécil en la cara. Qué grandes son los Dexys, qué lástima quienes piensan que su único éxito es el “Come on Eileen”. Lastimica. Tremendo este disco, tremendas sus canciones, tremenda la voz de Rowland, su feeling, su savoir faire, su clase, su buen gusto. Oh! Sí Kevin, i'm thinking of you...


Un pianito, un murmullo, unos coros, y la voz apenada de Rowland abre el disco, but once.... la canción te explota en la cara, y el celtic soul se apodera de tu cuerpo, de tu alma, de tu corazón. Ostias, qué temazo! Más de seis minutos de placer, de disfrute, de celebración.. Un puñetazo sobre la mesa, qué somos los Dexys leñe, que somos la polla (con perdón), y es que esta canción me ha traído a la memoria la primera vez que escuché "Too-Rye-Ay”, eso es irrepetible, claro, pero las sensaciones se han parecido. Sólo por este tema la vuelta de los Dexys valió la pena, pero hay más, mucho más y mejor. Laaaa, la, lalala, laa-la, lala, lalala.... Rowland estuvo un tiempo perdido pero ha vuelto definitivamente, “Lost” es la prueba de todo ello. Qué preciosa canción, qué bonica, sí bonica del to. Y si no estás convencido del todo llega la clase total con “Me”, aires claros y sin disimulo a “Style council” con la aportación a los teclados del 50% de aquellos, Mick Talbot qué grande eres!. La melodía y la forma de cantar me recuerdan a veces a un “shout to the top” de guateque, de chill out, pero qué cojones, es una de mis favoritas. Claro que “She got a wiggle” no le va a la zaga aunque en este caso me viene a la cabeza la atmósfera que creaba el duque blanco, el camaleón Bowie allá por los ochenta. Cancionaca. Luego vuelven descaradamente los “midnight runners” con esa joya que es “You”. Ya digo, es un discarro que gana a cada escucha y que cualquier terrícola en su sano juicio no debería pasar por alto, y es que si uno no se estremece con "I'm thinking of you” debería hacerse una analítica, si a uno no le dan ganas de pegarse un bailoteo con “I'm always going to love you” o si no te da un ataque de positivismo con el dueto de “Incapable love” mejor ingresa directamente en un sanatorio. El final se acerca y de él destaco “Free” porque simplemente es cojonuda y vuelve a ese sonido de “Style council” que particularmente tanto me gusta. Discazo señores, discazo...


Dexys - “One day I'm going to soar” (2012)
9/10
01.- Now/ 02.- Lost/ 03.- Me/ 04.- She Got A Wiggle/ 05.- You/ 06.- I'm Thinking Of You/ 07.- I'm Always Going To Love You/ 08.- Incapable Of Love/ 09.- Nowhere Is Home/1 0.- Free/ 11.- It's O.K. John Joe.



*post aparecido originalmente en Nikochan Island por Nikochan


LA GRAN ESPERANZA BLANCA CUMPLE 30 AÑOS 1986-2016

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En esta actualidad de efemérides, aniversarios y recuerdos añejos, no podía faltar uno de los hitos más importantes del año en curso, pues uno de los grupos con mayor trayectoria y aún en activo de la actualidad es La Gran Esperanza Blanca que cumple nada más y nada menos que 30 años desde que apareciera en aquel lejano 1986, con mayor o menor regularidad, pero con un repertorio de fondo que constituye uno de los mayores tesoros musicales de este país. 

Es lo que podría llamarse una underrated band, así a bote pronto, y no sólo por un último disco que ha cosechado alabanzas en todos los medios especializados conocedores de la buena música, además porque su repertorio podría calificarse de legendario, sin miedo, y tienen muchas canciones que atesoran una calidad lírica y musical fuera de toda duda.

Así que no puede existir mayor festejo para tal efemérides que el directo de Cisco Fran y sus muchachos el próximo 23 de abril, en Loco Club de Valencia, un concierto conmemorativo que contará con ilustres invitados como Manolo Divago y Tete Chumi (Dr. Divago), Raúl Tamarit (Los Radiadores), Pepo Granero (miembro fundador de la banda y actual bajista en Goodfellows), Micalet Landete (Senior i El Cor Brutal), Rafa Adrián y May Ibáñez (Badlands). Será una noche para celebrar y disfrutar con lo vivido y lo que queda por vivir.

Una oportunidad úncia para celebrar a una de las mejores bandas que han existido a orillas del Turia y la costa de Levante. Si estáis cerca no os perdáis esta oportunidad única, el misero puñado de euros que vale la entrada no son nada con lo que esa noche podrá vivirse en el Loco Club el día 23 de abril.

Alzad la copa y cantad por La Gran Esperanza Blanca

Entradas: 7 euros (anticipada) y 10 euros (taquilla el día del concierto)
https://www.onetwotix.com/la-gran-esperanza-blanca?_aff=21

Crónica concierto Flamin' Groovies (Loco Club Valencia, 12-4-16)

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FLAMIN' GROOVIES Loco Club (crónica concierto 12-4-2016) 2

Era una noche histórica en el Loco Club de Valencia. Había que quitarse esa espina clavada del 2014 que por enfermedad del egregio Sr. Jordan impidió ver al fabuloso combo aquel año. 

Recinto casi lleno. Mucha ilusión en el 50 aniversario de los de San Francisco y quizás más de uno teníamos depositadas unas expectativas demasiado altas sin llegar a valorar preliminarmente que, habida cuenta los actuales componentes de la banda, el grueso del repertorio iba a ser desde el mítico álbum “Shake some action” del 76 en adelante.

FLAMIN' GROOVIES Loco Club (crónica concierto 12-4-2016) 3Duele decirlo para un incurable fan de los Groovies pero la primera parte del concierto dejó bastante que desear. Entre extraños acoples de sonido y una sensación de que nos encontrábamos en una especie de prueba experimental previa al comienzo real del evento circularon más de media docena de canciones, del álbum “Now” como Yeah my baby o el Feel a whole lot better de los Byrds, del “Shake some action” como You tore me down, I can’t hide o Please please girl, del “Jumpin in the night” como Yes i am más una versión del I want you bad, el temazo de NRBQ, más popular en boca de los Long Ryders. 

No fue hasta el octavo tema de un avanzado setlist con la versión del clásico de Freddy Cannon de principios de los sesenta, Tallahassee Lassie, cuando el que suscribe comenzó a conectar y a percibir que la cosa mejoraba, alcanzando un buen nivel en otra versión, el tradicional St.Louis Blues de W.C. Handy.

Después altibajos en coplas como She said yeah”, “Don’t you lie to me”, “Between the lines”, “Shake some action”, “Married woman y, eso sí, de lo mejorcito de la noche el Slow death. Ya resulta curioso e inesperado que los dos temas ochenteros que sonaron del “One night stand” acabaran siendo de lo más granado y destacable de la velada. 

Ahora bien, en la recta final hubieron dos momentos de traca de la buena, Teenage head y, muy especialmente, Let me rock perteneciente al EP “Grease” de 1973, la primera canción compuesta por Cyril Jordan con Chris Wilson después de la salida de Roy Loney. 

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Imagen efectuada por el ilustre Perrín Muchacho Bass
Remataron la faena con Jumpin in the night y una versión del Jumpin Jack Flash de los Rolling Stones. Y con ellas nuevamente una subjetiva sensación de irregularidad. No sé si la edad o la vida no perdonan, acaso las canciones de melodías más powerpoperas no están muy acordes a unas voces que actualmente suenan muy carajilleras. Otra cosa es cuando bajan a los pantanos del rhythm&blues, ahí sí que mantienen el tipo como grandes de la historia. 

Vale, no era el momento, pero algunos echamos muchísimo de menos canciones de aquella inmensa trilogía que fue el “Supersnazz”, el “Flamingo” y el “Teenage head”. Del concierto me quedo con la actitud juvenil semi-punk, la sonrisa y la camiseta de rayas del gran Cyril Jordan y, musicalmente, con cinco o seis temas de uno de los grupos más grandes de la vida.

   * Texto: Johnny JJ. Crónica para el EXILE SH MAGAZINE y para el ESPACIO WOODY/JAGGER.

Jason Collett - Song and Dance Man (2016)

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Seguramente no estaría disfrutando como lo estoy haciendo de "Song and dance man", el nuevo y buenísimo nuevo trabajo del ex-Broken Social Scene Jason Collett, si no hubiese caído en mis garras allá por 2010 su excelente, aunque inferior, trabajo "Rat a tat tat". Digo inferior porque francamente lo es a pesar de que me llevase al huerto y me diese un buen revolcón, puede que me enamorase pero amor es una sucia palabra que diría el señor Collett. La verdad es que no pienso que aquel disco fuese su mejor trabajo en solitario pues ese ficticio galardón lo posee por méritos propios, al menos hasta la fecha el inmenso "Here's to Being here" del 2008 pero eso puede estar cambiando después de escuchar lo que nos ha traído este año el bueno de Collett que ya os digo me ha dejado en cueros. El mismo año que editaba aquel "Rat a tat tat" también entregaba una especie de mini-compilación acústica de sus primeros trabajos en solitario que con el tiempo se me antoja imprescindible, hablo claro de "Pony Tricks" pero es que el canadiense Jason Collett tiene un talentazo del copón bendito aunque muchos terrícolas aún no se hayan enterado, yo aún ando ojiplático perdido pues el verano pasado me hice con "Reckon" y todavía ando dolorido de aquella erección, no os cuento más porque el secreto de tal duradera trempera arruinaría a más de un laboratorio farmacéutico pero ahí queda el dato por si queréis una semana loca. Del grupo madre, de Broken Social Scene, me quedo sin dudarlo con su tercer y homónimo trabajo pero para seros sincero le prefiero a su aire, con sus defectos y con todas sus virtudes, siendo él mismo, siendo como es, muy bueno. Bebiendo de los grandes del americanismo, bebiendo de Bob, de Tito Neil, del rubiales de Florida... vamos, de los más grandes. Con esa voz sencilla y verdadera que suena a clásico instantáneo pero esta vez, con "Song and dance man", puede haber dado con la tecla definitiva. Uno de los discos que este 2016 me están gustando más, y más con cada escucha (y ya van unas cuantas) lo que seguramente le llevará a estar entre mis favoritos al final de año. 


Desde el primer tema Jason nos hace suyo. Lo de "Provincial Blues" es de traca, es de placer inmenso, es de alucine. La maravillosa guitarra nos hace volar por la galaxia, entre soul, funki y clásico rocanrol pero ya cuando entrar los coros a lo Prince uno queda totalmente en cueros y está dispuesto a dejarse hacer lo que sea. Entonces, durante la primera escucha, al finalizar el tema, es cuando nos frotamos los ojos y volvemos a ponerlo pues aún no puedes creerte el temón que has escuchado, pero al llegar la canción que da nombre al disco, uno sabe, que está ante algo grande. "Song and dance man" tiene un riff de guitarra fantástico mientras el bajo sube y baja a su antojo y la melodía setentera se apodera de nuestra alma. Seguro que estamos ante una de mis canciones favoritas del año. Y el silbidito de "Forever young is a getting old" me mata, me desarma, me encanta!!! otro tema para completar una tripleta inicial increíble, un country-soul muy radiable, otra vez heredero del supersonido de los setenta, de aquellas estupendas bandas como Stealers Wheel y similares. "Long day's shadow" es un tema más tranquilo, es cálido y bonico del to. Un tema más countril con una steel-guitar que nos hace soñar, de carretera y manta. "Little sparrow" es más convencional, muy de cantautor folki, muy en su estructura a lo Josh Rouse, sin tanto azúcar, pero básicamente nos encontramos ante un tema de esa tesitura que por cierto a mi me encanta. Sabor mejicano para "If she don't love me now", otra delicia que nos coloca en el ecuador de un disco que a cada escucha nos enseña algo nuevo, nos deleita con maravillosos recovecos sonoros que lo hacen muy grande. "Singing american" es Petty de principio a fin, su inicio le delata, su tono vocal nos recuerda vagamente al rubio de Florida y la estructura de la canción no podía ser más "rompecorazones". Siguiendo con las referencias clásicas, no tiene "Love you babe" algo de los Traveling Wilburys? no lo pensáis? no os recuerda a un Harrison and Friends? pues a mi sí. Me encanta este genial y sencillo tema. Harina de otro costal es "Black Oak Savanna" que da consistencia al disco con esa guitarra "llorosa" harrisoniana, no es la mejor canción del artefacto pero se deja querer con facilidad. "Where does your love go" es otro de mis temas favoritos del nuevo disco de Collett que ya nos señala el final del camino. Primero con la deliciosa "Nobody's fool" que perfectamente me la imagino cantada por Ron Sexsmith, después con la juguetona "It don't matter anymore" para terminar de forma maravillosa con "Staring at the sun" un disco que sin duda estará entre mis favoritos del año.

Jason Collett - Song and Dance Man (2016)
9/10
01.- Provincial Blues/ 02.- Song and Dance Man/ 03.- Forever Young Is Getting Old/ 04.- Long Day’s Shadow/ 05.- Little Sparrow/ 06.- If She Don’t Love Me Now/ 07.- Singing American/ 08.- Love You Babe/ 09.- Black Oak Savanna/ 10.- Where Does Your Love Go/ 11.- Nobody’s Fool/ 12.- It Don’t Matter Anymore/ 13.- Staring at the Sun.




*post aparecido originalmente en Nikochan Island por Nikochan

Documental de Jack White y un par de acústicos

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Cuando Jack White dice que se toma un respiro quiere decir que no sacará tres discos en un año, pero como buen culo inquieto no puede estarse quieto. Este 2016 tiene planeado editar un par de conciertos acústicos “Live In Anchorage” y “Live In Idaho” grabados durante la gira de "Lazaretto". El primero será en formato CD y el segundo en DVD, pudiéndose comprar por separado o en el paquete llamado  “Vault package #28 Jack White” a través de su sello Third Man Records.



Por otra parte el documental que ha producido junto a T Bone Burnett y Roberd Redford llamado "American Epic" ya está listo. Un repaso a la música americana en diversos capítulos, repaso a sus raíces, al inicio del  Blues, Country, Gospel, Hawaiian, Cajun, y al Folk, que contará con las apariciones estelares de Alabama Shakes, The Americans, The Avett Brothers, Beck, Frank Fairfield, Ana Gabriel, Rhiannon Giddens, Merle Haggard, Bobby Ingano, Elton John, Auntie Geri Kuhia, Pokey LaFarge, Bettye LaVette, Los Lobos, Lost Bayou Ramblers, Taj Mahal, Steve Martin & Edie Brickell, Fred Martin & The Levite Camp, Ashley Monroe, Nas, Willie Nelson, Charlie Kaleo Oyama, Blind Boy Paxton, Raphael Saadiq, y...  Jack White. Interesante es poco.

Eddie & The Hot Rods - Teenage depression (1976)

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Disco EDDIE & THE HOT RODS - Teenage depression
...es una especie de intangible sustancia derivada de las anfetaminas. Así, tal cual, pero sin entrar en composiciones químicas...
Vamos por partes. En primer lugar decir que para abordar este disco no hay que tener temor por nada, y mucho menos por su polémica portada con ese derecho al suicidio del ciudadano que lo considere oportuno aunque ello no se mencione en el ordenamiento jurídico.

"Teenage depression" es una especie de intangible sustancia derivada de las anfetaminas. Así, tal cual, pero sin entrar en composiciones químicas.

Y realizar tamaña afirmación se debe a que este disco produce una intensa estimulación del sistema nervioso. Con él se puede mejorar el rendimiento, tanto físico como intelectual y, entre otras indicaciones resulta también positivo para casos de narcolepsia, obesidad y depresión. Incluso podría ayudar en determinadas fases de alcoholismo o drogadicción. Ahora bien, su abuso indiscriminado puede implicar adicción, euforia excesiva e incluso espasmos o temblores en la testa y en las extremidades, aunque dudo mucho que llegara a producir efectos tales como vista borrosa, sudoración, vómitos o ataques de ansiedad.

EDDIE & THE HOT RODS - Teenage depression - 2
A EDDIE & THE HOT RODS se les ha etiquetado muchas veces dentro del punk-rock británico pero ellos eran en realidad de la quinta del pub-rock donde la diversión estaba garantizada en contraposición a la música de las radiofómulas o del pop-rock cansino y empalagoso. Y es que aquí lo que mandaba era la crudeza, la urgencia y el rock&roll directo a la yugular.

En “Teenage depresión”, el primer disco de este combo, se suceden uno tras otro cortes repletos de amena energía. Además contiene tres adictivas versiones tales como una en directo del “The kids are allright” de los Who, un “Shake” de uno de los reyes del soul como Sam Cooke que haría saltar por los aires cualquier radar de límite de velocidad de la Dirección General de Tráfico, y una endiablada lectura del clásico de soul “Show me” de Joe Tex. El resto de composiciones propias carece de desperdicio ("Why Can't It Be?", " All I Need Is Money", "Double Checkin' Woman", "Horseplay", "Been So Long", "On the Run") pero destacaría muy especialmente “Get across to you” con ese espectacular redoble de batería que abre el disco, y sobre todo el tema que daba título a este trabajo y que se convirtió en uno de sus mayores clásicos.

Para quien no conozca a Eddie & The Hot Rods pero aprecie a bandas como los fundamentales Doctor Feelgood, creo que difícilmente les decepcionarán pues a mi gusto sus dos primeros discos molan tanto como las primeras obras del grupo de Lee Brilleaux en su período con Wilco Johnson.

Por último decir que este disco fue culpable de muchos buenos recuerdos de la adolescencia para el que suscribe, entre ellos el que sirvió para curiosamente descubrir a The Who gracias a la versión antes comentada. En definitiva, un imprescindible para desempolvar, altamente eficaz para mejorar el autocontrol, la concentración y la memoria.

     * Texto: Johnny JJ. Texto adaptado para el Exile del publicado en el siguiente enlace del Espacio Woody/Jagger

Vuelven Fleet Foxes? .. rumore, rumore...

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Christian Wargo, guitarrista de Fleet Foxes, que ha estado retirado estos cinco últimos años desde la aparición de "Helplessness Blues", afirmaba que junto a Robin Pecknold han estado hablando y madurando la idea de volver a grabar juntos como Fleet Foxes y así dar a luz un nuevo trabajo que sería el tercero. Hace unos meses Pecknold sacaba al mercado un disco de versiones llamado "Out of sight, out of mind" pero poco más sabíamos de los componentes de la banda a excepción de Josh Tillman, que abandonó la banda en 2012 para potenciar su carrera en solitario. El batería de Fleet Foxes ha triunfado con su carrera bajo el nombre de Father John Misty, así que además de preguntarnos si volverán o no a sacar nuevo disco, nos cuestionamos si será con Tillman o sin él.

091, crónica concierto Sala Oasis, Zaragoza, 2-4-2016

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091 (crónica concierto Sala Oasis, Zaragoza, 2-4-2016)  8
...a nadie debería extrañarle que por esta banda haya pasión y devoción...
Dicen las escrituras del Nuevo Testamento que al tercer día de ser crucificado y sepultado Jesucristo se produjo su Resurrección. Con los 091 ha tenido que transcurrir algo más de tiempo, concretamente 20 años. Los granadinos no fueron crucificados ni enterrados aunque sí que fueron infravalorados y ninguneados a nivel de popularidad por los medios durante sus trece años de existencia entre 1983 y 1996, motivo por el que, entre otros tal vez, dieron por concluido su enorme legado convirtiéndose en la banda de culto española más venerada por una legión de seguidores que insólitamente ha crecido con el transcurso de los años de forma uniformemente acelerada. 

091 (crónica concierto Sala Oasis, Zaragoza, 2-4-2016)  3En todo este tiempo, desde el 96 al 2016, merece la pena preguntarse los motivos de ese incremento de admiradores. Creo que la respuesta es clara y sencilla: por sus canciones. 091 es una de las bandas españolas que posee, si no la que más, la herencia de cantinelas que mejor envejece, la que más da pie a toparse con nuevos descubridores o exploradores musicales, tanto de nuevas generaciones como de precedentes que por motivos dispares nunca llegaron a enchufarse realmente con ellos. Otra cosa que también parece clara es que el día en que se produce esa especie de conexión y sintonía cósmica por parte del oyente de turno ya nunca abandona el encandilamiento y la fascinación por los Cero

Muestra de todo ello se vio en la Sala Oasis de Zaragoza durante la velada del 2 de abril del año en curso. Ninguna de las crónicas que elogiaban la fabulosa y potente puesta en escena de 091 en los anteriores conciertos realizados de esta “maniobra de resurrección” iba desencaminada.

091 (crónica concierto Sala Oasis, Zaragoza, 2-4-2016)  4
 Lo que se vio en la capital aragonesa pasará difícilmente al olvido por parte de los asistentes que llenaron el recinto y dudo en equivocarme si afirmo que la práctica totalidad salió de allí con un alto grado de satisfacción. Rock de esencia, personal e intransferible, una cuidadosa y detallista preparación en ensayos por parte de Jose Ignacio Lapido, José Antonio García, Tacho González, Victor Lapido y Jacinto Ríos, y, lo más importante, un espectacular ritual de intensa y emotiva interconexión con los concurrentes. Pocas veces el que suscribe ha visto en ese sentido algo similar y que ello sucediera con una banda española es motivo de orgullo. Bueno, siempre podrán llegar los típicos aguafiestas que dirán que los Cero han vuelto por el dinero (no creo que sea el único que haya oído algo similar) pero a los que allí estuvimos nunca podrán quitarnos lo bailao y lo disfrutao. Y que se lleven la pasta, coño, que se la merecen más que muchos bodrios que han hecho caja por muchos menos méritos. Le pese al que le pese será el tiempo quien continúe poniendo las cosas en su sitio, en este caso haciendo justicia y rubricando con su retorno provisional una de las páginas más deslumbrantes de las sagradas escrituras rocanroleras españolas. Tiempo al tiempo. 

091 (crónica concierto Sala Oasis, Zaragoza, 2-4-2016)  6Podríamos estar divagando sobre más cosas de los Cero pero vamos al grano con lo más importante, unas cuantas fotos de lo allí acontecido y, sobre todo, sus canciones. Eso sí, podrían haber sido otras 26 en su setlist y poco habría menguado el esplendor de su repertorio. 

Primer repóquer de ases. Lógicamente el inicio con Palo cortao, el instrumental del último concierto del 96 y allí van, los que nada tienen que ocultar (Zapatos de piel de caimán). Matando con pistola o con cuchillo (Debajo de las piedras), sabed que hay tesoros cubiertos de escoria (El lado oscuro de las cosas) y las canciones de cuna y de rabia (Tormentas imaginarias).

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Segundo repóquer. Un paso adelante y dos hacia atrás, seguimos andando pero sin avanzar (Nada es real), lo terrenal y lo sagrado (En el laberinto), demos a los cuerdos de sus propia medicina, una parte de locura y tres de confusión (Huellas), una música delicadamente escrita con sombras y olvido (Nubes con forma de pistola), e historias de amor y de odio, de androides y de soledades (Para impresionarte). 


Tercer repóquer. Un pasado indefinido y un futuro imperfecto (Este es nuestro tiempo), las rimas de antiguos romances (La noche que la luna salió tarde”), los insondables caminos del Señor (Otros como yo), los tragos más amargos (En la calle) y adiós al malfario besando los pies al Santo (Sigue estando Dios de nuestro lado). 

091 (crónica concierto Sala Oasis, Zaragoza, 2-4-2016)  9Cuarto repóquer. El amor nos mira de cerca (Un cielo de color vino), en la esquina de los locos (“Un camino equivocado), entre hierros retorcidos y oxidados (Cementerio de automóviles), en la carretera o en lo más alto de la torre de la vela y claro, todos sabemos que Minnie es la novia de Micky Mouse (Qué fue del siglo XX). 


Quinto repóquer. No hay cuento de hadas sin milagro (La canción del espantapájaros). Cuando se apaguen las letanías y el viento sople a nuestro favor (Esta noche), no hay ningún temor (Mi sombra y yo), que Dios nos coja confesados (La calle del viento) y de ceniza y de promesas se tiñó el amanecer (Como acaban los sueños).


Y como regalito final busca un hombro en el que llorar (La vida que mala es). A nadie debería extrañarle que por esta banda haya pasión y devoción. Grandeza, mucha grandeza. La leyenda continúa. Por siempre los Cero!!!

   * Texto: Johnny JJ. Crónica para el EXILE SH MAGAZINE y para el ESPACIO WOODY/JAGGER.


Todo sobre "2", el nuevo disco de Mudcrutch

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Ya comentamos hace un par de meses que Petty planeaba resucitar a Mudcrutch gracias a un nuevo disco. Una vez confirmado el lanzamiento de ese segundo disco que llevará por el original título "2" nos llegan más detalles del  mismo. Once temas: Trailer/ Dreams of Flying/ Beautiful Blue/ Beautiful World/ I Forgive It All/ The Other Side Of The Mountain/ Hope/ Welcome To Hell/ Save Your Water/ Victim of Circumstance/ Hungry No More; la banda completa: Tom Petty, Tom Leadon, Benmont Tench, Mike Campbell y Randall Marsh; los productores: Mike Campbell y Ryan Ulyate; la fecha exacta de salida: 20 de Mayo y como no, donde reservarlo: http://www.mudcrutchmusic.com/. De momento los primeros conciertos sólo tienen lugar en su país natal, ya sabemos todos lo que le cuesta cruzar el charco al rubito de Florida. Os dejamos con "Trailer", el tema encargado de abrir el disco.