Gener - El temps del Llop (2014)

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Si hace un lustro me hubiesen dicho que muchos de mis discos favoritos de estos últimos años serían de artistas o bandas nacionales seguramente hubiese muerto por un exceso de carcajadas. La verdad es que ni yo me lo creo, ando gratamente sorprendido con el nivelón de artistas que están llegando a mis oídos con nuevos y maravillosos trabajos: The Fakeband, All La Glory, Guadalupe Plata, Bantastic Fand, Salto, Dixie Town, La Gran Esperanza Blanca, Chencho Fernández, Santos, Oscar Avendaño y los Profesionales, Dudas Strummer, Senior i el Cor Brutal, y ahora el hermoso romanticismo de Gener. Discos nacionales todos muy diferentes y en diversas lenguas aunque tanto da si el producto consigue erizarnos la piel. Sin duda hay más, más bandas nacionales de calidad, más grupos de nuestra tierra esperándome a la vuelta de la esquina para sorprenderme, para dejarme con la boca abierta y el culo prieto, para directamente llevarme al huerto y darme un buen revolcón.

Mi encuentro con esta fantástica ópera prima "El temps del Llop" firmada por Carles Chiner bajo el nombre de Gener se la debo al espacio "No sé viure sense rock" y concretamente a su cabeza pensante Carles Roig quién tuvo el detalle y la gentileza de regalarme por sorpresa el disco en formato físico. Gracias amigo, te debo una. Y bueno, nada más llegar a mis manos le di la primera escucha y me gustó bastante pero lo dejé reposar cosa que sin duda comienza a ser una de mis manías, de mi modus operandi: unas primeras escuchas, un tiempo de descanso, luego una breve recuperación con otro pequeño periodo en espera y finalmente el momento de remangarme y darme placer.... en estos tiempos que corren, acelerados, sin pausas,.... eso de darse placer, con la música, no viene nada mal. El disco es sorprendente, ya desde su preciosa portada que rivaliza con la de Germán Salto por el premio a portada bonita del año, aunque creo que el disco de Gener data del 2014, pero eso a mí me da igual porque en mi cabeza será valorado como del 2015, no hay problema. La lengua elegida por Carles Chiner es el catalán/valenciano (tanto da como queráis llamarlo) y la verdad que esa lengua con esa preciosa música ligan a la perfección. Romanticismo de raíces americanas afincadas en pleno mediterráneo, delicadas melodías arropadas por una voz celestial, una voz de esas eclesiásticas próximas a Fleet Foxes, Grizzly Bear, Bon Iver... sí, creo que una mezcla de esas referencias como he leído por todos lados son bastante acertadas a las que yo añadiría clásicos como Jeff Buckley, Elliott Smith e incluso mi querido Paul Simon, sí, veo un algo del pequeño genio en las canciones de Chiner, veo esas guitarras y esos ritmos modernos tan bien ensamblados con el clasicismo que vimos por ejemplo en esa joya de Simon llamada "So beautiful or so what" del 2011... "El temps del Llop" se mueve por esos sonidos pero tiene personalidad propia y unas letras reivindicativas, sensibles y bellas que hablan del amor y la muerte, la lucha y la esperanza. Sus 11 magníficas canciones contienen una atmósfera especial, mágica, y texturas exquisitas, y una voz de esas que enamoran y llegan al alma. Le deseo lo mejor a este proyecto y por supuesto comenzamos a soñar con un segundo disco y cruzo los dedos por verle por Barcelona en directo.. mientras tanto disfruto con "El temps del llop" que se ha convertido ya en un moderno clásico nikochiano.


Atmósfera misteriosa para comenzar el disco, sonidos muy Krieger que en seguida se transforman en una maravilla pop con esencia al Paul Simon de "So beautiful and so what", cuando entra Chiner este extraterrestre que os habla alucina, qué voz más bonita!!! y esa estrofa descomunal: "Mare, jo no vull ser drap, jo vull treballar. Mitja vida l'he passada fent castells en l'aire..." Y sí, sí, cuidado, que ahora si viene "... vé el temps del llop!". Las guitarras de la canción tienen esa limpieza y esa dulce melodía que Tweedy suele darle a sus canciones....  y ya me tiene enamorado. Por ahora mi canción favorita del disco es "Valents", me parece absolutamente redonda, de principio a fin. Letra, melodía, voz... Un tema genial con americanismos bien adaptados a los sonidos mediterráneos, y es que no puedo sacarme de la cabeza los magníficos coros y esa frasecita: "Diuen els valents, que busques la sort i lluites a mort amb ungles i dents. Diuen els valents...". "Contrallum" es otra joya, una maravilla que bien podrían firmar los Fleet Foxes o Justin Vernon, y que nos prepara para otra de las canciones del disco, "Al voltant d'un riu sec" que desprende esa magia de las canciones de Garfunkel, misticismo al cuadrado, folk de etiqueta. Más americanismo, más countrificación con "D'un poble del sud" aunque tiene esa atmósfera doorsiana con la pandereta y la guitarra que acaba bailando amarrada al piano. Llegamos al ecuador del disco con la increíble "Riu avall (rèquiem)" que pone la piel de gallina. Entonces entramos en el rollo americano a lo grande, primero con "Cançò del desert" y luego con otra de mis favoritas, con "Sargantana balear" que en mi opinión es otro de los temas de este gran disco. El final se acerca con maravillosos coros en "El meu ofici és complaure el vent" y con una "Ciutat dormida" consigue despertarnos con esa percusión alocada... "L'univers per sostre" cierra el disco de manera espectacular, con melodías conocidas, un toque de electrónica al más puro estilo Bon Iver y un desarrollo progresivo espectacular. Gracias Carles Chiner, gracias por darnos canciones tan estupendas, mágicas y bellas.

Gener - "El temps del Llop" (2014)
9/10
01.- El temps del llop/ 02.- Valents/ 03.- Contrallum/ 04.- Al voltant d'un riu sec/ 05.- D'un poble del sud/ 06.- Riu avall/ 07 - Cançó del desert/ 08.- Sargantana balear/ 09.- El meu ofici és complaure al vent/ 10.- Ciutat dormida/  11.- L'únivers per sostre.




*post aparecido originalmente en NSVSRock, adaptado, remodelado y traducido para EXILE SH Magazine por Nikochan,.. vamos, el director's cut

Nathaniel Rateliff & The Night Sweats – Nathaniel Rateliff & The Night Sweats (2015)

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Sigo enfrascado en recuperar discos del año pasado que por lo visto, leído y escuchado son catalogados como imprescindibles del año. Ahora, una vez ya he quedado completamente embriagado del doble disco de Jim Lauderdale, le toca el turno a uno de esos discos que de haberme llegado antes a las manos ocuparía el top ten de preferidos del 2015. Puede o no que exagere un poco pero ando completamente sumergido en la música de Nathaniel Rateliff and the Night Sweats y no sé si es por su inmensa calidad o por su poderío pero hace un par de semanas que no me baja la trempera, ríanse ustedes de las pastillas vigorizantes azules. Después de la primera escucha y de lamerme las heridas autoinflingidas en sesiones nocturnas non-stop de flagelación por lo cenútrio que se siente uno al darse cuenta que casi se le escapa uno de esos discos tapados del año aunque algunos, me atrevo a decir, amigos, me hubiesen hablado muy bien del disco, y que gente de gusto tan respetable como Edu Chinaski o Fernando Navarro en su Ruta Americana de El País hablasen maravillas de este fantástico y excitante trabajo bañado en soulerías rocanrolecidas. 


Nathaniel tiene un toque cañí, un toque muy yanki. Barbaza, tatoos. pelambrera corporal, algunos kilitos de más y una voz que debe haber salido de los bosques de Missouri donde duermen los osos y de donde es oriundo, donde se crió y aprendió a rasgar las cuerdas, a componer, y a amar el folk, el rock y el soul. Cabe destacar que el disco que nos ocupa no es el primer trabajo de Nathaniel pero sí es el primero que ha tenido una relevancia considerable. Antes existió, en 2010, "In Memory of Loss" que para seros sincero he escuchado tan solo una vez sin llegar a atraparme y que se mueve más en el folk de pongamos "Bonnie Prince" que en el soul del disco del que hoy hablamos. Luego en 2013 y siguiendo la senda marcada en el disco comentado apareció "Falling faster than you can run"... ambos no son para nada malos discos, son más folkis y al parecer al asociarse con los Night Sweats la explosión provocada y el giro tomado ha sido descomunal y muy de agradecer.  Giro hacía el soul, hacía sonidos más calientes, más movidos. Abre por ejemplo el disco con esa maravilla cósmica que es "I need never get old" que ya nos da subidón de primeras y no nos deja, con esos vientos negroides, de mover el esqueleto, de cantar a pechopalomo, de ponerse el traje de Elvis, mover la cadera, agitar el brazo because I love you too much baby.. y es que ese rock & soul del Rey está aquí muy presente, igual que en el increíble tercer corte "Trying so hard not to know", entre medias, la maravillosa "Howling at nothing" con aroma cincuentero. Tripleta del copón bendito. Se nota que ha sido grabado en Stax, se nota ese toque, ese regusto, esa marca de la casa aunque en "I've been falling" suene a la competencia soul de antaño, con teclados deliciosos y una base rítmica portentosa para dejarnos en cueros delante de uno de los pelotazos del año, esa "S.O.B", menudo son of the bitch este Nathaniel!!! temón! y requetemón! nada más que decir. Con "Wasting my time" abre el abanico de colores, más a lo que hacía o debería hacer el bueno de Lamontagne y no hace, llamémosle clasicismo, llamémosle acercamiento a The Band. Y el disco sin bajar el nivel, ni la calidad sigue dándonos placer ya sea con la preciosa "Thank You" o con los vientos indomables de "Look it here". Finalizando encontramos ese clásico inmediato de supersonido de los setenta que es "Shake", el pianito juguetón de "I'd be waiting" y el final con "Mellow out" y esa guitarra que nos enamora desde el primer segundo. Como digo, una suerte haber podido disfrutar de este discazo aunque sea tarde, de escucharlo a diario y de disfrutar con él y con los grandes temas de Nathaniel que con valentía y buen tino ha sabido darle la vuelta a su carrera. 

Nathaniel Rateliff & The Night Sweats – Nathaniel Rateliff & The Night Sweats (2015)
9/10
01.- I Need Never Get Old/ 02.- Howling At Nothing/ 03.- Trying So Hard Not To Know/ 04.- I’ve Been Failing/ 05.- S.O.B./ 06.- Wasting Time/ 07.- Thank You/ 08.- Look It Here/ 09.- Shake/ 10.- I’d Be Waiting/ 11.- Mellow Out.






Debut de Winter Project, más buenas bandas gallegas

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Últimamente desde tierras gallegas se están facturando grandisimos discos de rock, por poner ejemplos claros de lo que digo podemos encontrar asombrosos trabajos de Dixie Town, The Soul Jacket, Oscar Avendaño....  Ahora y con la excusa de la salida, por fin, en formato físico de su debut, y de la presentación en directo y futura gira peninsular, queríamos hablaros de una nueva banda gallega, de "Winter Project" compuesta por Luis Saldaña (Guitarra), Jorge Guerra (Batería), Braulio Vidal (Bajo) y Jorge Lorenzo (Guitarra, y Voz), quienes desde Vigo mezclan el sonido de esas tierras con el rock, blues, jazz e incluso el country sin dar la espalda a sonidos más british. Toda una mezcla de sonidos y referencias para ofrecer un más que interesantísimo disco llamado "Winter Time" donde encontramos nueve canciones que recogen esos variados estilos que han ido usando en sus diferentes etapas. El disco lo forman las siguientes canciones: 01.- Sometimes/ 02.- Charlie/ 03.- Everything's the same (a night at the cabaret)/ 04.- Dark night/ 05.-Ashes from the past/ 06.- Texas Queen/ 07.- Sesame street blues/ 08.-If the summer comes/ 09.- Sitting on the edge of the bridge.

Para más información, compra o escucha del disco podéis visitar su bandcamp

Vuelve el culto al "Culto", vuelven The Cult

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La banda británica The Cult lanzará al mercada el próximo 5 de Febrero su décimo disco que llevará por título "Hidden City" y como cuentan ellos mismos cierra la trilogía que componen "Born into this" (2007)  y "Choice of weapon" (2013). "Hidden city" estará compuesto por una docena de temas: Dark Energy/ No Love Lost/ Dance The Night/ In Blood/ Birds Of Paradise/ Hinterland/ G O A T/ Deeply Ordered Chaos/ Avalanche Of Light/ Lilies/ Heathens/ Sound and Fury. Os dejamos con el primer adelanto: Dark energy.

Tindersticks - The Waiting Room (2016)

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El grupo de Nottingham acaba de editar su décimo disco de material original titulado "The Waiting Room" y hay que celebrarlo. Son pocos los artistas y grupos en la actualidad que son capaces de crear su propio universo sonoro, que aunque remitiendo en cierto grado a sus referencias, siempre lo consiguen desde una punto de vista personal y único. A estas alturas los Tindersticks no deberían necesitar mayor presentación, pero por si acaso no me quedaré sin recomendar sus dos primeros discos, tanto como "Curtains", disco obra maestra, hasta su dos últimos discos me parecen notables, son buenas elecciones, otra buena introducción a su universo particular podría ser su "Live In London" que reseñé en su día. (http://goo.gl/09QEtK).

La música de los Tindersticks no es apto para todo los públicos y se entiende que en consecuencia tampoco sea muy conocida su obra, ni te producirán un impacto en la primera escucha, ni te alegrará la vida en un sentido luminoso, pero tampoco les veo una pretendida grandilocuencia, ni llevan implícito ningún tipo de elitismo. Podríamos describirlos como la reinvención del legado de Lee Hazlewood y Scott Walker pero no de una manera ortodoxa a la Richard Hawley. Sus canciones son susceptibles de ser enmarcadas en el arte de la emoción profunda y el ritmo contemplativo, con arreglos cuidados pero sin virguerías innecesarias, aunque necesitan de sucesivas escuchas para que el interlocutor pasivo aprecie su valor real, se escapan por tanto a la norma en un tono reflexivo, aspecto que a la larga hace que este tipo de discos sean los que más calan. 

"The Waiting Room" no iba a ser menos, pues tiene todos los ingredientes que esperaba de esta gran banda. El disco no busca un impacto inmediato, queda claro desde la primera instrumental Follow Me, exquisitez sonora que juega el papel de créditos iniciales de lo que está por venir. Sigue Second Chance Man, apenas unos acordes de órgano y el ritmo del charles son suficientes para quedar inmerso en su mundo onírico, canción tejida de manera magistral y que va creciendo y añadiendo arreglos, el bajo, los vientos primordiales en todo el disco, y la imponente voz de Staples que nos lleva hacia el clímax, para luego volver a empezar. We Were Once Lovers tiene en primer plano la pulsión del bajo eléctrico ejerciendo de guía y que como Help Yourself me retrotraen en intención a alguna de las obras soul conceptuales de los primeros 70, salvando las distancias claro, pero con el mismo groove envolvente. La fantástica Hey Lucinda ya pululaba por la red, favorita del lote de momento, canción que ya tiene unos años y que recupera Staples, un dueto exquisito junto a Lhasa De Sela, amiga del alma que murió hace unos años, una cantautora que debería ocupar su lugar privilegiado en el Olimpo de las reivindicacones artísticas como merece, aquí ambos propician uno de los momentos más bonitos y emocionantes de lo que llevamos de año, una canción de cuna para adultos que te mecerá y te llevará de la mano a ciertos lugares guardados muy dentro.

Para cuando llegues a This Fear of Emptiness estaréis sumidos en el más dulce sopor, excelente instrumental que no hace decaer la atención, al contrario, nos deja espacio para saborear y degustar las exquisiteces que nuestros oídos acaban de escuchar, el valor de la palabra se advierte primordial y como en su anterior disco (canción Chocolate en The Something Rain) tiene  su peso, aquí en el recitado de How He Entered  que pone de relieve tal consideración, y como la que da título al disco The Waiting Room, a voz y órgano, me viene a la memoria el Terry Callier que viste el amor de misticismo etéreo de esencia soul, pasan suaves y ligeras, acarician. De nuevo otro instrumental Planting Holes, interludio de intención cinemática que da paso al tramo final donde tenemos la fastuosa We Are Dreamers!, primer single, acompañado por Jehnny Beth del grupo Savages (que por cierto también tienen disco nuevo) y que me hacen imaginar un dúo entre Pj Harvey y Nick Cave, ambiente tenso y guitarras de esencia noise que recuerdan, además, algunas de sus primeras canciones. Este cuadro de intención impresionista cierra dulcemente con la hermana (pequeña) de Hey Lucinda, pues Like Only Lovers Can es otra maravilla, quien no puede imaginarse a un Burt Bacharach actualizado sondeando las maravillas de las relaciones de pareja?, la música te acaricia y Staples se erige como crooner de los secretos y laberintos, a veces dolorosos, otros dulces, del amor.

Como complemento audiovisual cada canción viene acompañada de su respectivo cortometraje cada uno con un director diferente, y por el resultado visto hasta ahora, consiguen conferir de gran plasticidad visual a esta obra musical de gran calado lírico. Arreglos detallistas, harmoniums, glockenpiel, cuerdas, por supuesto mención especial a la inestimable aportación del saxofonista Julian Siegel ya presente en anteriores trabajos, quizás aquí con una presencia más vistosa, arreglos de vientos que son una de las grandes bazas del sonido de este disco.

Los Tindersticks continúan siendo una de las agrupaciones más personales y emocionantes para la escucha atenta, que sin plantear grandes cambios con respecto a sus pasos anteriores, arreglos de vientos comentados y unas programaciones menos evidentes y más orgánicas, consiguen un disco irregular (no por la calidad más porque transcurre entre momentos más vistosos que otros) que a la postre desvelan la gran belleza cuando se contempla en su conjunto. Pop de cámara, chanson independiente, smooth-jazz contemplativo, llamadlo como queráis, The Waiting Room no creo que necesite todo un año de perspectiva y comparativa porque sé que además de un artefacto único en su concepción será uno de los discos fijos en mis futuras escuchas, desde ya una debilidad sonora. Muy recomendable.

 Tindersticks - The Waiting Room (2016) 9/10

01. Follow Me/ 02. Second Chance Man/ 03. Were We Once Lovers? / 04. Help Youself / 05. Hey Lucinda / 06. This Fear of Emptiness / 07. How He Entered / 08. The Waiting Room / 09. Planting Holes / 10. We Are Dreamers! / 11. Like Only Lovers Can



Escrito en valenciano para NO SÉ VIURE SENSE ROCK

Conciertos de los Tindersticks per a 2016:
L’Auditori de Barcelona (Festival Guitar) el 14 de abril
Anfiteatro Miramón de San Sebastián (Music Box Festibala) el 16 de abril

Crónica concierto de Guadalupe Plata (Sala Wah Wah, 22-1-16)

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...un sonido que parece morar en las catacumbas de la vieja Roma cual si se hubiese organizado un salón de baile entre las excavaciones del subsuelo...

Habían ganas, demasiadas. Por fin pudimos verificar lo que por una serie de motivos que no vienen al caso habían impedido ver en directo a la fenomenal banda de Úbeda en las más inmediatas oportunidades anteriores. Y ahora sí, totalmente comprobadas y confirmadas las numerosas recomendaciones de gente de confianza que hablaban de un excelente estado de forma actual a partir de una sorprendente puesta en escena y de ese peculiar acercamiento a las aguas residuales y a los bajos fondos del blues más crudo y abrupto, consiguiendo contagiar al personal asistente en un muy escabroso cruce de caminos. 

El elenco de coplas con el que nos deleitaron en la velada del 22 de enero en la sala Wah Wah de Valencia sirvió para constatar lo uniforme de su propuesta, una línea que, sin embargo, contiene cierta evolución en estudio desde su debut con el EP del 2008 hasta el fenomenal último artefacto del 2015 dedicado al bluesman T.Model Ford. Temas comoBaby me vuelves loco”, “Esclavo”, "Milana", “Tormenta”, “Huele a rata”, “Calle 24”, “Hoy como perro”, “Serpientes negras”, o Mecha cortafueron algunos de los excitantes ejemplos que por allí desfilaron para disfrute de un público entregado y, por qué no también, para el espíritu de las alimañas más perversas cada vez que Pedro de Dios con la guitarra, Paco Luis Martos con su bajo o barreño y Carlos Jimena a la percusión arremetían con fuerza en sus respectivos instrumentos como si estuviesen poseídos por Belcebú. 


La imaginería andaluza y un sonido que parece morar en las catacumbas de la vieja Roma cual si se hubiese organizado un salón de baile entre las excavaciones del subsuelo confieren a la banda ubetense de un estilo propio, original e innovador, algo tan difícil en nuestros días y además bastante admirable su propuesta si tenemos en cuenta la dificultad de conseguir algo así a partir de sus manifiestas y evidentes influencias. Ese es el gran mérito, sus letras acaban siendo lo de menos desde una perspectiva de mayor o menor elaboración. Lo valioso y notorio de Guadalupe Plata es el conjunto y un resultado marca de la casa. 

No me extraña en absoluto por todo lo anteriormente mencionado que día a día ganen más adeptos. Como tampoco que sorprendan a propios y extraños, que sean la envidia o el foco de controversias entre compañeros de profesión, entre los aficionados al rock tanto de culto como del sector independiente o, hasta incluso, entre los más puristas del género musical que principalmente ejercen. En mi subjetiva opinión, sin ánimo de ser compartida, creo que por ahora debería haber quórum mayoritario y Guadalupe Plata ser el orgullo del mejor y más exportable representante actual del rock español. Y mañana ya veremos, Dios dirá o los juzgará.

   * Texto: Johnny JJ. Crónica para el EXILE SH MAGAZINE y para el ESPACIO WOODY/JAGGER.

Presentaciones de las canciones populistas de Nacho Vegas

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Cinco fechas y cinco lugares para poder ver en directo al asturiano Nacho Vegas presentando su reciente Ep con sus nuevas "canciones populistas".

Barcelona - Palau de la Música Catalana - Entradas Atrápalo aquí

Valencia - RamClub Espai Rambleta - Entradas Eventos Rambleta aquí

Madrid - La Riviera - Sábado 23 de enero - Entradas Ticketea aquí

La Coruña - Centro Agora - Viernes 12 de febrero - Entradas Ticketea aquí

Santiago de Compostela - Sala Capitol - Sábado 13 de febrero - Entradas Ticketea aquí

     * A continuación el nuevo videoclip de la "Canción para la PAH", incluida en las "Canciones populistas" y basada en un poema de Gloria Fuertes dentro de ese apoyo a la Plataforma de Afectados por la Hipoteca. 

Stealers Wheel - Stealers Wheel (1973)

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La vida es caprichosa y está repleta de puñetas. Desde 1973 podíamos disponer de un verdadero tesoro musical de dos de los grandes talentos compositores de la década de los setenta pero desgraciadamente exceptuando un pequeño grupo de oyentes y supongo yo debido a la competencia existente el disco no fue recordado como se merecía, quedando como muchos otros discos catalogado como joya oculta. Digo que la vida es caprichosa y el mundo de la industria musical más debido a que casi veinte años después un joven cineasta que se convertiría en amo absoluto de los noventa, coronado como Rey del corta-pega, filmaba su ópera prima y en mi opinión su mejor trabajo. En aquel film podíamos ver una escena mítica donde un locuelo gangster cortaba la oreja a un policía mientras bailaba jocosamente una maravillosa canción, representativa del supersonido de los setenta. El cineasta era Quentin Tarantino, el film Reservoir Dogs, el gangster Michael Madsen aka Mr Blonde y el temazo "Stuck in the Middle" del primer disco de la banda de Gerry Rafferty, Stealers Wheel. A partir de entonces, como un capricho del destino, la canción se convierte en mítica, es reconocida por todo el mundo, aunque como siempre la gente no profundiza en el disco y se queda en ese tema. Hoy, en el Exilio, hablaremos de un disco maravilloso, uno de mis favoritos, al que acostumbro a recurrir a menudo. Para mi, una pequeña obra maestra en la sombra, una joya oculta, un tesoro escondido. Viva el supersonido de los setenta!!! 


Antes de abordar el disco como es debido me gustaría hablar un poquito del co-líder de la banda, Gerry Rafferty. Un geniecillo siempre oculto al que siempre se le hace de menos pero que sin duda tiene canciones que son lo más. Antes de Stealers Wheel, Rafferty, ya había formado parte de una banda llamada Humblebums sin éxito alguno y editado un disco en solitario, "Can I have my money back? (1971), que debido a la calidad descomunal de la época no llegó a tener a penas repercusión. Entonces en 1972 se lía la manta a la cabeza y convence a Joe Egan para formar una banda con cara y ojos, y se acompañan en al menos el primer disco por Paul Pilnick , Tony Williams, Rod Coombes. Así nacen Stealers Wheel. Esta formación exceptuando a Rafferty y Egan fue variando pero el núcleo duro es el que encontramos en este disco, siendo los dos primeros muy recomendables. Rafferty se marchó, y comenzó una carrera en solitario no demasiado triunfal pero en la que podemos encontrar verdaderas joyas como esa mítica canción llamada "Baker Street". Sin duda por lo que será recordado el bueno de Rafferty y compañía es por su álbum homónimo de 1973, esa joya de los setenta que desde su descomunal portada nos invita a disfrutar.


Los "Stealers" no son solamente Rafferty, la responsabilidad de liderar la banda la comparte con Egan quién junto a Gerry forman un dúo descomunal, podríamos decir que el grupo es un dúo y el resto de componentes entran y salen en función de lo que demandan los jefes, y de tener que elegir a un favorito de los dos, personalmente me quedo con Egan. La composición e interpretación de los temas suele ser conjunta aunque Egan se muestra algo menos solidario y la mitad de canciones las firma de forma individual como el temazo que abre el disco, "Late again", donde aparece ese folk beatleliano descendiente directo del Rubber Soul, donde las voces empastan muy mucho como aquellas y a las que añaden unos vientos preciosos y delicados. El segundo tema queda reservado para el temón universal, "Stuck in the middle" es una POM en sí misma, con ese toque entre Dylan y Randy Newman de juerga loca. Poco o nada más que decir de este tema que no se haya dicho, únicamente que siempre que escucho la canción me saca una sonrisilla y me hace feliz: Clowns to the left of me, Jokers to the right, here I am, Stuck in the middle with you!!!!. Seguimos con el deje o aroma al Rubber Soul de los Beatles en "Another meaning", y nada que objetar porque aquello era una maravilla sideral. "I get by" ya es otra cosa, tiene más chicha, más guitarras, más nervio, más rocanrol. Con esa percusión tan setenta, esa estructura tan "Bad Company", una de mis favoritas del disco, una delicia. "Outside looking in"en cambio podría ser la que me sobra o menos me gusta, tiene esa psicodélia de bajón tripero que no me apasiona aunque el tema no es malo ni de lejos, lo que pasa es que queda en medio de todo lo bueno porque la tripleta que viene después es fantástica: "Johnny's song", "Next to me" y "José". La primera de ellas es un rock tranquilo muy de los setenta, la segunda es una maravilla sonora, un tema folkie precioso emulando a cualquier singer-songwritter de postín, ya sea Nilsson o Donovan; y por último, para cerrar la tripleta nos encontramos con "José", que es un despiporre total, un goce, otra de mis favoritas. Antes de finalizar el disco suena "Gets so lonely", bonica del to, que parece ser de donde sacan la inspiración catautores modernos como Josh Rouse. Y acabamos con "You put something better inside me", otra vez muy Beatle, otra vez maravillosa, incluida esa guitarrita que llora o lo intenta como la de George. El primer disco de "Stealers Wheel" es para mi una joya oculta, un tesoro a descubrir que puede quedar tapado por el mega single que contiene pero que es mucho más que eso, es mucho más que un simple disco, pues es representativo del sonido de aquella década sin estar casi nunca en boca de nadie. Rafferty y Egan lograron algo maravilloso que puede que nunca consiguieran repetir ni igualar pero que debe ser disfrutado como lo que es, una pequeña obra maestra en la sombra.

Stealers Wheel - "Stealers Wheel" (1973)
9,2/10
01.- Late Again/ 02.- Stuck in the Middle/ 03.- Another Meaning/ 04.- I Get By/ 05.- Outside Looking In/ 06.- Johnny's Song/ 07.- Next to Me/ 08.- José/ 09.- Gets So Lonely/ 10.- You Put Something Better Inside Me.






Por Nikochan

Cass McCombs y Neal Casal juntos en The Skiffle Players

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Podríamos denominarlo supergrupo o no, podríamos decir que un buen puñado de grandes músicos se reúnen entorno a un proyecto y acaban formado una nueva banda, The Skiffle Players. Esta nueva banda está formada por Cass McCombs como cabeza visible y principal, el escudero de lujo y músico de quilates Neal Casal, Dan Horne y dos componentes de Beachwood Sparks: Dave Scher y Aaron Sperske, con lo que la calidad, a priori, está asegurada. El disco en el que están trabajando verá la luz el 12 de febrero y llevará por título: "Skifflin". Os dejamos con el listado de canciones, su primer adelanto "County Line", y recordaros que para pedir el disco como siempre tendréis que pasar por su bandcamp.

01 Coo Coo Bird/ 02 A Star for You/ 03 Til Stone Day Comes/ 04 Michael Weikel/ 05 Railroadin’ Some/ 06 Skiffle Strut/ 07 Always/ 08 When the Title Was Wrote/ 09 Omie Wise/ 10 Skiffle Paperclip When Science Evolve

Shangri-la: ecos musicales de un mito caído.

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Cuando era pequeño leí en una revista que una de las influencias de los Ramones era un grupo de chicas neoyorquinas de los sesenta llamado The Shangri-Las. Entonces pensé: qué nombre tan sonoro, me gusta. Pero, en ese momento, no existía la inmediatez de la red y cualquier curiosidad se quedaba guardada en algún lugar de la memoria a la espera de encontrar alguna referencia futura en la radio (escuchar la música), o en la prensa escrita (informarse sobre el artista en cuestión).

Sin embargo, el azar hizo que, gracias a un recopilatorio de grupos de los sesenta que me compré poco tiempo después, pudiera escuchar una de las canciones más famosas de las Shangri-las: Remember (Walking in the Sand). Una vez escuchada la música, encontré la pista que me llevaría al origen del nombre en una película de Frank Capra: Horizontes perdidos (Lost Horizon, 1937). El guión estaba basado en una novela del mismo nombre publicada en 1933 y escrita por el inglés James Hilton, quien se inventó un lugar recóndito del Himalaya, donde las personas eran casi inmortales y vivían en plena armonía. El topónimo de este paraíso terrenal era Shangri-La.


La obra de James Hilton ganó popularidad poco a poco, y durante la década de los cuarenta el concepto de Shangri-La se convirtió en todo un icono popular. Incluso, el presidente de Estados Unidos, Franklin D. Roosvelt, le puso este nombre a la residencia presidencial que actualmente se llama Camp David. El año 1946, en la era de las big bands, los músicos Matty Malneck y Robert Maxwell y el letrista Carl Sigman, escribieron una canción titulada Shangri-La; letra que se hacía eco del mito y representa una celebración del amor más cándido.


Era el fin de la Segunda Gerra Mundial y, desde 1945 a 1964, los Estados Unidos vivieron una época de crecimiento económico que se traduciría en el nacimiento de la sociedad de consumo en la década de los cincuenta y la difusión del "american way of life" a través del fenómeno de la publicidad (que tan bien retratado queda en la serie Mad Men). Al final de este periodo, en 1964, Aretha Franklin registró una versión de la canción Shangri-La, anteriormente citada, para su último disco con Columbia (que no se publicaría hasta 1969), antes de fichar por Atlantic y grabar sus álbumes más conocidos, más enérgicos y directos, más puramente soul (sin que ello signifique, ni mucho menos, desvalorizar sus primeras grabaciones en que el gospel, el pop, el jazz, el R&B y el soul se mezclaban de forma exquisita).


Ahora bien, la aparente felicidad y armonía de los felices años cincuenta erigían sobre el mito del consumismo que resultó ser tan ficticio como la utopía descrita por James Hilton en Lost Horizon. Y como no podía ser de otra forma, el humor inglés de los Kinks recuperó y reinterpretó el concepto de Shangri-La para una de las canciones de su magnífico álbum conceptual Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire), publicado en 1969. La ironía y la acidez de los Kinks nos ha legado una letra genial, vigente y clarividente, que deja en evidencia el modelo de sociedad, más que cuestionable, que nos han vendido desde la eclosión consumista de los años cincuenta, y que ha perdurado hasta nuestros días. Así, la canción escrita por Ray Davies hace más de cuarenta años, retrata una realidad que de tan próxima, en el tiempo y en el espacio, duele: evoca Shangri-La como un paraíso de la clase media que se ha convertido en una auténtica prisión.


El Gobierno chino, siempre tan eficiente, en 2002 denominó como Shangri-La la ciudad de Zhongdian (ubicada en la provincia de Yunnan, cerca de la frontera con el Tíbet), el objetivo no era otro que atraer el turismo aprovechando la fama del paraíso utópico donde localizaba la acción de su novela James Hilton. En principio, parece una acción inocua, pero la experiencia no deja la mente impasible. De hecho, el capitalismo es insaciable y fagocita todo lo que está a su alcance si puede obtener algún tipo de beneficio, sin importarle nada la forma y las consecuencias.

En una entrevista publicada en el País Semanal, la ensayista y profesora de filosofía Marina Garcés afirma: "Para mí, la industria turística funciona hoy como cualquier industria extractivista: es decir, que convierte todo lo que toca en un recurso que explotar de manera intensiva y destructora. Crea una riqueza empobrecedora. Me alarma ver Cómo Barcelona está tan explotada como una mina o como un campo de soja". Y es que Barcelona es un ejemplo paradigmático. Recientemente, las voces más retrogradas, oportunistas e interesadas del panorama económico, político y periodístico del Estado, se han puesto las manos a la cabeza porque el Ayuntamiento ha comenzado a hacer algo tan razonable como diseñar un modelo turístico más responsable y sostenible para la ciudad.

Después de todo, cuesta creer que aún pueda existir gente sin una conciencia mínima de la realidad; pero hay que esperar a que cada vez más personas tengan criterio para darse cuenta de que el consumo desmesurado indigesta; que más que desear un paraíso inventado, lo que hay que hacer es construir una sociedad cohesionada donde poder desarrollarse individual y sustancialmente; y en fin, que la cultura sin educación no deja de ser un producto de consumo más.

Per Àlvar Andreu.
Escrito originalmente en NO SÉ VIURE SENSE ROCK

Próximos directos de Guadalupe Plata

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Se aproximan nuevos conciertos del fenomenal grupo jienense GUADALUPE PLATA. Vamos con las fechas y los lugares para poder verlos. 

Viernes 22 de Enero - WAH WAH - Valencia

Sábado 23 de Enero - WAH WAH - Valencia

Jueves 11 de Febrero - FOUR SEASONS - Castellón

Viernes 12 de Febrero - MICROSONIDOS - Murcia

Sábado 13 de Febrero - EGO LIVE - Alcalá de Heneras

Viernes 19 de Febrero - ZERO - Tarragona

Sábado 20 de Febrero - CARA-B FESTIVAL - Barcelona

Jueves 25 de Febrero - AUDITORIO MUNICIPAL - Aranda del Duero (Burgos)

Viernes 26 de Febrero - SALA NIESSEN - Rentería (Guipuzcoa)

Jueves 7 de Abril - IGUANA - Vigo

Viernes 8 de Abril - SUPER 8 - Ferrol

Sábado 9 de Abril  - SIR LAURENS - Oviedo

Viernes 22 de Abril - PLANTA BAJA - Granada

Sábado 23 de Abril - PLANTA BAJA - Granada


Elvis Costello: Mystery Dance (2014)

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El visionado de este extraordinario rockumental debería ser obligatorio para cualquier ser humano que presuma de amar la música. Declan Patrick MacManus nacido un 24 de Agosto de 1954 nos hace participes de su historia, historia contada en primera persona desde sus primeros recuerdos musicales gracias a su padre, cantante de una banda, pasando por el recuerdo de su abuelo o de su Liverpool natal. Este grandísimo artista de una generación posterior a los más grandes nos explica como llegó a realizar su primer disco, como se inventó a Elvis Costello, como aborreció la rutina de hacer esos discos con los Attractions con los que dominaba listas y portadas de moda, y como le dio un giro a su carrera cosa que a partir de entonces ya no ha parado de realizar, convirtiéndose en un artista inquieto para nada aposentado ni mucho menos con el piloto automático. Reconozco con algo de vergüenza haber descubierto de manera tardía a este monstruo, gracia mi archienemigo Don Guzz, y nunca podré agradecérselo lo suficiente. De hecho, este documental llegó a mis manos gracias a él. Me encanta como el director Mark Kidel conduce la historia mediante la narración del propio Costello, como nos lleva de viaje por el pasado y presente, como enseña las colaboraciones y opiniones de artistas a los que venero como McCartney, Nick Lowe, Allen Toussaint, Ron Sexsmith, Jim Lauderdale, etc, etc... Anécdotas suculentas, divertidas... 60 minutos de historia del rock, de repaso a una de las figuras más importantes de nuestro tiempo, otro que el día que falte nos dejará en cueros. Su carrera es escandalosa, sus primeros años de nueva-olera y post-punk, asentado en las listas. Su Trust, su King of America, su disco country "Almost blue" (maravilloso), sus colaboraciones con Macca que se vieron plasmadas en su "Spike" y "Mighty like a rose", o en el "Flowers in the Dirt" del ex-beatle Paul, y que pagaría gustosamente por tener compiladas en un solo disco ya sean demos o no. Su colaboración con Bacharach o Toussaint o su acercamiento brutal a la Americana con los Sugarcanes de T-Bone Burnett, Lauderdale, y Emmylou Harris que hoy me parece indispensable. Nada más, como digo de obligado visionado. Pura historia, puro divertimento. Costello es un grande y así tenemos que reconocerlo. 

Elvis Costello: Mystery Dance (2014)
8,5/10
Director: Mark Kidel
60 min
2014





15 años después.. Violent Femmes vuelven!!!

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No todo son malas noticias, a veces (pocas) nos podemos alegrar con noticias como la vuelta de Violent Femmes nada más y nada menos que 15 años después de su último trabajo aquel lejano "Freak Magnet". Nos llegará a principios de Marzo, se habla del día 4, su título? "We can do anything" con el siguiente listado de canciones y uno de sus singles: 

Memory/ I Could Be Anything/ Issues/ Holy Ghost/ What You Really Mean/ Foothills/ Travelling/ Solves Everything/ Big Car/ Untrue Love/ I’m Not Done

Changes, tercer disco de Charles Bradley

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El tercer disco de Charles Bradley ya está en el horno y queda poco tiempo para que podamos degustarlo. Concretamente a partir del 1 de Abril podremos disfrutar de "Changes" otra vez de la mano de Daptone Records, que promete ser otro gran disco como ya lo fueron "No time for dreaming" (2011) y "Victim of love" (2013). El pre-order ya lo podéis hacer pinchando aquí, os dejamos con el listado de canciones y un pequeño avance. 

1.God Bless America/ 2.Good To Be Back Home/ 3.Nobody But You/ 4.Ain't Gonna Give It Up/ 5.Changes/ 6.Ain't It A Sin/ 7.Things We Do For Love/ 8.Crazy For Your Love/ 9.You Think I Don't Know (But I Know)/ 10.Change For The World/ 11.Slow Love.

David Bowie - Station to Station (1976)

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No es descabellado decir que "Station To Station" es el eslabón perdido entre el soul elegante y el sudoroso funky de "Young Americans" y el introvertido viaje plástico y metafísico de "Low" y el resto del periplo Berlinés. (Addison de Witt, en Station to Station para Rock &More)

Una vez muerto y enterrado Ziggy Stardust, y después de un periodo de titubeos en el que sin duda Bowie estaba plantando la semilla de un nuevo sonido, periodo que abarcaría desde aquel mítico pero irrelevante "Pin Ups" hasta mi amado "Young Americans", llega en 1973 el disco que hoy queremos rescatar en el Exilo, un disco fenomenal que curiosamente nunca ocupa los primeros puestos entre los seguidores de Bowie pero que siempre en conversaciones acaba aflorando como lo que es, un gran disco, porque "Station to Station" es más que el nacimiento de "El Gran Duque Blanco", otro alter ego descomunal del Camaleón, otra piel más, otra reinvención. Es mucho más que todo eso, y es diferente, y no sé si mejor pero sí de una calidad pasmosa. Fue su décimo disco de estudio y en las pocas canciones que lo componen podemos observar como va del soul y el funk saboreado en "Young Americans" a sonidos más "berlineses", con algún que otro sintetizador de más pues Bowie siempre ha estado en la vanguardia sonora y camino del krautock con el que seguramente se obsesionó y dio lugar a la ya tripleta bautizada como "época berlinesa". Después de la mega gira acabó Exiliado voluntariamente en Suiza, luego a Berlín donde vivió una temporada con la Iguana Iggy, relación que dio lugar a los dos mejores discos, los dos primeros de Iggy, como no junto a Bowie, hablo de "The Idiot" y "Lust for life", y además gracias a la Iguana acabó conociendo y trabajando con Brian Eno, un auténtico genio en la producción, pero esa ya es otra historia, historia que acabó en forma de "Low" y "Heroes", dos POMS absolutas. Como digo esa es otra historia y no la que hoy nos ocupa pues quería hablar de "Station to Station", el disco bisagra entre Ziggy y Berlín. Una genialidad que estando en medio de todo quedó algo eclipsada, en la sombra. Para nada menor. Vamos pues con este discón de Bowie.


La idea de "The thin white Duke" venía de su aparición en el film "El hombre que vino de las estrellas", film de culto de ciencia-ficción británica dirigido por Nicolas Roeg. Para el disco no contó con Visconti que había vuelto a su entorno pero sí que siguió contando con los músicos Carlos Alomar, George Murray y Dennis Davi quienes ya había colaborado con Bowie en "Young Americans" y en cuanto a la producción, a pesar de que oficialmente consta Harry Maslin es sabido y conocido que Bowie fue el productor de casi todo lo escuchado creando una rutina de trabajo junto a los músicos nombrados que llegó si no me falla la memoria hasta el mítico "Scary Monsters". En cuanto a las canciones, estamos ante algo muy grande. Aunque pocas, solamente seis, estamos ante uno de los grandes trabajos del Camaleón. Hasta la llegada de "Black Star", "Station to Station", la canción, tenía el récord de duración de una canción de Bowie. Y hablamos de un temón increíble, misterioso e hipnótico. Con una melodía inicial rockera adornada con sintetizadores y una voz y un ritmo que apuntaba directamente a "las cabezas parlantes" de Byrne sobretodo de la mitad hacia adelante pues hablamos de una canción río que tenía esa especie de rock progresivo en su ADN. Una canción difícil de catalogar en la que una vez te has metido no te abandonará jamás. "Golden Years" es un tesoro, una joya mágica. Un funky souleado que en la voz de Bowie tomas tintes épicos y bellos, con ese ritmo sexi y endiablado.... "Golden years, gold whop whop whop.. Golden years, gold whop whop whop.. . Run for the shadows, run for the shadows, run for the shadows... ". "Word on a wing" es la tercera canción y la encargada de cerrar la cara A, con un piano precioso y la voz de Bowie haciéndonos tocar el cielo. Precioso tema que invito a cualquier ser humano a redescubrir, otra vez cuando entona el estribillo recuerda a las bellas baladas de David Byrne. Para abrir la cara B Bowie se guardaba un as en la manga, "TVC15" es otro hit imbatible del Camaleón, otra de mis favoritas, puro Bowie, pura carne de frecuencia modulada... "Transmission, Transition,Transmission.. Oh my T V C one five, Oh OH, TVC 1-5 !!!. Percusión africanada y riffs de guitarra punzantes y funkis fruto de ir hasta las cejas de coca en su grabación como cuenta la leyenda para abrir "Stay" que curiosamente marcaría un estilo que muchas bandas explotarían durante los siguientes años. Y para cerrar una de esas canciones que nos dejan el corazón como un guiñapo, un increíble tema al alcance de muy pocos. "Wild is the wind" es otra POM de Bowie. El único delos seis temas que no están escritos por Bowie y que se inspira en esa dama de la canción que es Nina Simone. Nada más que decir, no hay canción para cerrar un disco: Like the leaf clings to the tree. Oh, my darling, cling to me. For we're like creatures in the wind, and wild is the wind... Wild is the wind.... .

David Bowie - "Station to Station" (1976)
9,8/10
01.- Station to Station/ 02.- Golden Years/ 03.- Word on a Wing/ 04.- TVC15/ 05.- Stay/ 06.- Wild is the Wind






Gana 500 dolares diseñando la portada del próximo álbum de The Posies

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Manos a la obra. Los Posies están preparándose para lanzar el octavo álbum de su discografía y han realizado una propuesta entre sus fans (o entre los que no son tanto). Se trata de diseñar la portada de su nuevo disco y el premiado recibirá 500 dolares y un pack especial del grupo. 

El disco llevará por título "Solid states", todavía no hay fecha concreta pero se sabe que verá la luz en la primavera. 

Ken Stringfellow y Jon Auer recomponen la banda tras el fallecimiento durante el pasado año del batería Darius Minwalla y sugieren que el tema de la portada sea un dibujo abstracto que gire en torno a que nada es sólido, que todo es fluido, que todas las cosas cambian, y a la ansiedad que ello pueda producir.

El dibujo tiene que ser en lápiz, pluma y tinta, preciso, científico, hecho a mano. También por ordenador pero con cierto aspecto de creatividad humana. No se admitirán fotografías ni ninguna imagen "retro". Tampoco imágenes prediseñadas ni trabajos con derechos de autor.

Deberá llevar como texto el nombre del grupo "The Posies" y el título del disco "Solid states". El diseñador ganador debe ser capaz de presentar un archivo con capas (.psd, .eps, .ai) y tendrá que colaborar con The Posies para hacer pequeños retoques al diseño final, si fuera necesario.

Suena hoy en el Exilio uno de los clásicos de The Posies, "Solar sister".

Dust, avance de Lucinda Williams

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Menos de un mes para la llegada del nuevo disco de Lucinda Williams "The Ghost of Highway 20", será como ya avanzamos en Exile el 5 de Febrero cuando lo tendremos en las manos pero desde hace poco podemos reservar el disco, y conocemos su listado que os dejamos a continuación más uno de los primeros avances. Concretamente "Dust" que suena a gloria bendita.

01.- Dust/ 02.- House of Earth/ 03.- I know all about it/ 04.- Place in my heart/ 05.- Death came/ 06.- Doors of heaven/ 07.- Lousiana story/ 08.- The ghost of highway 20/ 09.- Bitter memory/ 10.- Factory/ 11.- Can't close the door of love/ 12.- If my love could kill/ 13.- If there's a heaven/ 14.- Faith and grace.



Muere David Bowie, el suicidio del Rock'N'Roll...

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Devastado. Triste. Tocado y hundido. Con el alma hecha un guiñapo. Así me siento. Así lo siento. David Robert Jones es como de mi familia, mi tío perdido, junto a Lou, ambos ya en otra dimensión. Esta mañana he recibido la peor de las noticias, por inesperada y por dolorosa. La muerte de David Bowie me pilla a contrapié. Puede que muchos piensen que sus 69 años son un argumento poderoso para comprender su muerte pero hoy en día 69 años no son tantos, más aún cuando había vuelto hace nada, con su "The Next Day" y su "Black Star", siempre confundiéndonos, siempre dando que hablar, siempre poniendo a prueba nuestros gustos, nuestra inteligencia... siempre provocando que sus oyentes además de él sean/seamos inquietos. Otra vez el dichoso cáncer se ha llevado a un extraterrestre. Dichosa enfermedad!!! Una vez se ha ido David el vacío generado es de difícil reparación. Para los amantes del rock, de la música en general, ya casi no nos quedan grandes referencias, grandes nombres y leyendas, grandes leyendas. Dylan, Young, Jagger & Richards, Townshend, Ray y Macca. Esos son, de verdad, los más grandes que nos quedan, y aunque parezca que están en plena forma podemos despertar cualquier día y recibir otro mazazo irreparable. Lo que queda, lo nombres, las bandas... no son dignas de los nombres citados a los que habría que añadir a Lou y Lennon como otros gigantes, cualquiera de esas bandas no hacen nada más que repescar en la obra de los mencionados. No hay relevo, no hay tanta calidad, ni la habrá. El rocanrol se está suicidando y nada podemos hacer, está dolido e indignado, y al irse Bowie sabemos que ya no hay esperanza ni salvación. 


Atrás nos deja una maravillosa obra y una historia vital acojonante. Desde su época adolescente mod, trabajando casi de niñera para los peques de Pete Townshend y convertirse después en una estrella mundial del mal llamado glam. Sus discos conceptuales, su época berlinesa, su acercamiento a lo comercial en la época MTV ochentera con el "vamos a bailar", "los amores modernos" y la "chica china". Su época más tecnológica y su madurez impecable ejemplarizada en "Thursday's Child"... su retiro.. su resurrección "al día siguiente" y finalmente su "Black Star". Último disco que en solo unos días no había dejado a nadie contento o sí o no, ni a mi que con una escucha pensé en dejarlo para otro momento aunque ahora sin duda lo escucharé de otra manera, con otros oídos, con cariño, siempre con respeto porque ese es su último trabajo, su testamento. Sigo dolido, mientras escucho su preciosa voz. Ahora suena "Drive-In saturday" y se me eriza la piel. Tanto en la Isla como aquí en el Exilio sólo podemos dedicarle todo nuestro tiempo para darle las gracias por los buenos e incontables momentos que me ha hecho disfrutar. Parte de mi vida, siempre conmigo. Gracias David.



*texto aparecido originalmente en Nikochan Island por NIKOCHAN

Mavis Staples nuevo disco y documental.

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Nuestra favorita Mavis Staples, la Reina del Gospel Soul, tras sus brillantes trabajos bajo la producción de Jeff Tweddy (Wilco) editará en febrero un nuevo disco Living on A High Note, con el genial M Ward a los controles y con la colaboración de artistas tan esenciales como Nick Cave, Neko Case y Bon Iver.

Está vez y como novedad serán todas canciones de nuevo cuño y entre los compositores están aparte de alguno de los ilustres mencionados, otros como James Booker.
Ella quiere dar por cerrada su fase de recrear con su estilo sus canciones de libertad favoritas y clásicas, dando paso a que afloren otro tipo de sentimientos con canciones compuestas exclusivamente para ella.

A su vez, se estrenará y editará el documental Mavis que ya era necesario ya que es una de las voces más sublimes que ha dado la música americana en su rica historia. 

Estamos de enhorabuena, pray on brothers and sisters.

En el enlace puedes escuchar el adelanto, la canción High Note:

https://soundcloud.com/antirecords/mavis-staples-high-note

The Hanging Stars adelantan un tema de su debut

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Ya tuvimos la suerte de conocerles y escucharles en directo en la sala Heliogàbal barcelonesa presentado sus canciones y ofreciendo un directo más que solvente. Su primer LP "Over the silvery lake" llegará con la primavera pero por suerte ya tenemos adelanto, el precioso "13 running waters ride" donde el piano a lo "jinete en la tormenta" y la dulce flauta nos llevan a décadas pasadas, a finales de los sesenta, al aroma Crosby..... Pronto tendremos en las manos el disco de The Hanging Stars: Richard Sam (guitttra, voz, y líder de la banda) Ferman (Bajo,  Paulie Cobra (batería), Horse (pedal steel), Patrick Ralla (banjo, guitarra y varios) y Phil Anderson /teclados). Os dejamos con su nueva canción.

Gira Española y DVD de Elvis Costello

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Elvis Costello visitará España el próximo verano y a pesar que de momento sólo son tres citas las confirmadas: Zaragoza (4 Junio, Sala Mozart), Madrid (5 Junio, Teatro Monumental" y San Sebastián (6 Junio, Auditorio Kursaal); algunos aún tenemos esperanzas de que esas fechas se amplíen y así poder verle otra vez en directo. Un directo en el que Costello se presenta solo, sin su banda habitual de los últimos años y donde al parecer realiza una especie de "Storyteller" que puede o mejor dicho será espectacular. La gira en la que está inmerso lleva dando tumbos ya más de un año y ahora Costello se ha decidido ha sacar al mercado una de esas actuaciones, concretamente el DVD será de la actuación que tuvo lugar el 12 de Febrero del 2015 en el Philharmonic Hall de Liverpool. Este documento parece ser otra muestra más de lo brutalmente genial que es el otro Elvis y sólo que sus conciertos se aproximen algo a esto conseguiremos tocar el cielo. Os dejamos con el listado de canciones y un vídeo para abrir boca:

Intro/ Red Shoes/ Watch Your Step/ Accidents Will Happen/ Church Underground/ ’45/ Shipbuilding/ I Can’t Stand Up For Falling Down/ Walkin’ My Baby Back Home/ Ghost Train/ When I Was Cruel No.2/ Watching The Detectives/ If I Had A Hammer/ Pads, Paws And Claws/ That’s Not The Part Of Him Your Leaving/ Down On The Bottom/ Blame It On Cain/ Alison/ A Good Year For The Roses/ Side By Side/ Jimmie Standing In The Rain/ Peace, Love And Understanding/ Golden Tom – Silver Judas

Willie Nile nos pide ayuda con su nuevo disco

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Willie Nile es de los pocos artistas que destilan verdad y amor por lo que hace. Si lo ves actuar y escuchas sus canciones es imposible no caer rendido a sus pies. En este 2016 anuncia nuevo disco a través de Pledge Music con quienes nos propone una especie de micromecenazgo donde además de ayudarle a la elaboración del disco y obtener una copia del mismo obtendremos buenas recompensas aún por determinar y el poder dar un 5% de lo obtenido para causas solidarias. Según el mimo Willie su disco que ya se está acabando y perfilando tendrá doce canciones repletas de guitarras, banjos, preciosos coros, pianos... de todo lo bueno y más., al parecer, mucho rock.

Para más información podéis acceder a la página de Willie Nile en Pledge Music pulsando aquí

Nuevo disco y minigira de The Wave Pictures

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Estábamos de vacaciones pero he tenido que remangarme para explicaros que después de su maravilloso disco del año pasado, el brutal "Great Big Flamingo Burning Moon", The Wave Pictures aparecerán por las dos grandes capitales de eso que llaman España para presentar su nuevo disco. "A season in Hull" es su título y la fecha para su lanzamiento está prevista para el 12 de febrero y será sólo en formato vinilero. Madrid y Barcelona son las ciudades escogidas para su presentación, según "Houston Party", las fechas son 18 y 19 de Marzo respectivamente. En Madrid será en sala Siroco y en Barcelona en la "Antiga Fàbrica Estrella Damm", se comenta que a los más rápidos y decididos sólo les saldrá por 12 machacantes. Hay alguna excusa entonces para perdérselo? 

Más información en la página oficial de The Wave Pictures: aquí