Joseph Arthur publicará disco homenaje a Lou Reed (preview)

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Joseph Arthur recientemente se ha dedicado a grabar sus propias interpretaciones de sus canciones favoritas de Lou Reed, tocadas y grabadas por él mismo en su estudio casero. El resultado llevará por título Lou, y se dará a conocer el 13 de mayo, además marcará su debut en Vanguard Records. El primer adelanto es la versión de Walk on the Wild Side, atentos a todos aquellos que podáis verlo, pués aparecerá el día 2 de abril en el Letterman Show. Además ha confirmado fechas para mayo en Madrid, Santander y Sarautz (más abajo)

Según cuenta Arthur: "It’s odd dancing around death, odder still if the death you are dancing around is that of a legend. You just never know what’s appropriate and what’s not, what to share and what to keep inside. There is no blueprint. I loved Lou and we were friends. The last thing I would want to do is turn his life into an opportunity, but at the same time, what better way to honor the man and his music than to celebrate it and sing it and record it?"

De momento ya podemos disfrutar del clásico Walk on the Wild Side


May 22 – Madrid – Boite Live
May 23 – Santander – Escenario
May 24 – Sarautz – Cinema/Teatro Modelo

Tracklist:

1. Walk on the Wild Side
2. Sword of Damocles
3. Stephanie Says
4. Heroin
5. NYC Man
6. Satellite of Love
7. Dirty Blvd.
8. Pale Blue Eyes
9. Magic and Loss
10. Men of Good Fortune
11. Wild Child
12. Coney Island Baby

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Songs: Ohia - "Magnolia Electric Co." (2003)

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"We’re going for a sort of 1950’s sound, ancient echo techniques on the voxs, doo wop back up singers (Jennie Benford, Scout Niblett, Lawrence Peters), dirty guitars, and as usual, as much of this is going to be done live as is possible."  Jason Molina

Último disco de Songs: Ohia, o primero de Magnolia Electric Co., realmente poco importa la formación que firme, ambos esconden detrás a uno de los últimos grandes genios de la música americana, Jason Molina, con el disco que le dió a conocer al gran público.

Entre tanta pérdida la pasada campaña, veo a Jason Molina uno de los artistas a reivindicar aunque su música no haya golpeado los cimientos de la música popular. Si que fuimos los suficientes los que lloramos su pérdida. En su música se ven reflejados tanto Neil Young como Townes Van Zandt, y la lírica de su cancionero continúa resultando un buen refugio para los solitarios y espíritus rotos, sonidos de melancolía excelsa y difícil penetración a plena luz del día, pero que con nocturnidad y alevosía son briznas de luz capaces de iluminar las horas oscuras del alma.

Como Songs: Ohia firmó discos de belleza oscura y profunda, austeros en su concepción, siempre mal-comparado (superficialmente) a Will Oldham por su similar idiosincrasia, además de manera circunstancial ya que Oldham editó el primer single de Jason Molina, injusta comparación teniendo en cuenta el gran calado de sus canciones, y donde recomendaría a quien interese sumergirse en el disco Impala, un canto desolado a la desdicha de la working class, de igual calado es Axxess & Ace también más accesible, incluso es imprescindible Didn't It Rain, rico en texturas acústicas y en algunos pasajes tímida electricidad que podría considerarse el precendente sonoro al disco que nos ocupa, grabado en directo en el estudio para más señas, en un ejercicio de instrospección donde Jason Molina ahondó hasta niveles insospechados en su propia psyche.

Magnolia Electric Co. supuso un cambio significativo en su discurso, dejaba atrás el folk gótico y denso en favor de un country-rock eléctrico que remite a los 60/70 y con Neil Young como máximo punto de fuga (más claramente en su siguiente Trials & Errors). Para la ocasión Molina se hizo acompañar de parte del grupo Jim & Jennie & the Pinetops, presente en el anterior disco, a destacar el apoyo vocal de Jennie Benford, formación que completan entre otros músicos las voces de Scout Niblet y Lawrence Peters, grabado además por Steve Albini en sus estudios y en riguroso directo.

Este disco le dió a conocer al gran público, su menor densidad y mayor accesibilidad sonora fueron idóneos para ello, pareció como si el mundo entero esperase este disco para reconocer su grandeza. Y aunque la impresión y el empaque es de grupo, en todo momento el discurso predominante sigue siendo el de su propio universo lírico, si en su anterior disco ahondaba en sus propias raíces y en la búsqueda de una estabilidad emocional, aquí la tristeza y melancolía de sus letras dejan entrever la necesidad de un cambio, con el movimiento como motivo central y la necesidad de encontrar su sitio.

El disco abre con Farewell Transmission, una canción perfecta, marcado por el riff de la slide que ya aparecía en Didn't It Rain, uno de esos momentos de química perfecta con casi una docena de músicos en el estudio, grabada en directo y sin ensayos, Molina sólo puso a disposición de los músicos la progresión de acordes, ni tan sólo tenían idea de como terminarla, pero lo hicieron, el final es portentoso "listen! long dark blues", su lírica onírica es muy potente, el desierto, la luna, la oscuridad, claves que se repiten a lo largo de su carrera y parecen confluir aquí, Molina tiene la facilidad de construir imágenes con sus versos, a decir verdad es una de las letras que más me fascinan de cuantas he escuchado en mi vida pues cualquier significado variará dependiendo del momento o de quien la escuche, poesía en movimiento, grandiosa. Con I've Been Riding With The Ghost se presentan los coros, se reafirman las guitarras y esa slide presente en casi todo momento, Jason Molina parece encontrar definitivamente un nuevo lenguaje musical con el que se desenvuelve fácilmente, y que no supone impedimento para su profunda espeleología emocional, se presenta claramente su predisposición al cambio, incluso a superar los errores del pasado, aprender de ellos, aunque por su voz puede adivinarse cierto arrepentimiento y enfado consigo mismo.

Incluso los momentos más suaves y lánguidos suenan más luminosos que toda su obra anterior, Just Be Simple te mece, esta canción es poesía pura, el amor, lo simple que es simplemente quererse y cuanto se complica a medida que se avanza, magistral, un disco para lyrics delante. Almost Was Good Enough recuerda a un medio tiempo de los Crazy Horse por sus guitarras sucias, con un órgano en constante suspensión que mantiene la tensión lírica de alguien que resiste, que intenta por todos los medios ir a mejor pese al peso de su propia naturaleza. The Old Black Hen cuenta en la parte vocal con Lawrence Peters, interpretación que la acerca a los cánones country, además por el violín, piano, gran trabajo de la banda, en los versos se refleja a un Molina que no puede escapar de la fatalidad que le persigue en su propio universo lírico.

Y llega Peoria Lunch Box Blues donde Scout Niblet está en su salsa, esta chica tiene una carrera que merece más atención, balada desgarradora más cercana a la discografía anterior, potente lírica a la que muchas veces no es fácil rendirse, hace llorar. Otro de los grandes momentos eléctricos llega con John Henry Split My Heart perfecta canción country rock de guitarras que remite a toda la mitología americana con descaro y acierto, instrumentación excelsa que acaba con un giro potente, ¿se puede decir tanto en tan pocos versos? Jason Molina lo tenía, y esta canción relegada a las últimas posiciones del disco es simplemente magistral. Cierra el disco Hold On Magnolia, la más extensa con casi ocho minutos, placer sonoro que condensa toda la grandeza de este disco, violín, slide, la voz de Molina y nunca quieres que acabe, y la tristeza pocas veces ha refugiado el alma de quien escucha con tal calidez, melancólico, un día de lluvia.

El año pasado el disco Magnolia Electric Co. cumplía diez años, a tal efecto se reeditó en edición conmemorativa y extras varios, además su banda dió una serie de conciertos junto a su amigo M.C. Taylor (His Golden Messenger), conmemoración que tendrá su guinda este 22 de abril con la edición del disco tributo Farewell Transmission: The Music of Jason Molina del que ya puede escucharse el adelanto de My Morning Jacket con la versión de Farewell Transmission, un disco que seguro trae de nuevo a primera línea a uno de los genios cantautores de nuestros tiempos.

No podía faltar a la cita con este homenaje a un disco que merece el estatus de clásico, puede que Steve Albini pusiera de su parte con su manera directa y cruda de entender las producciones, pero bien hay que decir que se encontró con una colección de canciones que emocionan y que devuelven la fe en la actualidad de la música entendida como medio de expresión artística, y aunque Jason Molina no ha escrito ninguno de los capítulos principales de la historia del rock tiene en mi relicario personal un lugar privilegiado incluso mucho más allá de este disco que marcó el ecuador de su carrera, tanto su obra anterior con los discos mencionados, como la posterior con otros tantos, Trails & Errors, Fading Trails y Josephine...

Magnolia Electric Co. es un disco de huida hacia adelante, de no dejarse vencer pese a la soledad, pese a los reveses de la vida, son fuerzas de flaqueza resueltas con un disco grandioso e imprescindible del country-rock de nuestros tiempos, un clásico.

Por Chals


Songs: Ohia - "Magnolia Electric Co." (2003) 9,5/10

1.- Farewell Transmission / 2.- I've Been Riding With The Ghost / 3.- Just Be Simple / 4.- Almost Was Good Enough / 5.- The Old Black Hen / 6.- Peoria Lunch Box Blues / 7.- John Henry Split My Heart / 8.- Hold On Magnolia



Chuck Prophet - "Temple Beautiful" (2012)

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¿Quién dijo que no era posible en pleno siglo XXI acercarse al espíritu de obras magnas como el Exile on Main Street, The River o el London Calling?
Chuck Prophet firmó , hace dos años, un disco mágico, un tobogán de passion rock´n´roll, un poema de amor y guía energética de Frisco, su ciudad. La lió pero que muy gorda y con dos años de perspectiva, podemos afirmar que aportó su clásico. No creo exagerar si digo que es la referencia más completa de 2012 y de su carrera.

Cuando estás acostumbrado a que tu hijo saque del notable para arriba, sin darte cuenta, dejas de valorarle y empiezas a exigirle que de ahí, no baje. El californiano lleva mucho tiempo siendo de los mejores de la clase , nos tiene muy mal acostumbrados.

Desde que su seminal grupo Green on Red del llamado Nuevo Rock Americano entró de lleno en nuestros estéreos en los ochenta, su guitarrista principal se apuntó directamente a la nueva generación de songwriters roqueros y guitarristas legendarios y nos ha venido curando con esa medicina que dejaron de producir los grandes laboratorios clásicos, es decir, los mitos de la guitarra que le precedieron y que contaron con los vientos de ventas y fama de cara.

Él , sin embargo, todavía duerme en hoteles IBIS, 54 € + iva la habitación, cuando es pura aristocracia del rock and roll, de esa que tiene el mojo constantemente trabajando y se hace discotecas infames por pueblos y small towns en compañía de su simpática esposa Stephie.

Es el Elliott Murphy de su generación, el principe sin principado, el verdadero exiliado.

Su carrera discográfica en solitario es de fondo, maratoniana, jalonada de muchas perlas, como favoritas me vienen ahora el Balanise Dancer (uno de los discos más amorosos de mi discoteca) , el The Hurting Business ( innovación) , No Other Love (mítico), The Age of Miracles...Incido así una vez más, en su modélico expediente académico para que no se queden sólo con el Templo los que le han descubierto entrando en él, sería un error no tirar para atrás.

Temple Beautiful venía precedido de la filtración de que se trataba de una oda a su ciudad , San Francisco y todos sabíamos que volvería a su notable eterno.
Lo que no esperábamos es este sobresaliente que viene a decirnos: a partir de ahora, a callar, tipo Ronaldo cuando mete un gol, puedo sacar la nota que a mi me dé la gana.
Con esta colección de hermosas canciones tiene su postgrado hecho para meterse de lleno en nuestra propio Hall Of Fame, algo marginal, esa que está dentro de nuestras cabezas ya que el Rock & Roll, desgraciadamente, desde hace muchos años, no interesa a la Humanidad.

Chuck Prophet ha firmado su London Calling. Aunque tenga doce temas y por tanto, no pueda considerarse como un doble, a mi a lo que me recuerda es a los tres dobles-río citados al comienzo, donde confluyen estilos con una gracia pasmosa.También puede ser un hermano gemelo pero de diferente costa del "Streets of NY" de Willie Nile ya que es el soneto perfecto a otra meca-musical de los U.S.A. como es la ciudad de las cuestas, del Golden Gate y de los Flamin´Groovies.

A este hombre, la pechada de girar interpretando sin descanso la obra maestra de los Clash de principio a fin, le supuso estar más en forma que Usain Bolt y atrapar el espíritu de aquel doble legendario: sobre la mesa varios bocetos de propuestas diferentes, la mejor materia prima, vamos a componer, arreglar y grabar doce bombas de protones.

Un hilo conductor con una letras que hablen con orgullo de una ciudad especial, luchadora y vanguardista, más europea que americana. No todo es Dock of The Bay, Jeffersson Airplaine o Grateful Dead en San Francisco, allí también hay tradición de lucha obrera, orgullo gay y políticos corruptos a los que denunciar, garitos new wave y punks, los citados Groovies, Camper Van Beethoven, los Nerves y luce el sol pero sopla el viento frío que espabila la mente. Por allí, arrasó un ciclón llamado punk-rock, que generó su rica escena underground.

Vamos a dar un paseo por éste Hermoso Templo:

Un acorde de telecaster es un acorde de telecaster y así comienza Play That Song Again: oh , oh, oh play that song again, su estribillo nos arranca el corazón a pedazos.

Seguir con Castro Halloween con sus campanitas y coros costa oeste me hace recordar a los Fleetwood Mac, al sonido de las colinas: en serio, es todo un himno. Sus solos, sus paradiñas de cortar la respiración...Halloween is gone, gone, gone...zaspa!!!! toma escala eléctrizante, toma cabalgada eléctrica, un solo antológico. Su fade out , fastidia que no veas. No quieres que nunca acabe como el Crazy Feeling de Lou Reed, Castro Halloween es un milagro.

Death or Glory, en esa vena esta pensada Temple Beautiful, la que le da título, volviendo a la arquitectura básica del power pop y dice someday it´s gonna be a revolution... ¿a qué esperamos entonces? Y paseas con chulería marcando paso en las aceras con tacon cubano, pisando las baldosas impares de cuatro en cuatro. Tres temas y Temple Beautiful ya es demoledor.

Museum of Broken Hearts es la balada made in Prophet, él las borda, sugerente, arrastrada, fantasmagórica, como un día de niebla en la bahía, con unos arreglos de cuerda transatlánticos. Impresiona y se te queda grabada en vena con esos órganos traseros que implican conocer y tener los discos que se deben en la balda. 

El medio tiempo con slide trotero dylaniano ala Dignity pero con voz Davies (cuanto tienen de Ray vocalmente) es Willy Mays is Up at Bats. Una pastilla de starlux, todo concentrado. Los coros por todo el disco le dan lustre y geolocalización sin gps. Y vienen las guitarras dobladas y somos Heidi corriendo felices por la pradera.

The Left Hand & The Right Hand cierra la cara A de manera memorable con un vintage Prophet, algo que sólo puede llevar su firma porque él será fan pero él es él.


Cara B, I felt like Jesus , ahora que hablamos de Petty, Chuck también adora al rubio de Florida y esto podría estar en el Wildflowers y ennoblece el paso que dio junto a Jeff Lynne, un postdylanismo country bien maqueado que consigue ser comercial sin venderse al diablo.Bonitísimo tema con sus lai lai lai finales.

Who shot John es la más sucia del lote y la que termina en una loca madeja de guitarras ardientes y explosivas. He came from so far away (Red Man Speaks) penetra en el pantano que es Tusk de los Mac, ellos cambiaron el pop americano, lo cambiaron para siempre.

Buddy Holly que es Dios tenía que estar y está en el dueto con su señora, la Finch, Little Girl Little Boy pero el detalle del saxo setentero es tremendo, whatever gets you through the night it´s allright Chuck, it´s allright. Y esos tres acordes finales, pin pan pun fuego eterno.

El single White Night Big City es un Spanish Stroll pero de Frisco y me recuerda al Santo De Ville, una fina macarrada chulesca y vacilona., fresquitadel todo.

Chuck es una esponja , desde Holly a Mink De Ville pasando por Jim Dickinson, su héroe. Es sureño, es norteño y suena a NYC y a San Fran , todo a la vez, es rock and roll.

Acaba con Emperor Norton in the Last year of His Life , otra balada pero llena de sombras y de detalles perfectos. 

Esto podría seguir hasta el infinito pero pasados sus 42 minutos encontramos mucha riqueza en este corto tesoro.Y eso que todavía no le he dado a sus letras, estaría fenomenal pillar un guía al respecto, conocer la historia reciente de la ciudad, ser franciscano de toda la vida. De verdad, es increíble pero nuestro príncipe underground ha sacado el sobresaliente.

Y si algún día me pierdo, encontrarme en las trincheras de la guerra que defienda todas las influencias de Temple Beautiful, una enciclopedia de emociones roqueras de primer orden. 

Por Joserra

Esta entrada se publicó en rockandrodri land pero ha sido modificada y actualizada para el Exile. Recomiendo la entrada del mismo album del redactor , mi buen amigo King Nikochan porque es bonito comparar visiones auque sean tan rotundamente favorables a este disco clásico instantáneo.


Chuck Prophet - “Temple Beautiful”(2012)
9/10

01.- Play That Song Again/ 02.- Cas­tro Hal­loween/ 03.- Tem­ple Beau­ti­ful/ 04.- Museum of Bro­ken Hearts/ 05.- Willie Mays is Up at Bat/ 06.- The Left Hand & the Right Hand/ 07.- I Felt Like Jesus/ 08.- Who Shot John/ 09.- He Came From So Far Away (Red Man Speaks)/ 10.- Lit­tle Girl, Lit­tle Boy/ 11.- White Night, Big City/ 12.- Emperor Nor­ton in the Last Year of His Life (1880)

BBK: artistas por días

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BILBAO BBK LIVE10, 11 y 12 de julio de 2014, Kobetamendi, Bilbao

Precios:
Bono 3 días: 105€ + gastos de distribución (6€)
Entrada de día: 52€ + gastos de distribución (6€)

Jueves, 10 de julio
FRANZ FERDINAND/ PHOENIX/ VETUSTA MORLA/ CRYSTAL FIGHTERS/ JOHN NEWMAN/ WHITE LIES/ PARQUET COURTS/ BLEACHERS/ ALLEN STONE/ BELAKO/ FUTURE OF THE LEFT/ ESKEAN KRISTO.... 

Viernes, 11 de julio
THE PRODIGY/ JACK JOHNSON/ IMAGINE DRAGONS/ FOSTER THE PEOPLE/ CONOR OBERST/ FRANK TURNER & THE SLEEPING SOULS/ DAWES/ EL COLUMPIO ASESINO
IZAL/ CHET FAKER/ THE 1975... 

Sábado, 12 de julio
THE BLACK KEYS/ MGMT/ THE LUMINEERS/ LOS ENEMIGOS/ SKATERS/ DORIAN/ JOHN TALABOT DJ set/ KUROMA/ LA M.O.D.A./ ELLIOTT BROOD... 

El Vez - "Graciasland" (1994)

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EL VEZ - GRACIASLAND

Algunos dicen que Elvis Presley está en todas partes. No lo sé, lo ignoro, y tampoco voy a fijarme mucho. Lo que sí que creo es que al que considero mejor Elvis “impersonator”, el autoproclamado Elvis mexicano es seguramente el más original de todos los imitadores del llamado Rey del Rock. 

EL VEZ
Hablamos de El VEZ, o lo que es lo mismo, de Robert Rodríguez, antiguo componente de la banda punk mexicana The Zeros, un tipo que aboga por la identidad chicana renegando de la hispanidad. Entre otras características también a tener en cuenta se podría citar que canta en una especie de ingenioso spanglish con mucha chispa, un detalle que pudiera acentuar más animadversiones entre puristas musicales o, en un momento determinado, hasta entre filólogos clasistas. Además realiza conciertos en directo en los que combina la parafernalia pélvica con el mejor rock de todas las décadas, desde el tradicional al setentero pasando por el punk en una especie de gospel-show rocanrolero donde juega un papel importante el traje de charro, el indígena azteca, el diablo americano o la virgen de Guadalupe. 

En sus canciones pueden aparecer fragmentos, extractos, referencias, citas dispersas de clásicos como Rolling Stones, Rod Stewart, Jimi Hendrix, Eddie Cochran, Simon & Garfunkel, etc., y cómo no Elvis Presley, mezclando clásicos del rock con canciones del Rey, cambiándoles la letra, maquillándolas y adaptándolas a su propio mundo reivindicativo y revolucionario. Como resultado de todo este cóctel es un sonido que se acerca en ocasiones a los Stray Cats, otras veces a Los Lobos y otras incluso a Iggy Pop. 

Desde la portada del álbum en "Graciaslandya se percibe el primer semi-plagio respecto al Lp que Paul Simon publicó en 1986 con el título "Graceland". Para colmo el chicano incluyó una adaptación del tema principal como "Aztlan", donde anima desde Río Grande a buscar aquel mito de la isla en un lago, esa especie de paraíso libre de enfermedades y de muertes que fue el supuesto punto de partida de la cultura mexicana más primitiva.

EL VEZ - GRACIASLAND - B
Pero todo ello es después de La negra, festiva presentación por parte de unas insinuantes Beautiful Elvettes (Lena Mari Aguirre y Pinky Turzo) entre mariachis, gritos al más puro estilo mexicano y muchos vivas a El Vez, así como de otro corte para ponerse a bailar sin pisar los "Huaraches azules" que en realidad son los "Blue suede shoes" de Carl Perkins. 

La fiesta solamente acaba de empezar. Si este tipo no contagia buen rollo al oyente de turno con "Chicanisma" es que el rock&roll no es lo suyo pues vaya pedazo de gran versión que se casca del “Little sister”, uno de mis temas preferidos de Elvis, y del que también recupera una suculenta interpretación con un Trouble que apuesto gozaría de la aprobación de Lux Interior. Ah, y hablando del siempre añorado líder de los Cramps seguro que incluso disfrutaría mucho más con Safe (baby let’s play safe)”

Más cosas. El tema "Go zapata go" procede del "Johnny B.Goode" de Chuck Berry y podría sacar de sus tumbas y poner a bailar a líderes militares de la resistencia campesina como Emiliano Zapata o Pancho Villa, mientras que por otra parte, con la mítica "It's now or never" demuestra sus dotes y nuevamente su admiración hacia Elvis hasta derivar en un "Maggie may" de Rod Stewart para quitarse el sombrero, pero el de mariachi, y exclamar finalmente a su compás ese "¡Que la chingada!"

EL VEZ - Mexican Elvis

Vamos con "Cinco de mayo", temazo guitarrero donde los haya en una magnífica composición propia dentro de un estilo cercano a los Clash o a los Who y en el que homenajea la conmemoración de la Batalla de Puebla en que el ejército mexicano derrotó a su adversario el francés. 

EL VEZ - Graciasland 2Y más. El instrumental "Gypsy queen" reivindicando a Carlos Santana, la recuperación para la causa del temazo ochentero "Mexican radio" de los Wall of Voodoo y, cual si estuviera poseído por los gatos más descarriados, Brian Setzer y compañía, nos insufla un rocanrol de raza con un homenaje a otro personaje histórico mexicano en The Cuauhtemoc walk

Por su parte, si con el tributo al líder activista estadounidense a favor de los derechos civiles para campesinos ilegales Cesar Chavez recupera la esencia de la pareja de compositores Leiber-Stoller, acaba siendo de fantasía ese final con "Immigration time" que empieza con el ritmo percusivo de las congas del "Sympathy for the devil" de los Stones para convertirse en una estupenda adaptación del "Suspicious minds" de Elvis. 

Muchos intentan emular pero pocos lo consiguen con tanta gracia y talento. Cada paso de Graciasland está milimétricamente calculado para el disfrute auditivo. Es a mi juicio el mejor disco de este tipo y, a mi gusto, uno de los mejores de 1994 y uno de mis preferidos de la década de los noventa mal que por decir esto le pese a pocos o a muchos. ¡El Vez vive!

    * Escrito por Johnny JJ, publicado originariamente en el siguiente enlace del Espacio Woodyjaggeriano y adaptado hoy para la causa del Exile SH Magazine.

El Vez - "Graciasland" (1994) - 8'4/10

1. La Negra / 2. Hurarches Azules / 3. Aztlan / 4. Chicanisma / 5. Go Zapata Go / 6. It's Now or Never / 7. Cinco de Mayo / 8. Gypsy Queen / 9. Trouble / 10. The Cuauhtemoc Walk / 11. Cesar Chavez / 12. Mexican Radio / 13. Safe (Baby Let's Play Safe) / 14. Immigration Time


Vídeo de Ray LaMontagne: Supernova

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Ray LaMontagne ya tiene vídeo para el primer sencillo de su álbum que estará disponible a partir del 6 de mayo.

1. Lavender 2. Airwaves 3. She’s The One 4. Pick Up A Gun 5. Julia 6. No Other Way 7. Supernova 8. Ojai 9. Smashing 10. Drive-in Movies


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Vinicius de Moraes - "La Fusa" (1970)

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Siendo como soy el más joven de los Exiliados y el que probablemente menos pelo tenga en la cabeza, a veces me siento algo empequeñecido por la sapiencia demostrada por mis compañeros, su sabiduría es amplía y su verborrea más aún. Tengo mucho que aprender, tal vez demasiado, pero el hambre musical es extrema. Puedo prescindir de muchas cosas en mi vida, de casi todas, pero de mis "niñas" no y por supuesto tampoco de la música. Soy un comprador activo, un coleccionista, eso sí, venido a menos pues la vida está jodida, la economía doméstica más aún y con dos niñas pequeñas, hipoteca.., vamos que os voy a contar que no sepáis... Así pues el número de novedades originales que llegan a casa ha disminuido bastante el último año, no así la repesca de clasicazos que es lo que realmente acaba siendo placentero. Buscar cosicas nuevas está muy bien pero hay tantos discos buenos y tan diferentes del pasado que se nos han escapado, hay tanta música fantástica de otras décadas por escuchar o redescubrir que a veces a uno se le quitan las ganas de los nuevos lanzamientos. Un servidor acaba tirando de sus mitos, de esos artistas que han marcado mi vida y que me suelen sacar de los más profundo del agujero. No son muchos claro, pero ahí están, mis intocables. Lógicamente cada uno tiene sus intocables, pero seamos sinceros, tampoco hay tantos artistas que estén por encima del bien y del mal, no hay tantos que sean realmente gigantescos, de los elegidos no hay tantos. Por eso en plena acalorada discusión musical a altas horas de la madrugada con unas copas de más y algunas horas de sueño de menos donde se debatían quienes eran las grandes figuras de la música del siglo XX e inicios del XXI a casi todo el mundo más o menos le salía la misma baraja de cromos. Dependiendo de los gustos de cada cual aparecía algún espontáneo que ciertamente merecería estar en la élte. Claro que Bob Dylan y Neil Young estaban en ese grupo, ese es el nivel y de ahí no hay que bajar el listón. No voy a enumerar los nombres de los nominados porque es tontería y todos sabemos más o menos quienes son y qué pié calzan pero mi cólera subió a niveles estratosféricos cuando se me intentó betar a dos personajes que creo yo son básicos, no sólo en mi vida, sino creo yo en la de la mayoría de seres vivos del universo aunque ni ellos lo sepan. Intentar convencerme de que Bob Marley no es una de las más grandes figuras de la música mundial es como decirme que los tomates nunca son rojos. Joder, es una figura clave, está por encima del bien y del mal, pero vamos, puedo entender que ese estilo, el reggae, no convenza a todos aunque precisamente el otro Bob estaba por encima de etiquetas, creencias y por supuesto estilos musicales. Cuando mi paciencia se agotó por completo fue cuando se me acusó de loco quijotesco al defender a Vinicius de Moraes como indispensable figura musical del siglo pasado debido supongo yo a una ignorancia supina. Vale que la Bossa Nova no es el estilo más popular del globo terráqueo, vale que no es lo más vendible, pero es simplemente luz para iluminar nuestros corazones. Es lo que os decía, aún siendo el más joven e inexperto de los exiliados y sabiendo que hay maravillosos artistas de los que desconozco más del 90% de su discografía, y aún sabiendo que existen grandes artistas brasileños como Caetano Veloso, Jorge Ben, Tom Jobim, Milton Nascimento, Las Marías (Bethania y Creuza), Badem Powell, Toquinho, Joao Gilberto, Chico Buarque, Gilberto Gil, Marisa Monte, Bebel Gilberto.... Nadie, absolutamente nadie, ha llegado a hacerme sentir lo que me hace sentir Vinicius de Moraes. Así de simple. Me quedo con él. Es imposible superarle. Ya hayas escuchado mucha o poca música, seas o no un pozo de sabiduría musical, es imposible quedar indiferente ante la propuesta de Vinicius. Su música es arte, es pura magia, pura poesía. 


Nacido hace un siglo más o menos en Río de Janeiro, Vinicius no es precisamente la imagen de estrella de la canción que uno puede tener en mente. Era un señor muy cultivado, abogado y periodista, nada más y nada menos, y poeta en sus ratos libres. Estudió poesía en Oxford cosa que certifica que era una rara avis en este mundo y en esa época. Un brasileño estudiando poesía en Inglaterra a mediados del siglo pasado? Pues sí. Vuelve a Brasil un tiempo pero acaba destinado a la embajada de París aunque allí poco lo ven pues pasa su tiempo en los bares acompañado de whisky, rodeado de mujeres y componiendo poemas. De vuelta a Brasil conoce al maestro Jobim y su alianza provoca el nacimiento de la Bossa Nova. Es o no importante el señor De Moraes? Quién quiera profundizar en su vida, en su leyenda, puede hacerse con el magnífico documental del 2001 "Vinicius" dirigido por Miguel Faira Jr. Se tiende a decir que "Canção do amor demais" de Elizeth Cardoso de 1958 es el primer disco de Bossa Nova, allá estaban incluidas sólo dos canciones firmadas por la dupla Jobim-De Moraes, en aquel disco, por cierto, también aparecía Joao Gilberto. Casi ná. Pues bien, poco tarda en aparecer la mítica canción de "Garota de Ipanema" con música de Jobim y letra de Vinicius, a partir de aquí, De Moraes comienza a colaborar con innumerables músicos, sobretodo hay que destacar tanto la amistad y alianza que mantuvo con Antonio Pecci Filho aka Toquinho, que duró nada más y nada menos que 11 años y nos dejó una treintena de discos, como también las maravillosas voces que siempre le arroparon, las voces de las Marías: Bethania y Creuza. Vinicius de Moraes se destapa como un extraño cantante, hasta el momento casi nunca había cantado en público y resulta algo inusual su proyecto en tierras argentinas donde grabaría una serie de temas junto a su escudero Toquinho, lo harían en el estudio para luego añadir tecnológicamente el sonido del público grabado a su vez en directo durante un concierto donde se tocaron exactamente las mismas canciones que en el estudio, el resultado es el maravilloso e irrepetible disco en "La Fusa" de 1970, para ello contó con Maria Creuza: voz, Toquinho: guitarra y voz, Mario “Mojarra” Fernández: contrabajo , y Enrique “Zurdo” Roizner: batería, contó también como invitados con Fernando Gelbard y “Chango” Farías Gómez: percusión. Lógicamente el bueno de Vinicus entre acordes, whisky y cigarros se echa un cantecito. Pocos discos me hacen sentir lo que me hace sentir "La Fusa" y pocos artistas llegan a emocionarme tanto como lo hace Vinicius. Vamos pues con este maravilloso regalo del señor De Moraes...


Abre el disco el himno carioca futbolero por excelencia, abre "Copa do Mundo" (ese mismo año Brasil ganó el mundial de Mexico). Alegría desbordante, felicidad absoluta. Despues de este pequeño y divertido aperitivo, "A felicidade" abre realmente el disco, en esta preciosa canción creada por Jobim/De Moraes que por cierto es de mis favoritas cantan tanto Vinicius, como Toquinho y María Creuza. A la señora Creuza hay que darle de comer a parte, su voz aterciopelada nos pone los pelos de punta. La guitarra de Toquinho es un lujo que no sé si nos merecemos y los coros, aij los coros.... "Tomara (ojalá)" sigue la senda marcada con "A felicidade". La señora Creuza sigue en estado de gracia, madre mía qué lujazo, piel de gallina cuando dicen eso de "E a coisa mais divina, que há no mundo. É viver cada segundo, como nunca mais...". Buuufff, la mare que em va parir!!! Y luego nos rematan con la maravilla de "Que maravilha" con una melodía perfecta, las voces de Toquinho y María se abrazan para danzar, buscándose con la mirada y acabar enamorándonos. Lo de "Lamento No Morro" la verdad es que me vuela la cabeza. Temazo absoluto. Llega "Berimbau-consolaçao" y si aún no has caído ya en las redes de La Fusa entonces no tardaréis, se os acabó el tiempo, ya no hay escapatoria. La canción es sublime desde su inicio, desde sus primeros acordes. Vinicius pregunta y María y Toquinho responden, en un juego vocal sólo apto para genios. Seguimos con la espléndida "Irene" de un joven Caetano Veloso: "Irene ri, Irene ri, Irene. Irene ri, Irene ri, Irene. Quero ver Irene dar sua risada!". Antes de la mítica y preciosa Garota de Ipanema de la que poco hay que decir sólo que aquí suena de miedo nos llega "Canto de Ossanha" que es una de las cimas de este "La Fusa". Mi favorita. "Vai! Vai! Vai! Vai! Não Vou! Vai! Vai! Vai! Vai! Vai! Vai! Vai! Vai! Não Vou!...". Después de la "Garota" llega esa "Samba em preludio", uno de los temas más bellos de la historia. Dicho esto, qué decir más? Cuando llega "Catendé" uno cree que ha muerto y está en el paraíso, sublime, bonica del to. Para despertarnos del sueño eterno Toquinho nos deleita con su guitarra mágica en "Valsa de Tunisia" y así llevarnos en volandas al final del disco. En "Eu seu que te voy a amar" María nos canta y nos convence de que será así, que nos amará desesperadamente y para siempre, y luego Vinicius parece que nos susurra desde otro mundo... "Minha namorada" es otra joya oculta en el disco, un tema reposado, tranquilo, bellísimo que nos coge de la mano antes del cierre con "Si todos fossem iguais a voce" que nos deja totalmente hechizados. El resultado final fue tan, tan bello que al año siguiente Vinicius junto a Toquinho y esta vez con María Bethania realizaron una segunda grabación, un "La Fusa 2" por así llamarlo que nadie debería perderse, otra maravilla.

Escuchar a Vinicius en "La Fusa" junto a Toquinho y María Creuza es enamorarse por primera vez. Es ver la primera sonrisa de tu hija. Es ver un atardecer en las Islas Griegas o ver al sol salir en Bahía. Es la felicidad completa. Es la magia de la música independientemente de donde provenga. Cerrar los ojos y dejarse llevar por la belleza de las voces y esos preciosos acordes. Qué maravilla, qué maravilla....


Vinicius de Moraes - "La Fusa" (1970)
11/10
01.- Copa do mundo/ 02.- A felicidade/ 03.- Tomara (Ojalá)/ 04.- Que maravilha/ 05.- Lamento do morro/ 06.- Berimbau-Consolação/ 07.- Irene/ 08.- Canto de Ossanha/ 09.- Garota de Ipanema/ 10.- Samba em preludio/ 11.- Catendé/ 12.- Valsa da Tunisia/ 13.- Eu sei que vou te amar/ 14.- Minha namorada/ 15.- Se todos fossem iguais a você.



Por Nikochan

Danny y sus campeones del mundo visitan las Españas

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Vuelve Danny para presentarnos en directo su delicioso "Stay True".Cuatro fechas, sí, sólo cuatro!,y cuatro ciudades. Atentos!!!

28 de mayo de 2014: Barcelona, Rocksound
29 de mayo de 2014: Madrid, Boite Live!
30 de mayo de 2014: Liérganes, Los Picos
31 de mayo de 2014: Bilbao, Azkena

Bob Marley & The Wailers - "Exodus" (1977)

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Éxodo desde el Exilio... No se espera en esta entrada lograr el consenso logrado hace siete días con la Playa del gran maestro canadiense, a priori. Y lo entiendo, no problem. Hay mucha gente (más de la que ellos mismos individualmente sospechan, me temo) que no comulga con el hijo de la sra Nesta y sus Wailers, particularmente, ni por extensión con el género que, guste o no de admitir, los inmortaliza forever a nivel global. Y en su derecho están. Es mi opinión, me esfuerzo en ello además, que el que no guste "X" o "Y" artista/genio (por idolatrado que sea y al nivel de erudición que toque desde la subjetividad personal que igualmente proceda) no condena a absolutamente nadie, lo mismo que no otorga derecho a mirar por encima de nada por pura (y gratuita) causa-efecto. Ciñéndonos ya en la icónica figura de Marley nos encontramos, en cualquier caso, con un sinfín de verbenas que lo mismo pueden llevar a la beatificación indebatible que al rechazo inmediato... Esto es así. Puedes centrarte lo mismo en la cabeza más visible -el héroe- que saca la música jamaicana de las barracas para imponerlo en un país donde las radios solo dejan rodar música anglosajona para -desde ahí- merendarse all the whole world de un zarpazo y porrazo en ristre, que también en algunos de los dogmas (más misóginos que meramente machistas) integra la filosofía rastafari a la que nuestro protagonista principal de hoy está evidentemente adherido. Sin embargo, yendo más allá de manías y adoraciones (de a granel o no) que es lo más importante, encontramos a un tipo que es historia del S.XX, amén de un músico e intérprete claramente irrepetible. Descomunal. La faz y rastas de Marley es como la foto de Einstein sacando la lengua, Marilyn agitando las faldas, el puro-cigarro de Groucho, la portada del "Pimientas", Miles dándole a la trompeta, Elvis dejándose la cadera o Bob levantando cartelones en un callejón (sumen lo que quieran sea a nivel social, artístico o político del pasado siglo -y de popularidad, que no de trascendencia o importancia que  hablamos, ojo-), y aunque sin duda siempre hay personal que en su (envidiable en no pocos casos) sabiduría reivindique a quien sea en el mismo registro, Bob Marley es inequívocamente la cara del Reggae... y de Jamaica, y de los trujis, y de las gorras de lana tricolor... e incluso, por qué no, otro ícono (completo que no solo generacional, como ocurre con lo realmente incontestable a todos los niveles en esta vida) de pura libertad o al menos autodeterminación, aún en la acepción más generosa del asunto, se admite y si se quiere. Y voy ya al contenido que procede, sí, no se me duerman... Eso sí, quede ello cristalino, su humilde servidor por Robert Nesta Marley, directamente, mata y remata la veces sean menester. Que no quepa duda alguna.


Ah, coño, se me olvidaba: "pero si todas las canciones son iguales"... Claro, no como en el caso de Ramones o los Young (por poner dos de mis bandas más queridas de todos los tiempos -y etc-)... nos ha jodido mayo... A ver, que esto (como lo otro) es un asunto de "género", le gusta a usted o no el reggae pero no me sea ignorante por la curra, porfa plis. "Esos sonidos", además, son ubicables de forma más o menos esporádica en gentes que van de Zep a los Police, pasando por Talking Heads, los Clash o hasta Rita la Cantaora... No se puede ningunear esto, se respeta el que no guste (está claro e insisto), pero ningunear, jamás. Y menos, cuando nos enfrentamos a un álbum como "Exodus", faltaría. Mi predilecto de la chapa Bob Marley & The Wailers (aunque "catch" y "natty" no andan lejos -y sin obviar a alguno que otro más-). La historia rápidamente: Marley ya es "alguien" dentro y fuera de sus fronteras de origen  (ya firmó con Island -desde el "agarra el mechero" del 73 en adelante-) y vive plácidamente en su mansión de Kingston  -que es algo así como una comuna hippie en clave rasta-caribeña y, muy posiblemente, el lugar techado de la tierra donde más trujis se han liado en la historia del planeta-... Acaba de dejar registrado para la posteridad, para más cojones, su "no woman no cry" en el londinense "Live" del 75 para volver  a casa siendo más grande que cualquier cosa que se logre imaginar, hasta el punto de influir en la política de su país, a pesar de su "apolítica" autoproclamada condición ... "Política" que, ni qué decir, es un polvorín siempre presto a estallar y que, en su caso, supone un atentado que acaba con él y sus familiares/amigos heridos en un tiroteo... Marley, tras el atentado, realiza un último concierto en su tierra (la famosa cita de "la gente dedicada a hacer el mal no se tomará un día de descanso... ni yo tampoco", sale de esto) y se va a las inglaterras donde registra, en las mismas sesiones, "Exodus" (77) y "Kaya" (78). El segundo es otro notable disco más que conviene tener controlado (ahí tienen la versión de estudio de "is this love" y alguna bicoca del copón como "satisfy my soul"), pero el primero... ay, el primero.


Movement of Jah people !

Ahí tenemos a los Barrett y a Patterson, los teclados de Downie o la guitarra de Junior Marvin... Lo que sería toda la camarilla. Un tracklist sin déficit a caber y, concretamente (al tanto), una cara B que cuento como una de mis cinco o diez (nunca menos) predilectas desde hace largos años... Y de acuerdo, sin duda, que resulta altamente debatible lo de la revista Time con lo de aquella encuesta, a finales de los noventa, que situaba a "Exodus" como el mejor disco del S. XX (tal cual lo explico, oigan), pero caray, que ahí queda eso igualmente. Así pues, atendiendo a todo lo apuntado hasta ahora (y cojocientas de cuestiones más que se pueden vertir sobre disco y músico -se nos acababa la semana aquí, como poco y en efecto-), llega la hora de abordar el cancionero de marras... Y sin más empieza "Natural Mystic"... Como se espera y toca que lo haga, estaríamos buenos. Y ya nos contarán, una y mil veces, que "Exodus", obviamente (que hay gente chalada cual botellines pero, por lo general,  solo hasta cierto punto), desde luego "mola" pero ya no es algo "tan puro" como lo que precede. Que está parido desde la premisa de agradar al "white mainstream" y tal... Bien, pues tras enviar a facturar puñetas a quien proceda nos queda siempre lo evidente de que, ya de salida y en todos los morros, esta pieza de inicio de éxodo no es sino el enésimo paradigma reggae en estado puro por parte del genio (y sus geniales asociados waileros)... Te darán ganas de perderte en la jungla a buscar tesoros entrujado perdido y dando bandazos litrona ron en ristre. Inmejorable flyer de entrada, con chupito gratis y la risa tonta que ya no te abandonará hasta el fin, al elepé. De seguidilla llegamos a "So Much Things to Say" con los memorables y tan ubicables coros de las I Threes (Rita Marley, Marcia Griffiths y Judy Mowatt). Con melodía más definida (y melosa) y esa complicidad que te arranca la muy cabrona... Un montón de cosas por decir, sin duda, pero te parecerá (o eso nos pasa a un significante sindiós) que realmente nada podrá dañarte ni joderte en los más mínimo mientras suena esto... Más veneno en la marmita y para adelante, vaya. "Guiltiness", pura aflicción en pos de esa culpabilidad que no cabe, ni llegará, en las cuentas de los poderosos... Se van a zampar ese "pan de la tristeza" sin duda y a dos carrillos... ¿Se puede ser más explícito?, y sin imperdibles ni crestitas (que estamos en el 77, ojo no olvidemos). Tremendo viraje para ese tan sencillo como contundente estribillo, conviene también señalar. Para el penúltimo corte de la primera cara tenemos esa "The Heathen", quizá la más monótona se admite (todo un mantra con eso de "De heathen back, yeah, 'pon de wall"), pero no exenta de evidente carga política y algún esporádico momentazo guitarril por parte de Marvin como para atesorar en formol para la canción más breve del lote. Y así llegamos al final del lado ""malo"" (dobles comillas, en efecto) del disco con, por supuesto, "Exodus" (la canción y tema titular)... "Natural Mystic" se pone aquí el traje de los domingos para estos tan reconocibles siete minutos de paso que, qué cosas, ejerce de imposible y enésimo hit en el opus de músico/banda. Himno rastafari, ritual vudú y canto a las buenas gentes del Jah (al que Strummer y cia tanto deberán -al canto que no al Jah-), todo en uno y tan campantes que se quedan... Y es entonces, oh brothers and sisters, cuando abandonamos el terreno de la mera excelencia y, sin toma de aire a mediar siquiera, nos ponemos metafísicos: toca darle la vuelta al elepé "Exodus" de Bob Marley & The Wailers... O "poco menos de veinte minutos en milagro mode que te crio", que va a ser lo mismo al fin...


De estas otras cinco pistas, que nos encontramos al girar galleta, reivindico y mucho (así de entrada) la del medio, la tercera: "Turn Your Lights Down Low"... Y no, no es porque me guste más que las otras cuatro es, sencillamente, porque no lo hace menos. Esa definición del reggae que lo revierte en soul caribeño, obviando su condición de folk autóctono de un lugar concreto, estalla del todo en esta canción donde Marley se nos aparece cual Marvin o Al, con una sugerente cadencia y tono previa al folleteo que no hay quien lo pare... Tremenda. Y tremendo el que esta auténtica burrada (por lo enorme) de canción quede eternamente relativizada... Sí, aún a pesar de su póker acompañante. Y es que, a ver... ¿Qué cojones explicar de nuevo a estas alturas del drama -y de la historia- de "Jamming", "Waiting In Vain", "Three Little Birds" o "One Love/People Get Ready"?... Díganme, por favor, que no se me ocurre nada. Cuando alguien comete la barbaridad de plantar cuatro canciones así en una misma analógica cara de un mismo disco... qué cojones pueden explicar sus detractores para vender la burra... ¿Es todo "muy inocente"?, ¿muy "facilón"?... Volvemos a lo de antes, si no gusta ok, pero no toquen la huevada al relativizar o tratar de ningunear su grandeza y, de paso, no hagan el ridículo free que no se hacen ningún bien...  Hacer fácil lo difícil es el santo y seña de los grandes, grandes de verdad. Hacer lo propio con lo imposible ya es coto privado de genios y similares. "Jamming" es Wonder disfrazado de pirata del Caribe tocando en algún garito de alguna isla perdida en hora de máxima audiencia (groove a tempo porrero... ¿qué coño quieren más?);  "Waiting in vain" es una de las canciones de "bonitez" más brutalmente extrema que he escuchado en la puñetera vida (y mi favorita de este señor junto a "Redemption song", ya puestos); "Three Little Birds" es el himno de la alegría del reggae y punto (el órgano de Downie en este tema lo han escuchado hasta en el planeta de los simios y hasta ahí mismo que te lo saben tararear); y, faltaría,  "One Love/People Get Ready" (con el extracto embutido del tema de Mayfield respondiendo por esa segunda parte del título) es de esas cosas que logran que uno no acabe de perder del todo la fe en la especie por jodido que, tantas veces, ésta te lo ponga. No veo a qué más vueltas con unas canciones que, de comulgar con ellas, terminan con todas las lisonjas y parabienes habidos, la verdad... El tercer día de junio de 1977 aparecía "Exodus" en la tiendas de discos y... No, no voy a tirar de la cursilería barata de mencionar que desde entonces el puñetero planeta este es un poquito, un algo ni que sea, mejor merced a ello. Eso sería demasiado jabón incluso para Marley, los Wailers y este tan célebre álbum que hoy me apetecía recordar, así que no lo haré... Y aunque, en la modesta opinión de uno, sea ello una puta verdad tan grande como el mismo sun.


Bob Marley & The Wailers - "Exodus" (1977) : 10/10
01. "Natural Mystic"/ 02. "So Much Things to Say"/ 03. "Guiltiness"/ 04. "The Heathen"/ 05. "Exodus"/ 06. "Jamming"/ 07. "Waiting In Vain"/ 08. "Turn Your Lights Down Low"/ 09. "Three Little Birds"/ 10. "One Love/People Get Ready".




Por Guzz

Sus Majestades los Rolling Stones el 25 de Junio en el Santiago Bernabeu

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ROLLING STONES CONCIERTO MADRID


Confirmado nuevamente y parece ser que ahora va en serio.  El 25 de Junio del 2014 actuarán sus Majestades los Rolling Stones en el estadio Santiago Bernabéu de Madrid. La apertura de puertas será a las 18'30 horas y la actuación comenzará a las 21'30 horas

Las entradas se pondrán a la venta el miércoles 2 de abril y los precios serán de 85, 105, 125 y 225 euros para asientos reservados, mientras que de 99 euros a pie de pista.

Pink Floyd - Wish you were here (1975)

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Lo que si que es un delito a día de hoy, es que en el Exile Subterranean Homesick Magazine, al que pertenezco muy orgulloso, no se haya escrito una sola nota o referencia a uno de los grupos más grandes que ha parido la galaxia, los británicos Pink Floyd. Y es precisamente en eso, en crear universos o incluso sistemas solares enteros a través de su música, dónde cada creación, cada disco, era un nuevo planeta en ese universo y lleno de vida, mucha vida. Nunca he entendido a gente que habla de esta banda como demasiado lisérgica y que hay que estar fumado para entender su música, yo particularmente no he necesitado meterme sustancias psicotrópicas para adorar sus composiciones, que además en mi caso, forman parte de mi propia vida. Todavía recuerdo la época del instituto, cuando un buen amigo de aspecto rockabilly, con zapatos de gamuza y tupé, compartía conmigo el gusto por este grupo, de hecho fuimos conociendo todos sus discos casi a la par. "Ojalá estuvieras aquí" es uno en el que siempre coincidíamos... en su grandeza.



Esta obra maestra de Waters, Gilmour, Wright y Mason, tiene dos características fundamentales, una de ellas es que es el disco posterior a The Dark Side of the moon, un álbum que hizo a la banda megafamosa, cosa nada fácil de superar, pero que como poco está al mismo nivel, sino más, utilizando también efectos de sonido más sintetizadores, y por otro que su temática abarca la industria musical, y los problemas mentales del miembro fundador del grupo Syd Barrett. Las sesiones de grabación, en los Abbey Road estudios, fueron arduas y complicadas, ya que hubo discusiones en torno al tema Shine on your crazy diamond y su división o no en partes. Shine on es un claro tributo a Barrett, quien curiosamente se presentó en los estudios en plena grabación (5 de junio del 75) mientras a todos les costaba reconocerle por su peso ganado y cambio de aspecto. 
Abre el álbum Shine on your crazy diamond (Partes 1 a la 5 unidas), la pieza de la discordia, con esos etéreos sonidos de sintetizador, que se hacen clásicos en la banda. La temática conceptual de las letras de Waters, hace que Gilmour exprima sus sólos de guitarra, que particularmente en esta suite son de los que tienes en la cabeza siempre, inolvidables. "Remember when you were young, you shone like the sun" ("Acuérdate de cuando eras joven, brillabas como el sol"), letras que hacen siempre referencia a Syd.
El final del primer tema se junta con Welcome to the machine, que comienza con una apertura de una puerta, contado por Waters como "símbolo de un descubrimiento y progreso musicales traicionados por la industria musical que está más interesada en el éxito y se muestra avariciosa", y que demuestra lo asqueado que estaba el grupo con la industria después del éxito reciente, en el tema Wright es el auténtico protagonista al manejar los sintetizadores de manera bestial, mientras que Gilmour canta de vicio. Have a cigar es otra crítica feroz a los peces gordos, que casi no saben quien son ellos mientras se benefician de sus ventas de discos, al mismo tiempo que musicalmente la guitarra de Gilmour se muestra rockera y omnipresente desde el principio, a la vez que Roy Harper (músico invitado) es la voz en la canción. Y llega el tema que da título al disco, un tema folk antológico, esa tonada campestre y bucólica, dónde Waters muestra sentimientos de alienación hacia otras personas y él mismo, así como la desilusión por la música (desde el punto de vista de la industria que odia), a la vez que el riff principal es aporte de David, es en esta canción dónde la fusión de ambos daba frutos gloriosos. El discazo, se cierra con las últimas cuatro partes de la suite inicial, devastadoramente hermosas, pocas veces he oído acabar un disco de manera tan antológica, con melodías unidas y entrelazadas, dando una sensación atmosférica de desierto, viento, y soledad verdaderamente abrumadora.


 
Qué puedo decir, ante una de las obras maestras más grandes que se han hecho, llena de acidez en las letras, de una música maravillosa, de pasajes melódicos que se me han incrustado en mi cabeza para toda la vida y que jamás se irán, y lo que es mejor, se anticiparon a muchas cosas, sobre todo líricamente a cosas que luego explotarían en The Wall, es de esos escasos momentos en la historia del rock en el que cada verso, cada palabra... tiene un sentido, un significado o un concepto.  
Y por último hacer reseña a la portada, hecha por el grupo Hypgnosis, unos artistas gráficos británicos de tomo y lomo, especializados en ilustrar las cubiertas con este tipo de imágenes asépticas, frías, que en ese caso representan a dos hombres que se dan la mano mientras uno de ellos se quema.
 
Os dejo con la interpretación de las primeras 5 partes de Shine on your crazy diamond en el Festival de Knebworth, en 1990.
 
 
 
 
Pink Floyd - Wish you were here (1975): 10/10
 
1.Shine on your crazy diamond (Parts 1-5)/ 2.Welcome to the machine/ 3.Have a cigar/ 4.Wish you were here/ 5.Shine on your crazy diamond (Parts 6-9)

Indie Cindy, los Pixies vuelven

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"Trompe le Monde" del 1991 cerró la etapa mágica de los Pixies. Grandes, muy grandes ellos. Durante todo este tiempo ha llovido mucho. Discos en solitario, conciertos, giras de reunificación, salidas y entradas de sus miembros, singles.... Por fin, el 29 de Abril tendremos material nuevo o no de la banda de Black Francis, llevará el título de "Indie Cindy" y será editado por Pixiesmusic, su propio sello independiente. Realmente nuevo nuevo no será el material, se dice que compilará material de los EP1, EP2 y el reciente EP3, así que si no hay sorpresas todo quedará en una especie de recopilatorio extraño. Al parecer el tracklist será el siguiente:

1.- What Goes Boom
2.- Greens and Blues
3.- Indie Cindy
4.- Bagboy
5.- Magdalena 318
6.- Silver Snail
7.- Blue Eyed Hexe
8.- Ring the Bell
9.- Another Toe in the Ocean
10.- Andro Queen
11.- Snakes
12.- Jaime Bravo  

Para aquellos que se lanzan en el Record Store Day, habrá una edición especial limitada en doble vinilo de 180 gramos, sólo disponible en las tiendas independientes participantes en el RSD en todo el mundo. Incluirá "Live in the USA":

1.-Bone Machine /2.- Hey /3.- Ana /4.- Magdalena 318 /5.- Snakes /6.- Indie Cindy /7.- I’ve Been Tired /8.- Head On /9.- The Sad Punk /10.- Distance Equals Rate Times Time Something  /11.-Against You /12.- Isla de Encanta /13.- Planet of Sound.

Chrissie Hynde en solitario

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Será el 9 de Junio cuando la líder de The Pretenders debute con su primer disco en solitario. Parece mentira que a sus casi 65 añazos bien llevados por cierto y un porrón de canciones, discos y conciertos a sus espaldas se lance ahora con disco en solitario. "Stokholm" es el título de dicho álbum que por cierto contará con las colaboraciones de Bjorn Yttling (Peter, Bjorn and John), Neil Young y... John McEnroe!!!. Portada, declaración de intenciones "Quería hacer un disco de power pop que se pudiera bailar - Abba meets John Lennon" (afirma Hynde), adelanto del single "Dark Sunglasses" y los títulos de los 11 temas para el álbum, los siguientes:

'You Or No One', 'Dark Sunglasses', 'Like In The Movies', 'Down The Wrong Way', 'You're The One', 'A Plan Too Far', 'In A Miracle', 'House Of Cards', 'Tourniquet (Cynthia Ann)', 'Sweet Nuthin' y 'Adding The Blue'.

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Rod Stewart - "Every Picture Tells A Story" (1971)

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Rod Stewart es el claro ejemplo de artista que vive de las rentas, y sinceramente creo que a quien menos le importa esta consideración es al propio Rod Stewart, este señor no sólo ha enriquezido el mercado de la silicona, el de las hombreras y el de la laca extra-fuerte para caballeros, su mayor legado siempre serán los discos que dejó entre finales de los 60 y principios de los 70, tanto por su participación en The Jeff Beck Group, como con los Faces y en solitario, yo le perdono, pero sólo lo hago por que esos discos de los que sigue alimentándose su fama son simplemente irrepetibles y hoy por hoy aun muy disfrutables.

La historia de los Faces y Rod Stewart casi podría superponerse, si bien Stewart debutaba en Noviembre del 69, lo haría un año después en Octubre del 70 con los Faces, aunque Ron Wood y Ian McLagan ya le acompañaron en An Old Raincoat Won't Ever Let You Down, y en el siguiente Gasoline Alley sería Ronnie Lane el que se unió al personal en nómina, posiblemente uno de los músicos que más admiro. Sin ir más lejos la totalidad de los Faces participa en este disco. Con Every Picture Tells A Story, Rod Stewart pasó de ser el famoso cantante del grupo de Jeff Beck y de los Faces, a un tipo con millones en el banco y una rubia impresionante pegado a su entrepierna... hasta la actualidad. Y por el camino hemos ido conociendo progresivamente más de las mujeres que han probado su mojo y la cantidad de sucesores que heredarán tamaña fortuna, que de su música.

bonita estampa

Maggie May es la canción que puso este disco en lo más alto y a su vez hizo de Rod Stewart lo que es ahora. El nombre de la protagonista pertenecía a una famosa prostituta de los muelles de Liverpool, aunque la canción cuenta la historia de su primera experiencia sexual en una tienda de campaña en el festival de Jazz de Beaulieu en 1961. Originalmente fue cara B de Reason to Belive, canción de Tim Hardin, pero después de un par de semanas y ayudada por los locutores de radio, que aún tenían cierto poder de difusión, fue reeditado como cara A y se convirtió en un super éxito que se mantuvo en el número 1 durante cinco semanas a ambos lados del Atlántico, casi nada, y después de tantos años continúa manteniendo su encanto original.

Esta canción y el disco por extensión, tiene cierta leyenda negra detrás, Martin Quittenton fue el co-autor, y excelente instrumentista responsable de que las acústicas sonaran de miedo, también tenía una banda llamada Streamhammer que acompañó Freddie King, el grupo prometía, incluso Stewart invitó a Martin a formar parte de los Faces, pero este desistió, lo que presenció entre bambalinas le impresionó lo suficiente como para declinar la propuesta, años después se alejaría del mundo de la música tras una fuerte crisis nerviosa, aunque colaboró con Rod en más ocasiones anteriores y posteriores a ésta. Poco después del éxito, una de las coristas cuyo nombre era curiosamente Maggie, perdió a su novio Les Harvey, guitarra de los prometedores Stone the Crows, murió electrocutado debido a una mala conexión de un micrófono, la banda no pudo superar la tragedia y desapareció. La carrera de Maggie Bell continúa hasta nuestros días. Además dos músicos que participaron en esta canción también murieron a temprana edad.

Luego tenemos el caso de Ray Jackson, que tenía su banda, Lindisfarne, su vivencia demuestra lo rácano y desconsiderado que era nuestro hombre, fue él quien dió a la canción el toque característico con su riff de mandolina, por su fenomenal trabajo sólo cobró 15 libras, pero además nada más lejos que aparecer como músico en estas sesiones, Rod dispuso en los créditos un ninguneante: "The mandolin was played by the mandolin player in Lindisfarne. The name slips my mind". Incluso hago responsable a Maggie May, la muy..., de la desaparición de los Faces, puesto que su éxito desmesurado llenó su bolsillo, además de con más dinero del que podía gastar, de mucho ego.

 El hombre de la mandolina de 15 libras

El single se salió de madre y consiguió más dividendos de los que se esperaban, pero este disco no es de una sola canción, para mí las ocho canciones van juntas y son inseparables, y aunque sólo hay tres canciones de su puño y letra, la titular junto a Ronnie Wood, el hit co-escrito con el malogrado Quittenton y la estupenda Mandolin Wind, una de mis preferidas, bien es cierto que Rod Stewart tenía la facultad de llevarse a su terreno toda aquella canción que caía en sus manos, desde la mencionada versión de Tim Hardin, pasando por Tomorrow is a long time de Bob Dylan, el That's All Right Mama que popularizó Elvis Presley, y el celebérrimo (I Know) I'm Losing You de los Temptations.

Country ensuciado de rock'n'roll, con los toques precisos de soul con el que, sin plagiar, se convirtió en uno de los blancos que más se acercaron a la interpretación de un negro, con una querencia folk que le hacía cuidar las partes acústicas al detalle y situando a la mandolina en un contexto rock como nunca antes se había hecho, todo fluyendo con gracia y desparpajo. Every Picture Tells a Story es un canto a la juventud y a las ganas de vivir, es pura hormona y despreocupación, pero también apasionarse a cada paso, una de las cimas más altas que escaló el hedonismo en los 70, cuando vivir sin límites y sin restricciones morales aún era posible.

Con este disco entró definitivamente en los anales de la historia del rock, entonces lo tenía todo, la banda, presencia, una voz reconocible, hacía buenas canciones, y las que no eran suyas se las apropiaba con facilidad, una de las estampas que debería estar en el relicario de cualquier Mod que se precie y en la estantería de todo amante del buen rock. Lástima que Rod no se diera cuenta que su éxito no sólo vino por su voz cálida y rasgada, y su presencia molona, el despiporre no le dejó ver que detrás suyo tenía una de las mejores bandas de rock, Ronnie Wood, Ronnie Lane, y Ian McLagan, inigualables, ni pudo intuir que juntos se hubieran comido a los Stones con patatas de mitad de los 70 para arriba (después del Exile por supuesto). Con Smiler, y ya sin sus compañeros, empezó a desaparecer la magia, aun tuvo sus momentos lúcidos pero no como a principios de los 70. Difícil imaginar si Rod está en ésto por amor a la música, a su bolsillo, o a su entrepierna, que más da, se lo perdono todo sólo por haber hecho esos discos atemporales y que continuan sonando igual de bien por mucho que pasen los años.

Y para acabar, y aunque una prostituta como Maggie se llevó todas las flores, siempre me quedaré con la historia de amor de Mandolin Wind, mi preferida del disco, creo que en muy pocas ocasiones Rod ha tocado la genialidad desde tan de cerca, el propio cantante aseguró en sus días que no aspiraba a otra cosa en sus directos que a hacer sonar Mandolin Wind como en el disco. Casi lo consigue en su versión del Unplugged del 93, un desenchufado autocomplaciente que remite a su época dorada, pero que queréis que os diga, suena a las mil maravillas, y además me descubrió que había un Rod Stewart más allá del Da Ya Think I'm Sexy. Every Picture Tells A Story es una de los grandes discos británicos de su tiempo, y aún suena muy muy bien.

Por Chals


Rod Stewart - "Every Picture Tells A Story" (1971) 9/10

1.- Every Picture Tells a Story / 2.- Seems Like a Long Time / 3.- That's All Right / 4.- Amazing Grace / 5.- Tomorrow Is a Long Time / 6.- Henry / 7.- Maggie May / 8.- Mandolin Wind / 9.- (I Know) I'm Losing You / 10.- Reason to Believe




Sólo cuando la tocó de nuevo junto a Ronnie Wood se acercó a la original

The Byrds - The Notorious Byrd Brothers (1968)

12 comentarios :


Los Byrds son un grupo esencial, uno de los elementos naturales necesarios para generar vida. Tuvieron en el principio de sus tiempos la maravillosa idea de juntar los dos polos de energia más grandes de la música popular de los sesenta porque eran muy listos y se les presentó la oportunidad en bandeja. Vieron la luz eterna en los cantes de ida y vuelta UK-USA de las otras dos B,  Bob y Beatles y con la mezcla dieron paso, primero al folk-rock y así más tarde al hippismo, al verano del amor, a la psicodelia, al country rock y a la madre que me parió.

Hicieron necesario que tengas pantalones vaqueros en tu armario siempre y pusieron en clave más rock y con espítitu más jazz el como suena la brisa y luce el sol las últimas semanas del verano y como late tu corazón que ya otra B esencial, los Beach Boys, lo habían llevado al Olimpo pero de una manera mucho más inocente, menos arty.

Los Byrds los considero tan sumamente necesarios que yo no sé ni las veces que tengo todos sus discos en diversas ediciones y es que como los Beatles, Bob y el cerdo, todo en ellos es aprovechable. Bueno, más que aprovechable digamos que seminal aunque siempre me ha sonado a término de crítico musical y a clínicas de reproducción asistida pero aquí les va que no veas.

Su poder transformador de las cosas les hace hijos del astro sol, eres capaz de ver crecer las plantas a su escucha y todo, absolutamente todo su catálogo es sobresaliente.
Quizás su último disco como pasa con el de The Band sea algo menos crucial pero estamos hablando de un combo siempre al borde de la ruptura , desde el minuto uno, con muchos gallos y más crisis que España, Portugal y Grecia juntas.
No podría hablar de mejores o peores porque no ve va ese rollo de comparar el oro:  sus dos discos iniciales, los jingle jangle son de quitarse el sombrero y su etapa post-country-rocker soberbia.

Sin embargo, para un servidor, en la trilogía Fifth Dimension-Younger Than Yesterday-Notorious Byrd Brothers está su revolución de los sentidos, su perfecta mezcla de experimentación con la raíz y su modernismo insultante.
Por querencia personal me parece que el final de esa etapa, el crepúsculo de la misma,  a pesar de la expulsión en plena grabación de David Crosby, haberse quedado ya sin el básico Gene Clark y porque Michael Clarke el guapo, se las piró escopeteado de aquel desaguisado, representada en el Notorious Byrd Brothers, es lo más grandioso que grabaron o , por lo menos, donde los ecos de la invención son tan profundos que siguen asustando, donde la belleza celestial y pastoril de sus juegos de voces ponen los pelos de punta y donde la cosmic american music no sólo nace sino que establece sus criterios de medición, el espejo inalcanzable donde mirarse.

Es un Sargento Pimienta pero mucho más pret a porter, es psicodelía country de primer orden, es orfebrería modal. Su corte le convierte en un traje clásico entre clásicos y junto con Forever Changes, la Meca, el Cielo, el Paraíso auditivo.
Si Eigh Miles High, la canción y el disco que la incluye, fue una especie de big bang para ellos y para infinidad de grupos venideros (su Revolver) cuando Roger se dió cuenta del potencial de las notas de John Coltrane y una base más libre sobre la que tocar, en Notorious remataron esa fórmula magistral, se marcaron un sinfonia sobre ella.


Atras quedaron los hits, si bien en el brio y trompeteo de Artificial Energy se agarran a ese single perfecto todavía con impulso. Gozada absoluta, producción soberana de Gary Usher (Dios) y un bajo motown de Chris Hilman que se sale de toda posible calificación porque no hay estrellas suficientes. El toque raga preside toda la grabación que parece made in heaven, ese aire eastern, ese que a George Harrison le podía.
No hay más que quedarse plantado ante esa Mona Lisa que es su cover de Goffin/King, Goin´ Back y ver que estamos ante un punto y aparte, un lapso de belleza tan infinita como el universo y los coros, la rickenbaker, la steel, los tambores dibujan un paseo por el paraiso, el de Adan y Eva, siempre acabas comiéndote la manzana.
Para este exiliado, esa cover pueden ser de los 3:26 minutos más todopoderosos jamás llevados a un vinílo.La palabra que mejor la describe es milagro.
Natural Harmony puede hacer a Tame Impala o a los ahora emergentes Temples dejarlo todo en su sitio y retirarse, porque al igual que no se puede hacer ruido más bello que el que suelta Sister Ray, tampoco se puede reproducir el sonido de los verdes valles como lo hacen los Byrds.
Además, su característica es que el tronco de estas canciones está constituido por unos músicos tan sólidos, tan acertados a pesar de sus crisis internas, tan sumamente competitivos que lo dan todo como si fuera el final que casi lo fue. Sólo tienes que fijarte en Hillman y su bajo en Draft Morning, monstruoso.Esa tonada tan inspirada en los Beatles como todo lo que pasó en la legendaria década prodigiosa, resulta un caminito intrincado, lleno de sorpresas, de overdubs, una cabalgada al origen de la tierra, volviendo al tema de los elementos que dan vida. No necesitas drogas para colocarte, Notorious es mucho más natural y no deja secuelas.
La otra cover de Goffin/King, Wasn´t Born To Follow , y es que les dió por esa pareja de magos de la canción, como al principio renovaron a Dylan, es una staple del country psicodélico, una preciosidad donde McGuinn canta como ángel que es.
Sin Byrds no tendriamos pantalones vaqueros,  ni a los Beachwood Sparks , ni tantas cosas más.No concibo nada sin ellos cerca.
Get To You es otra maravilla, canónica, pastoril, barroca, pura ambrosia, me desmaya, en serio, Notorious desmaya.La verdad es que los Byrds son como una religión porque te hacen creer en algo superior, de otra manera no te explicas como fueron capaces de grabar semejante obra maestra.
Llega otro lingote llamado Change is Now, para ir comulgando por los pasillos laterales y el bajo, el bajo de Hillman de nuevo y una batalla de guitarras de quitar el hipo, no se con cual quedarme si canal derecho o izquierdo, vainica de los dioses.

Es tan bueno este disco que quizás sea el responsable que casi toda la psicodelia nacida de él me parezca un petardeo, nadie le llega a la suela de los zapatos al Notorious a pesar de su influencia tan clara en el pop inglés ochentero y en el Nuevo Rock Americano.
A REM cómo les influyó el Notorious...
Coltrane , Bach, libros de ciencia ficción, más Beatles y Hank Williams y una tonelada de talento.Los monjes de Silos con guitarras enchufadas.

El minutito y medio de Old John Robertson es ese country acelerado que adelanta lo que vendrá a ser la moda en poquito tiempo pero ese break barroco que tiene,  la hace diferente y esas guitarras haciendo encaje de bolillos, la convierte en perfecta.
Tribal Gathering es Crosby es estado puro, como evangelista que es de la armonía, canta como si fuera San Pedro y luego esa pequeña furia west-cost guitarrera para acabar. Mucha tela que cortar el Notorious, cuantas cosas descubres escuchándolo.
Pero queda Dolphin Smile (composición Crosby-Hillman-McGuinn) donce se demuestra que por fin, The Byrds han hecho un disco conceptual, armonioso, no trufado de singles, sino un Love Supreme o un Kind Of Blue, convirtiéndoles en genios. Esto lo digo bajito para que algunos no me oigan: Notorious me parece bastante mejor que el Peppers que suena verbenero en comparación siendo como es imprescindible y cinco jotas, no lo dudo. Me refiero con esto a que experimentar, la psicodelia en si,  es muy peligroso si no se sabe utilizar para el fin de conseguir horizontes lo más abiertos posibles pero donde se atisbe rock and roll orgánico debajo de las capas superpuestas.
Por ejemplo, Space Oddysey del Notorious Byrd Brothers, ahí está todo, no necesitas más, o como juntar la canción popular folk con la experimentanción en clave jazz y no resultar cargante sino celestial.
Y qué pena más grande que no metieran Triad * de Crosby por todas las brocas , egos y demás y quedara para los extras de la magnifica redición en cd de finales de los noventa porque es el huevo de oro que falta para completar la docena. Una docena de poms, vamos.

Como Kubrick con su obra maestra del mismo título que la canción final del Notorious, el grupo de lo años mágicos de L.A. , sus príncipes, pintaron el pasado, el presente y el futuro en un grandioso fresco que todavía admira y admirará a generaciones sucesivas de melómanos con gusto exquisito mientras exista el género humano.
Notorious Byrd Brothers hace crecer las plantas, hace que comience la primavera,  hace creer en algo superior a nosotros, es el círculo perfecto, comprobadlo de nuevo.


Nota: Se tardaba ya demasiado en tratar de una de las Bs mayúsculas en nuestro Exilio.
Esta entrada se la quiero dedicar a mi amigo Dani John Phillips, in the jingle jangle morning I will following you.


Por Joserra


The Byrds- "The Notorious Byrd Brothers"(1968)
10/10
1.-Artificial Energy/2.-Goin´Back/3.-Natural Harmony/4.-Draft Morning/5.-Wasn´t Born To Follow/6.-Get To You/7.-Change Is Now/8.-Old John Robertson/9.-Tribal Gathering/10.-Dolphin´s Smile/11.-Space Odyssey/12.- Triad *